１２３回目の今日お届けしたのは、「キマグレン／ＬＩＦＥ」でした
「僕が二人に初めて出会ったのは、2006年の春でした。二人が、前の年、2005年から経営していた、神奈川県・逗子海岸の夏季限定のライブハウス「音霊OTODAMA SEA STUDIO」に出演するアーティストのブッキング依頼で、僕の音楽事務所にやって来たんです。
最初は、当時25歳のKUREIが、独りで事務所にやって来て、話をしたんでが、その若さでライブハウスを運営するなんて大変だろうなと、思いながら話を聞いたんです。ところが、音楽について楽しそうに話をする彼の表情は、大変なんてものとは全く違うもので、そのギャップが新鮮に映ったんです。そして、打合せが終わった帰り際に、KUREIが１本のデモテープを置いていったんです。それが、キマグレンの音源でした」。
キマグレンのプロデューサーを務める森田さんは、当時についてこう振り返ります。
1980年7月、新潟県に生まれたKUREIと、同じ年の10月に神奈川県に生まれたISEKIの二人は、それぞれ両親の転勤で引っ越しを繰り返しながら成長し、彼らが16歳になった1996年のある日、神奈川県逗子市のスイミングスクールで出会います。チャゲ&飛鳥、山下達郎など邦楽に影響を受けていたISEK、一方のKUREIは、SUGAR RAY、LINKIN PARKなど洋楽に影響を受けていましたが、二人は意気投合。それぞれ別々のバンドで活動を続けていたものの、音楽を通して友情を深め合っていきます。
2005年6月、KUREIは、「砂浜にライブハウスを建てたい」という自らの夢を実現するために、友人のISEKIを誘って、海の家兼ライブハウス「音霊OTODAMA SEA STUDIO」をオープンさせます。そして、ライブハウスのスケジュール表に、偶然あった空白の日を埋めるために、KUREIとISEKIは急遽ユニット「キマグレン」を結成するのでした。
「KUREIが置いていったデモテープには、3曲入っていましたが、正直、曲は全然ダメでした。音楽の基本はできていたけど、良く言えばまとまり過ぎて、個性がありませんでした。ただ、３曲目に収められていた、二人が始めて一緒に作ったという楽曲「君を忘れない」を聴いた時、僕は何か引きつけられるモノを感じたんです。
そこで、実際に「音霊OTODAMA SEA STUIDIO」へ足を運び、キマグレンのライブを観たんです。デモテープ同様に、ライブの内容も酷く、音楽は全然ダメだったけど、ステージで楽しそうに演奏する二人の姿を観て、僕は「彼らは、自分達のやりたい音楽は分かっているけど、表現力が伴っていないだけかも。彼らは、「磨けば光る、ダイヤモンドの原石のような存在なのかも」と感じたんです」。キマグレンのライブを初めて生で観た時の印象について、森田さんは、こう振り返ります。
2006年夏、キマグレンの、何とも言えない魅力に取りつかれた森田さんは、その後も二人のライブを観るために「音霊OTODAMA SEA STUIDIO」に、度々足を運ぶようになります。
「キマグレンのライブを数回観る内に、KUREI、ISEKIと、音楽について色々と話をするようになったんです。しばらくして、二人から、音楽に関するアドバイスを求められるようになり、夏が終わる頃には「僕らと一緒にやってもらえませんか」と打診されました。僕は二人に「全ての楽曲のプロデュースを僕に預け、曲作りに関して、僕の言うことをイチから聞いてもらえるなら」という条件を出しました。二人は、その条件に納得し、僕らは一緒に曲作りを始めたんです」。
一方、キマグレンの二人は、森田さんとの出会いについて、こう振り返ります。
「森田さんと出会ったのは、「音霊OTODAMA SEA STUDIO」を始めて数年が経ち、経営に苦しんでいた時期でした。それまでも、色々な人に出会い、裏切られてきた中で、出会ったのが森田さんでした。人を余り信用できなくなっていた時期でもあったので、この人は信用しても大丈夫なんだろうか、という不安な気持ちもありました。でも、音楽に関するアドバイスは的確だし、この人なら騙されてもいいかと思って、とにかく森田さんの指示の通りに、目の前にあることだけを集中してやろうと、曲作りに励んだんです」。
こうして2006年秋、キマグレンの二人に、森田さんを加えた三人での曲作りがスタートします。
「歌詞を書くISEKI、曲を書くKUREI。それぞれが作ってきた歌詞と曲に、さらに３人でアイディアを出しながら形にしていく作業を、１週間に１度のペースで続けていきました。二人が作ってきた歌詞と曲は、基本的には良かったけど、キマグレンとしての個性がなかったので、「もっとオリジナリティ溢れる曲を作らないといけないよ」とアドバイスしました。曲調もミディアムテンポばかりで、アップテンポの曲の必要性も伝えたんです」。
森田さんは、当時についてこう振り返ります。
2007年7月、森田さんと一緒に曲作りに取り組み、曲を完成させたキマグレンは、インディーズレーベルからミニアルバム『LIFE』を発売。ミニアルバム『LIFE』は、セールス的には振るわなかったものの、広島ＦＭのパワープレイを獲得するなど、一部の音楽メディアから注目を集め、なかでもタワーレコードの音楽情報誌『bounce』で、高い評価を受けたことが、彼らに一つの転機をもたらします。
「『bounce』での高い評価の噂を聞きつけたレコード会社のスタッフが、その夏に逗子の「音霊OTODAMA SEA STUIDIO」で行ったライブに、たくさん見に来てくれたんです。夏のライブが終わった後、数社からメジャー契約の打診があって、その中からユニバーサルシグマと契約を結びました」。
こうして、ユニバーサルシグマと契約を結んだキマグレンは、翌2008年2月、シングル「あえないウタ」でメジャーデビューします。
2008年2月、キマグレンはシングル「あえないウタ」で、メジャーデビューします。
「この曲も、僕とキマグレンが一緒になってから作った曲の一曲です。曲を作った時、曲の完成度に満足はしていたんですが、ミディアムテンポの曲だったので、ミニアルバム『LIFE』に収めるとアルバムの構成バランスがおかしくなると思ったので、敢えて収めなかったんです。メジャーデビューが決まって、レコード会社と発売スケジュールを調整する中で、「この曲をデビュー曲にしよう」という話になったんです」。
次にキマグレンは、2ndシングルとして、デビュー直前から自信を持っていたある曲を、5月にリリースすることを決めます。
「この曲は、もともと2006年の冬の初めに、キマグレンというアーティストの、名刺代わりになるような曲を作ろうという思いから作り始めた曲なんです。当時、キマグレンの二人がやっていた「音霊OTODAMA SEA STUDIO」の経営状態は、僕らが「大丈夫なんだろうか」と心配するぐらい、酷い状態でした。ところが、キマグレンの二人、そして「音霊OTODAMA SEA STUIDIO」のスタッフは、そんな心配を感じさせないぐらい、毎日楽しく働いていたんです。辛い現実がある一方で、楽しいこともいっぱいある。現実と理想の葛藤に揉まれながらも、楽しく音楽を続ける彼ら自身の、日々の生活の姿を、歌詞に綴っているんです。
レコーディング中に、アレンジ面を含め何度もメロディを直し、最初と比べてサビのメロディもかなり変わりました。でも完成した時は、充実感に満ち溢れていました」。
キマグレンと森田さんの3人が、完成度に自信を持ったこの曲は、インディーズからリリースされたミニアルバム『LIFE』に収録されます。そして、メジャーデビューが決まった時、レコード会社から、「この曲をシングルとして発売したい」と提案を受けます。
「メジャーデビューが決まって、曲の発売スケジュールを決めていく中で、この曲を、キマグレンをブレイクさせる勝負の曲として捉えたんです。アップテンポのこの曲と、季節感を考えたら、2008年5月ぐらいのリリースがいいだろう、という話になりました」。
こうして2008年５月、キマグレンの2ndシングル「LIFE」は、満を持して発売されます。
2008年5月に発売された、キマグレンの2ndシングル「LIFE」。
「キマグレンの二人が曲を作る時に大切にしているのが、Life・Love・Localという３つのLが付く言葉です。
二人が、普段のライフスタイルの中でも音楽をとても大切にしている、という気持ちを、この言葉で表しているんです。
この曲は、飾らないありのままのキマグレンの姿を、的確に象徴している曲ですね」。
最後に、森田さんはこう答えてくれました。
音楽好きの二人のリアリティが、多くの若者の共感を呼び起こした、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．Ｏｎ Ｙｏｕｒ Ｍａｒｋ／CHAGE and ASKA
Ｍ２．君を忘れない／キマグレン
Ｍ３．あえないウタ／キマグレン
Ｍ４．ＬＩＦＥ／キマグレン
１２２回目の今日お届けしたのは、「ＹＵＩ for 雨音薫／Good-bye Days」でした
「僕が彼女に初めて出会ったのは、2004年2月に行われたソニーミュージックグループのSDオーディションの最終審査会場でした。この年のSDオーディションは、全国から10万通もの応募があって、一次審査となる書類審査、二次審査を経て、東京で最終審査が行われたんです。審査会場に現れた、彼女からは、「この子は、何かをやってくれるのでは」という期待感と言うか、独特の雰囲気、存在感を感じることができました。それは、僕以外の、他のオーディションスタッフも、同じように感じていたそうです」。
後に制作担当ディレクターを務める市原さんは、当時についてこう振り返ります。
1987年3月、福岡県・糟屋郡古賀町(現在の古賀市)に生まれたYUIは、幼い頃から歌を歌うことが大好きで、カーステレオやラジオから流れてくる松任谷由実、大黒摩季の曲に合わせて、歌を口ずさんでいたと言います。そして、彼女が15歳になった頃から、その時、彼女が感じた心情を、日記代わりに詩に綴って、その綴った詩に合わせて、ギターで弾き語りをするようになります。
2002年、YUIは、偶然耳にしたアヴリル・ラヴィーンのアルバム『LET GO』から、「10代の女の子でも、こんな音楽がやれるんだ」という衝撃を受け、彼女自身も音楽の道を志すようになります。その後、YUIは地元・福岡天神のストリートミュージシャンと出会い仲良くなり、やがて、自らもストリートミュージシャンとして街角に立つようになります。さらには音楽塾に入って作詞・作曲の勉強を始め、シンガーソングライターとしての道を歩み始めます。
こうして、2004年2月、YUIは、音楽塾のスタッフの薦めもあって、ソニーミュージックグループのSDオーディションに応募するのでした。
「他の参加者は、スタンドマイクを前に歌っていたんですが、彼女は違っていました。会場の中央に歩み寄ると、いきなりあぐらをかいて座り、アコースティックギター１本の弾き語りスタイルで歌い始めたんです。それはまさに、ストリートミュージシャンスタイルでした。
それから、最終審査は、参加者が２曲ずつ歌う予定だったんですが、彼女は２曲歌った後、「どうしても、もう１曲聴いて欲しい」と言って、３曲目を歌ったんです。本当はルール違反でしたが、その場にいた審査員は、すでに、彼女から何か引きつけられるものを感じたんでしょう、彼女だけ3曲目を歌うことを認めたんです」。
後に、制作ディレクターを務める市原さんは、当時のオーディションの様子を、こう語ってくれました。
2004年春、SDオーディションに合格したYUIは、ソニーミュージックグループ内の各レーベルが争奪戦を繰り広げた後、ソニーミュージック・レコーズと契約。その年9月に上京し、レコーディングをスタート。そして、12月に、九州地区限定で、インディーズシングル「It’s happy line」をリリースした後、翌2005年2月に、シングル「feel my soul」で待望のメジャーデビューを果たします。
2005年2月に発売した、YUIの1stシングル「feel my soul」は、フジテレビ系ドラマ『不機嫌なジーン』の主題歌として起用されます。
「SDオーディションに合格した後、夏頃から、デビューに向けて本格的な曲作りが始まり、作ったデモ曲の数は数百曲を超えていました。その中の一曲が、このデビュー曲です。YUIの透明感溢れる声、もがきながらも必死に前を向いて進んでいこうとする姿を描いた歌詞。新人アーティストのデビュー曲が、いわゆる“月９”ドラマの主題歌に起用されるという、異例の扱いで発売されたこの曲は、曲を聴いたファンはもちろん、関係者の中からの数多くの反響が寄せられました」。
「YUIは、中学生時代から始めた日記代わりに詩を書くことを、ずっと続けていました。YUIは、彼女自身の身の回りで起こった出来事や、感じたことをメモにして、折に触れて読み返していたんです。それが、曲作りの中でのヒントにもなっていました。ＹＵＩ自身が日々の中で感じたことが、歌詞や曲になっていく。YUIの曲は、彼女からのメッセージでもあるんです」。市原さんは、こう語ります。
2005年6月に松竹映画『HINOKIO』の主題歌として起用された、2ndシングル「Tomorrow’s way」をリリース。さらに８月には、デビューわずか半年で、野外ロックフェスティバル「ROCK IN JAPAN FES.2005」に出演するなど、ＹＵＩは、まわりの期待に後押しされる形で、シンガーソングライターとしての道を一歩づつ歩んでいきます。そして、翌2006年1月、女性シンガーソングライターYUIの存在感を多くのファンに知らしめることになる、４枚目のシングル「TOKYO」がリリースされます。
2006年1月に発売した、4枚目のシングル「TOKYO」は、YUI自身が、デビュー直前に福岡から東京へ上京する際の気持ちを綴った歌で、彼女自身がDJを務めていたFMラジオ番組『YUIのGirl’s Fight!』で、デモ音源を流したり、ライブで、彼女がアコースティックギター１本でこの曲を演奏したりしていた曲でした。そして、この曲を聴いた、ファンの間から、「この曲を発売してほしい」というリクエストが、レコード会社に殺到したことでリリースされものでした。
ＹＵＩの歌が、少しづつ、しかし、確実に多くのファンの下に届いている実感をスタッフが感じる中、2月には、1stアルバム『FROM ME TO YOU』をリリース。そして、次のシングルとして、彼女自身が主演した映画の主題歌が発売されることになります。
「もともとこの映画にYUIが主演する話は、彼女がデビューした2005年に決まっていたもので、主人公が女性シンガーソングライターということで、YUIに白羽の矢が立ったんです。演技の経験など全くなかったＹＵＩでしたが、新しいことにチャレンジしてみたい、という前向きな彼女の気持ちで、女優業にもチャレンジすることになったんです。それで、映画撮影と並行して、曲作りも始まりました」。
「テレビドラマや、映画の主題歌を作る時は、普通台本を読んで、曲のイメージを膨らませながら作っていくパターンが多いのですが、この曲は映画の撮影が進んでいく中で、彼女自身、シンガーソングライターとしてのYUIと、映画の主人公雨音薫をシンクロさせながら、彼女が直接感じたことを、何度も何度も書き直しながら歌詞に綴って、曲を完成させていったものです」。市原さんは、こう語ってくれました。
不治の病に侵され、余命いくばくもない一人の少女が、恋した男性のために、自分が生きた証を曲に込めていくという映画『タイヨウのうた』。
「映画が公開された当初は上映される映画館の数も少なかったのですが、この曲が発売され、ヒットすると同時に映画も話題を呼び、急遽、上映する映画館を増やしたんです。その反響に、映画配給会社も驚いていました」。
こうして2006年6月、映画『タイヨウのうた』の主題歌、YUI for 雨音薫のシングル「Good-bye days」は発売されたのでした。
2006年6月に発売された、YUI for雨音薫のシングル「Good-bye days」。
「YUIの音楽的な観点から見た場合、彼女は常にどの曲であっても全力投球で作って、歌っているので、この曲だけが特別な曲という訳ではありません。ただ、映画『タイヨウのうた』が、この曲とともにヒットしたのは、この曲が持っているストレートなメッセージ性が、曲を聴いた人に伝わったからではないでしょうか」。最後に、市原さんはこう答えてくれました。
演じることと、歌うことが見事にシンクロした、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．コンプリケイテッド／アヴリル・ラヴィーン
Ｍ２．feel my soul／ＹＵＩ
Ｍ３．TOKYO／YUI
Ｍ４．Good-bye days／YUI for 雨音薫
１２１回目の今日お届けしたのは、「ＭＯＮＫＥＹ ＭＡＪＩＫ／Ａｒｏｕｎｄ Ｔｈｅ Ｗｏｒｌｄ」でした
「1997年に、青森県の七戸町教育委員会に、外国語指導助手として来日したカナダ出身のメイナード・プラントが、来日後に習い始めた、少林寺拳法を通じて知り合った日本人の友人と、2000年にバンドを結成し、その後、外国語指導助手仲間のカナダ人と、イギリス人を加えた４人で作ったバンドが「MONKEY MAJIK」です。
結成当時のメンバーの一人だったイギリス人が、子供の頃にイギリスのテレビで見た『西遊記』の印象が強烈で、特に主題歌を歌っていた「ゴダイゴ」のことをずっと覚えていたんですね。それで、日本に来て、メイナードと一緒にバンドを結成することになった時、他のメンバーを説き伏せて、『西遊記』の主題歌のタイトルを、そのままバンド名にしたんです。
名付け親のイギリス人メンバーは、半年後に帰国してしまうんですが、バンドの名前と、そのもとになったゴダイゴの音楽の素晴らしさは、メンバーチェンジが繰り返されても脈々と受け継がれていきました。つまり、MONKEY MAJIKにとって、ゴダイゴは、全く新しい「Japanese Music Sense」を見せてくれた、偉大なアーティストとして、絶対的な存在なんです」。
バンド名の由来について、マネージメントスタッフの一人はこう語ってくれました。
2001年、メンバーの帰国により、２人組で活動を始めたMONKEY MAJIKでしたが、彼らが作ったデモテープが人づてに、仙台の音楽事務所の社長の手に渡り、彼らはスカウトされ、活動の場を仙台へと移すことになります。
そしてメイナードは、日本人ドラマーのtaxをメンバーに加え、さらにメイナードの弟で、ボーカル兼ギターのブレイズ・プラントをカナダから呼び寄せ、再び4人組のバンドとして活動をスタートします。
MONKEY MAJIKは、2002年5月、タワーレコード仙台店限定でミニアルバム『TIRED』を発売。仙台店のセールスチャートで6週連続1位を獲得します。ライブの集客数も安定し、少しずつ自分達の音楽に対する自信が芽生え始めたMONKEY MAJIKは、翌2003年9月、再びタワーレコード仙台店限定で1stフルアルバム『SPADE』を発売し、仙台店のセールスチャートでは13週連続1位、年間セールスチャートでも1位を獲得するのでした。
2003年9月に、タワーレコード仙台店のみでの発売されたアルバム『SPADE』でしたが、カナダ人のブラント兄弟のツインボーカル＆ツインギターに、日本人二人のリズム隊が創り出す音楽は、洋楽や邦楽といった音楽の垣根を越えた新鮮さを生みだし、やがて、その人気は全国へと広がっていき、翌2004年4月にはアルバム『SPADE』が全国発売されることになります。
「MONKEY MAJIKの、日本語と英語が交じり合った独特の歌詞は、まずメンバー４人の頭の中にある世界観を共有することから、始まるんです。その後、歌に込める思いが、聴く人にきちんと伝わるかを考えながら、バランスを詰めながら書きあげていきます。メロディに、特にこだわりはなく、ロック、バラード、jazzyなものなど、とにかくジャンルにこだわらず、作っていますね」。スタッフの一人は、MONKEY MAJIKの曲の特徴についてこう話してくれました。
シンプルで耳に馴染みやすいメロディと、細やかなアレンジ、そして英語の歌詞の中に違和感なく溶け込んだ日本語の歌詞。聴く人に新鮮な驚きを与えていったMONKEY MAJIKの曲は、その後、TV・ラジオ・新聞などのメディアでも頻繁に取り上げられるようになっていきます。
「ブラント兄弟の作った曲が、注目を浴びたのは、彼らが何かひとつのことに固執するのではなく、毎回毎に、彼ら自身のステップを１つ上げる心構えで、新しいスタイルの曲作りにチャレンジしている、ポジティブな点だと思います。とにかく、
彼らは、思いついたことは、すぐに形にしたがりますね。そのスピードと対応力が、常に新しいサウンドを生んでいるのではないでしょうか」。
MONKEY MAJIKは、2005年に入ると、2月にミニアルバム『Lily』を、４月にもミニアルバム『Ｇｅｔ Ｓｔａｒｔｅｄ』を立て続けに発売。９月には、2ndアルバム『eastview』を発売します。
アルバム『eastview』発売直後に、結成当時からのベーシストが脱退しますが、後任に、仙台の音楽シーンでは知られる存在だった、DICKを新たにメンバーに加え、MONKEY MAJIKは、レコード会社「エイベックス」のレーベル、binyl recordsと契約を結び、2006年1月に、メジャー1stシングル「fly」をリリースするのでした。
2006年1月に発売された、1stシングル「fly」は、広島ＦＭを含め、全国のFM33局でパワープレイを獲得すると同時に、オンエアチャートでも４週連続で1位を獲得します。勢いに乗った、MONKEY MAJIKは、翌２月に早くも2ndシングルを発売します。
「1stシングルを作った直後の2005年秋だったでしょうか。2006年1月スタートのフジテレビ系ドラマ『西遊記』への主題歌提供の話が、MONKEY MAJIKの下へ届いたんです。曲の締切まで、余り時間の無い中での作業は、まずメイナードとブレイズの頭の中にあった曲の構想を、ドラマのストーリーの世界にシンクロさせていくことから始まりました。」
「限られた時間の中での作業でしたが、メンバー全員が思っていた曲のイメージが一致していたので、進むべき方向は一つでした。彼らは、曲の中で、『西遊記』という誰もが知っている、小説上での大きな世界観を、この曲で、本当に大きな意味での「World」として表現しようとしていました。メロディから、物語の舞台にもなっていた中国を感じてもらおうと、笛の音なども使った演出にもこだわるなど、とにかく、『西遊記』という物語を理解して、イメージの赴くままに曲を作ろうと必死でしたね」。
「カナダ人と日本人の混合バンドとして、それぞれが持っている文化や感性の違いを生かし、これまでの日本の音楽シーンにはなかった、新しいカラーを表現していきたい、というメンバーの意思を込めて作ったのがこの曲です。歌詞にもある「フミダスチカラで世界は変わるさ」「いつでも自分に負けている人は何も掴めない」等、実は歌詞の奥には、この曲を聴いてくれた人達が、ポジティブな気持ちになってくれるように、誰かを応援したいというメッセージが、たくさん込められているんです」。
こうして、2006年2月、フジテレビ系ドラマ『西遊記』の主題歌として起用された、MONKEY MAJIKにとって2ndシングルとなる「Around The World」は発売されます。
2006年２月に発売した、MONKEY MAJIKの2ndシングル「Around The World」は、セールスチャート初登場4位を記録、約25万枚のセールス売上を記録します。
「MONKEY MAJIKの2ndシングル「Around The World」がヒットしたのは、楽曲の持つ世界観と、ドラマ『西遊記』の世界観が上手くマッチしたことと、ドラマに寄り添いながらも、楽曲「Around The World」そのものに、一人歩きできるようなパワーがあったからだと思います」。
最後に、スタッフの一人はこう答えてくれました。
大きな世界観の中に込められたポジティブ感溢れる、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．モンキーマジック／ゴダイゴ
Ｍ２．すぐちかく／MONKEY MAJIK
Ｍ３．fly／ＭＯＮＫＥＹ ＭＡＪＩＫ
Ｍ４．Ａｒｏｕｎｄ Ｔｈｅ Ｗｏｒｌｄ／ＭＯＮＫＥＹ ＭＡＪＩＫ
フレスタが、品質、おいしさ、安心、安全などにこだわった商品を、自信をもっておすすめするBimi Smileブランド。
きょうは、国産牛のバラ肉を、甘辛く煮込んで作った、Bimi Smile「国産牛の牛飯」をご紹介します。
明治の文明開化で、西洋の食文化が一気に日本に流れ込む中、その象徴となったのが、牛肉を甘辛く煮込んだ牛鍋であり、それをご飯にかけて食べた牛飯でした。以降、日本人は、牛肉を様々なスタイルで食べるようになりますが、今でも、ご飯のおかずとして圧倒的人気を誇るのが牛肉の甘辛煮であり、
全国各地のご当地弁当には、たくさんの牛飯弁当が登場します。
フレスタでは、３年前からこの点に注目し、肉質が柔らかく、コクと旨みがあり、牛飯に適している国産牛肉のバラ肉のみを原料にして作った、Bimi Smile「国産牛の牛飯」の販売を始めました。
まずは、コマ切れにした国産牛のバラ肉と、タマネギを、砂糖、醤油、みりんでじっくりと煮込みます。バラ肉は、赤身より脂分が多く、じっくりと煮込むことで、脂分の旨みと醤油、砂糖が上手く混じり合い、絶妙な味わいを生み出します。これを、炊きたてのご飯に、たっぷりかけると、Bimi Smile「国産牛の牛飯」のできあがりです。
Bimi Smile「国産牛の牛飯」は、ISO認証を取得した工場で、衛生面においても、安心・安全な環境の下で加工した後、フレスタ各店舗の惣菜コーナーで、毎日熱々の出来たてを販売しています。
炊きたてのご飯に合うように、少し濃い目の味付けをしていますので、お好みで紅ショウガや、七味唐辛子などを加えていただくのも、おすすめです。
発売以来、お弁当のベストセラーとして、食べ続けられているBimi Smile「国産牛の牛飯」。
ぜひ一度味わってみてください。
１２０回目の今日お届けしたのは、「ＳＥＡＭＯ／マタアイマショウ」でした
「彼は、中学生の時、当時日本テレビ系で放送されていたバラエティ番組『天才・たけしの元気が出るテレビ!!』のコーナー「ダンス甲子園」を見て、ダンスに夢中になり、大学進学後には、地元名古屋のダンススタジオでインストラクターをするまでになったそうです。それと同時に、ダンス音楽として聞いたM.C.ハマーやBiz Markieらにも夢中になって、HIP HOP音楽の世界に飛び込むことになったんです」。
後に、SEAMOのマネージャーを務めることになる八木さんは、当時についてこう語ります。
愛知県一宮市生まれのＳＥＡＭＯこと高田尚輝は、地元の大学に進学後、ダンスのインストラクターとして活躍する一方で、20歳になった1995年からは、自ら「シーモネーター」と名乗り、インディーズで音楽活動をスタート。さらに、名古屋・東海地区の、HIP HOPアーティスト達と共に、チーム「男塾」を結成します。
「どちらかと言えば、彼は内向的で、大人しい性格の持ち主なんです。ただ、その一方で、目立ちがり屋でもあったので、一緒に活動していたHIP HOP音楽仲間と『名古屋 男尻祭り』という、音楽イベントを、2001年にスタートさせたんです」。
「彼が、シーモネーターとして活動を始めた1995年から2000年にかけて、HIP HOP音楽は、まだまだ暴力的なイメージが強い時代で、J-POPの世界での認知度は低かったんです。その状況を打破したい、という考えで彼はイベントを立ち上げたそうです」。
シーモネーターが立ちあげた音楽イベント『名古屋 男尻祭り』は、HIP HOP音楽ファンを中心に話題を呼び、シーモネーターの名前は、一躍知られる存在となっていきます。
そして翌2002年、シーモネーターは仲間のDJ TAKI-SHITと共に結成したユニット「シーモネーター& DJ TAKI-SHIT」として、ソニー・レコードと契約。5月に、Sg「浪漫ストリーム」でメジャーデビューします。
2002年5月、シーモネーター＆DJ TAKI-SHITはソニー・レコードからＳｇ「浪漫ストリーム」でデビューします。
米米クラブの「浪漫飛行」を大胆にサンプリングして作ったこの曲は、全国のラジオOAチャートでも３位を記録するヒット曲となります。その後、シーモネーターは、同郷のnobodyknows＋やHOME MADE家族、さらにはBENNIE.Kなどともコラボーレーション作品をリリース。さらに、ケミストリーの楽曲Rimixも担当するなど、数々のアーティストと音楽を通して、親交を深めていきます。
しかし、シーモネーター＆DJ TAKI-SHITは1枚のアルバムと3枚のシングルをリリースした後、メジャーデビューわずか1年足らずで解散。彼は再びインディーズに戻ることになります。
「2004年、再びインディーズで活動を始めた時に、僕は彼と初めて出会い、一緒に仕事をするようになったんです。
当時は、レコード会社、所属事務所も決まっていなくて、音楽活動をするにも、まさに宙ぶらりんの状態でした。そんな中で、彼が作ったのが、さだまさしさんの「関白宣言」を大胆にリメイクした曲のデモテープでした。彼と僕は、この曲を発売するために、さださんの事務所に、一緒に通って話をしたんです。レコード会社も、所属事務所も決まっていなかったんですが、「関白宣言」をリメイクすることを、さださんは快く受け入れてくれて、その後、直ぐにいくつかのレコード会社にデモテープを送ったら、BMG JAPANとの契約が決まり、さらに所属事務所も決まったんです。」
マネージャーの八木さんは、当時についてこう振り返ります。
こうして、2005年3月、シーモネーターでは伝えきれなかったことを伝えるという名目の下、シーモネーター改めSEAMOは、Sg「関白」で、再デビューします。
2005年3月、SEAMOは、さだまさしの「関白宣言」をリメイクしたSg「関白」で再デビュー。７月には、2ndSg「DRIVE」を
リリースします。「「“DRIVE”は、FMラジオ局を中心に、全国で20局以上のヘビーローテーションを獲得することができました。さらに10月には、親交が深かったBENNIE.KとのコラボレーションSg「a love story」を発売して、セールスチャート最高位14位を記録します。当然、僕らスタッフの間では、SEAMOにとって、次のシングル曲が、彼のこれからの音楽人生のポイントになると考えていました」。
マネージャーの八木さんは、当時についてこう振り返ります。
2005年12月、SEAMOは、翌2006年春に発売を予定していた4枚目のシングルのデモテープを、スタッフに聴かせます。「SEAMOが、再デビュー後にコンビを組んで曲を作っていたのは、サウンドクリエーターのGrowthで、彼とは2004年頃に、地元の名古屋のクラブで出会ったそうです。楽器を弾けないSEAMOに代わって、彼が頭の中でイメージしたメロディを、具現化するのがGrowthの役割で、まさに二人は二人三脚で曲を作っているんです。
その時、二人が持ってきたデモテープに入っていたこのラブソングには、SEAMOが、インディーズ時代に付き合っていた彼女との別れが歌詞に綴られていました。初めてデモテープを聴いた時、僕らスタッフは「こんな女々しい曲は絶対売れないよ」と思ったんです。しかし、SEAMOとGrowthの二人だけは、「絶対に売れる」と主張していました」。
「今だからこそ言える話なんですが、実はこの時、夏に発売を予定していた５枚目のSg「ルパン・ザ・ファイヤー」のデモテープも既に完成していて、スタッフは、みんな「「ルパン・ザ・ファイヤー」は売れる」と思っていたので、４枚目のこの曲に対する思い入れはあまり無かったんです。本当に申し訳ない話ですが」。
その後も、SEAMOとスタッフは、幾度となく議論を交わし、最終的にはレコード会社も納得する形で、2006年4月、この曲は発売されます。
「発売数日後のある日、SEAMOは鹿児島でDef TechやAIと一緒にライブイベントに出演したんです。当時は、Def TechやAIの人気が昇り調子の時期で、彼らのライブを観たSEAMOや僕らスタッフも「彼らには敵わない」と、その人気に圧倒されたんです。ところが、ライブが終わって数日後、FM鹿児島に、SEAMOがライブで歌ったこの曲に対するリクエストが殺到したんです。それと同時に、鹿児島市内のCDショップでは、SEAMOのCD売上が、旧譜を含め急上昇し、セールスチャートをほぼ独占する勢いとなりました。そしてその勢いは、鹿児島から北上して九州一円に広がり、さらには全国へと広がっていきました」。
「売れた原因を考えてみると、やはり、ＳＥＡＭＯの書く歌詞だと思います。HIP HOPミュージシャンは、どちらかと言うと、自分の姿を大きく見せるために、かなり誇張した言葉を使うケースが多いのですが、SEAMOは違っていました。彼は、常に、飾り気のない言葉遣いで歌詞を綴っていたので、聴く人がリアリティを感じてくれて、それが心に上手く響いたんではないでしょうか」
こうして、2006年4月に発売されたSEAMO4枚目のSg「マタアイマショウ」は、桜前線の北上には一足遅れるかたちで、
じっくりと全国のヒットチャートで花を咲かせるのでした。
2006年4月に発売した、SEAMO４枚目のシングル「マタアイマショウ」は、セールスチャート最高位14位、発売から約１年近くチャートにランクインし続けるロングヒット曲となります。
「SEAMOのこの曲をキッカケに、他のHIP HOPミュージシャン達も、次々とラブソングを作って、ヒットを飛ばすようになったんです。SEAMOとサウンドクリエーターGrowthの、音楽の時流を読む力と、SEAMOのリアリティのある歌詞が見事に重なり合って、聴く人の心をキャッチし、結果的にSEAMOを大きく羽ばたかせることに成功したんです」。
最後に、八木さんはこう語ってくれました。
飾らない言葉で綴った、ジャパニーズヒップホップの新しいラブソングスタイルが生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．Ｈｅｒｅ Ｃｏｍｅｓ The Hammer／M.C.Hammer
Ｍ２．浪漫ストリーム／シーモネーター＆ＤＪ ＴＡＫＩ‐ＳＨＩＴ
Ｍ３．関白／ＳＥＡＭＯ
Ｍ４．マタアイマショウ／ＳＥＡＭＯ
１１９回目の今日お届けしたのは、「リクオ＆忌野清志郎／胸が痛いよ」でした
「元々、小さい頃から音楽、特に歌謡曲が大好きだったんです。小学生の頃からピアノを習い始め、高校に進学すると同時に軽音楽部に入部し、バンド活動を始めました。その後、関西大学に進学したんですが、大学３年生の頃には、あまり悩む事もなく、就職せずにプロのミュージシャンを目指すことを自分の中で、はっきりと決めていました」
音楽の道を志すキッカケについて、リクオさんはこう振り返ります。
大学を卒業したリクオは、関西を中心にバンド活動を本格化していきます。「自分が成長していく中で、邦楽、洋楽を問わず、色んな音楽を聴くようになっていましたが、僕にとって一番影響を受けた人物は、忌野清志郎さんでした。RCサクセション直撃世代の僕は、常に少数派であることを恐れず、自分の感性を信じ、自分の多面性に対しても素直で、ユーモアを大切にする、清志郎さんの生き方に、まず大きな影響を受けました。そして、歌唱法においても、日本語の響きやリズム、語尾を大切にする姿勢など、忌野清志郎さんを通して学ぶことがたくさんありました」。
1990年、リクオはイーストウエスト・ジャパンと念願のメジャー契約を結び、11月にミニアルバム『本当のこと』でデビューします。
「デビュー当時は、それまで身を置いたことのなかった、中央の音楽業界システムや、業界人と言われる人達との付き合いに随分と違和感を持ちましたけど、自分の中で、特に音楽の方向性を決めたりすることなく、アマチュア時代からと同じ、シンガーソングライターという立ち位置で、歌心とアコースティックな響きを大切にした表現を心がけたんです」。
ニューオリンズピアノ、Ｒ＆Ｂ、ブルース、ジャズ等に影響を受けた、リクオのグルーヴィーなピアノスタイルと、ソウルフルなボーカルは、世代・ジャンルを超えて、多くの音楽ファンはもちろん、ミュージシャン仲間からも支持を集めるようになっていきます。
こうして、リクオは、シンガーソングライターとしての活動だけに留まらず、友部正人、有山じゅんじ、真心ブラザースなどのツアーや、レコーディングにも、キーボードプレーヤーとして参加。セッションミュージシャンとしての活躍の場も広げていきます。そんな中、リクオが出会った、ミュージシャンの中に、彼にとって憧れの存在、忌野清志郎がいました。
「デビューミニアルバムをプロデュースしてくれたのが、元RCサクセションのサポートミュージシャンだった梅津和時さんだったことと、僕のマネージャーが忌野清志郎さんの元スタッフだったこともあって、デビュー間もない頃、僕が友部正人さんのライブに、チャボさんと一緒にゲスト出演した際、清志郎さんがライブを観に来てくれたんです。その後、清志郎さんとセッションしたり、曲を作ったりすることになるわけです」。
「僕に音楽面や生き方において大きな影響を与えた、憧れの忌野清志郎さんは、僕が想像していた以上に、チャーミングで、子どもみたいに悪戯が好きで、えらそぶることが全然ない、シャイだけれどオープンな心を持った人でした。そんな清志郎さんが作った音楽、存在感はやっぱり圧倒的でした」。
１991年6月、リクオは、セッションミュージシャンとして全国を精力的に飛び回る合間に作った、1stアルバム『時代を変えたい』を発売します。その後も、真心ブラザース、ザ・ブルーハーツ等のレコーディングに参加したり、泉谷しげる率いるユニット「下郎」のツアーにも参加します。そして、リクオにとって憧れの存在、忌野清志郎がRCサクセション活動停止後に結成したバンド「忌野清志郎&THE 2・3’S」のツアーに、キーボードプレーヤーとして参加するチャンスに恵まれるのでした。
忌野清志郎&THE 2・3’Sツアーの合間をぬって、忌野清志郎さんは、デビューして１年足らずのリクオとも積極的に曲作りに取り組み、その中で、ある一つの曲が生まれます。
「この曲は元々は、僕が学生時代に作っていた曲がベースになっています。実は、自分の弾き語りソロライブ当日、あまりにもやるせない想いを持て余していた僕は、ライブのリハーサル時間の大半を、曲作りにあてていました。何かを心掛けたり、こだわったりという意識や余裕はなく、ただただ、自分の中にこみ上げてくる想いを言葉とメロディに託すような気持ちでいっぱいでした」。
「その時、一気に完成させた曲は、しばらく僕のライブでは重要なレパートリーになっていましたが、ある時期から、楽曲全体としては洗練さに欠けると感じて、歌うことを控えるようになりました。しかし、僕は、この曲が生まれた経緯に思い入れを感じていたし、歌い出しのフレーズも気に入っていたので、「いつかリメイクしよう」と思っていたんです。忌野清志郎さんと共作するチャンスが巡ってきた時、僕はすぐにこの曲のフレーズの一部を清志朗さんに見てもらうことを思いついたんです。曲のサビのメロディとコード、そして歌詞を忌野清志郎さんに渡すと、清志郎さんは、この歌の持つ「素直さ」「ナイーブ」な側面を十分に尊重した上で、そこに、新たな構成を加えることで、この歌を個人的な体験としてではなく、誰もが共有することができるラブソングとして、完成させてくれたんです」。
「曲が完成した当時、僕は東京に、風呂なしのボロアパートを借りていたんですが、偶然にも、そのアパートの近くに忌野清志郎さんが住んでいたんです。ある日の朝、そのアパートで寝ていたら、ドアを叩きながら「リクオ起きろ！」という叫び声がするんです。その声に目が覚めて、ドアを開けると、そこに清志郎さんが立っていました。
すると、清志郎さんは「あの曲を完成させたから」と言って、１本のカセットテープを僕に手渡すと、すぐにその場を立ち去って行きました。そのカセットテープには、清志郎さん自身が小声で歌いながらギターを弾き語る、その曲が収録されていたんです」。
完成した曲は、1992年４月に、リクオ３枚目のシングルとして、発売されます。そして、しばらくはリクオにとって大切なレパートリーとなりますが、時が経つにつれ、リクオの心の中に複雑な感情が芽生えるようになり、リクオはこの曲を歌うことを封印するようになります。
「短い期間でしたが、忌野清志郎さんと身近に接することができ、清志郎さんの存在は自分の中で増々大きなものになっていきました。それは、自分に大きな刺激と影響を与えると同時に、複雑な感情ももたらしたんです。一人のファンという関係から、同じ表現者であるという意識を持った時点で、清志郎さんに対するジェラシー、清志郎さんを乗り越えたいという思いが強くなっていったんです。その結果、自分は清志郎さんの存在から次第に距離を置くようになっていきました。
それは、自分自身の音楽を確立させたいと、もがき続ける期間の始まりでもありました。そして、清志郎さんの影響が強かったこの曲を、封印することにしたんです」。
「ところが数年前にFM802が主催したライブイベントに出演した時、「この曲を歌って欲しい」とリクエストされたんです。この曲は、実は1992年の発売当初、FM802のヘビーローテーション曲に選ばれていたんですが、発売から10数年の歳月が流れても、この曲に思い入れを持っていてくれる人がいることが自分にとっては素直に嬉しく、ありがたく思いました」
こうして、リクオが憧れの人忌野清志郎と共作した楽曲「胸が痛いよ」は、再び歌われ始めるようになるのでした。
長い封印の時を経て、再び歌い始めた「胸が痛いよ」を、リクオは今月20日に発売するアルバム『リクオ＆ピアノ』でセルフカバーします。
「曲作りに向かい始めた当初の自分の気持ちを思い出させてくれる同時に、プロのミュージシャンになってから最初の節目を作ってくれた大切な曲です。今回、セルフカバーする気持ちになったのは、作った当初の当事者意識から少し離れて、この曲をクオリティの高いラブソングとして冷静に受け止めることができるようになったこと。それから、この曲を以前よりも納得できる歌唱、表現ができるようになったことが要因です。そして、何より、僕の音楽人生に多大なる影響を与えてくれた、忌野清志郎さんが亡くなられたことも、その流れの中にあります。今回のセルフカバーは、僕の、忌野清志郎さんとの18年ぶりのコラボレーションだと思っています」。
最後に、リクオさんはこう語ってくれました。
憧れのミュージシャンとのさまざまな想いを乗り越え、ラブソングの名曲が瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．時の過ぎゆくままに／リクオ
Ｍ２．トランジスタ・ラジオ／ＲＣサクセション
Ｍ３．お兄さんの歌／忌野清志郎＆ＴＨＥ２・３’S
Ｍ４．胸が痛いよ／リクオ＆忌野清志郎
１１８回目の今日お届けしたのは、「松平健／マツケンサンバ�供廚任靴�
1953年11月、愛知県豊橋市に生まれた少年・鈴木末七は、地元の高校に入学したものの、石原裕次郎に憧れ、自らも俳優を志し、高校を中退して、上京します。
1969年、劇団フジに入団した鈴木末七は、まず、芸名を松本二郎と名のり、数本のTVドラマに出演。その後、1972年に芸名を松平健と改めます。
1975年、俳優・勝新太郎のプロダクション「勝プロ」に移籍した松平健は、勝新太郎の付き人を務めながら、同じ年の1975年3月にスタートしたフジテレビ系ドラマ『座頭市物語 心中あいや節』に出演します。
1978年1月、松平健は、テレビ朝日系の時代劇『吉宗評判記 暴れん坊将軍』の主役に起用されます。松平健が主演した『暴れん坊将軍』は、TV時代劇のブームと重なって話題を呼び、松平健自身も人気時代劇スターとして、一躍注目を浴びる存在となります。そんな中、1980年の夏に届いたひとつのオファーが、時代劇俳優・松平健の新たな一面にスポットライトを当てる、キッカケとなります。
「『暴れん坊将軍』の主演がキッカケで、俳優としての知名度は着実にあがり、NHKの大河ドラマを始め、時代劇の出演オファーが数々届くようになっていました。そんな1980年の夏、その年の秋から放送予定の刑事ドラマへの
出演オファーが届いたんです。時代劇ではなく、現代ドラマへの出演依頼。しかも、ドラマのプロデューサーからは、「主演としてだけでなく、せっかくだから、主題歌も歌ってみませんか」という依頼でした。
松平健自身、もともと歌を歌うことは大好きで、俳優を志していた頃、稽古の合間にポール・アンカに憧れ、彼の歌をよく聞いていたので、直ぐにＯＫしたんです」。
マネージャーの長田さんは、松平健が歌手としてデビューするキッカケについてこう語ります。
こうして、松平健は、1980年11月、自らが主演したテレビ朝日系ドラマ『走れ熱血刑事』の主題歌「夜明けまで」で、歌手としてもデビューします。
1980年11月に発売した、松平健の1stのシングル「夜明けまで」は、セールス的には今ひとつでしたが、『暴れん坊将軍』の主役を務め、一躍時代劇のスターとなっていた松平健が、刑事ドラマに主演したことで話題を呼ぶと同時に、一人の歌手としても、知られるようになっていきます。
翌1981年、歌手・松平健は、４月に東京・渋谷公会堂で、6月には大阪・フェスティバルホールで1ｓｔコンサートを行ないます。また、自らが主演した時代劇ドラマ『暴れん坊将軍』の挿入歌を始め、CMソングなども歌うようになります。
「確か、この頃からだったと思います。松平健の舞台公演の構成が、第１部はお芝居。第２部は歌謡ショーというスタイルに変わってきたんです。そして、第２部の歌謡ショーを盛り上げるための曲として、まず作られたのが、1984年の「松健音頭」でした」。
マネージャーの長田さんは、当時についてこう振り返ります。
「その後、第２部の歌謡ショーを盛り上げるために、1987年に「松健数え歌」と「マツケンマンボ」を、さらに1989年には「松健小唄」を作ったんです。また「マツケンマンボ」からは、歌謡ショーが一番盛り上がるエンディンングで、ショーを観に来たお客さん達が、楽しい音楽を聴いて、ハッピーな気分で帰ってもらえるようにと考え、これらの曲を必ず最後に歌うことにしたんです。そして、次は何がいいだろうか、と色々考えた末に作ったのが、1992年の「マツケンサンバ�機廚任靴拭廖�
1992年に発表した、「マツケンサンバ�機廖�
「翌年、1993年の、プロサッカーJリーグ誕生を控え、サッカーの本場、ブラジルの音楽のひとつサンバを使った応援スタイルが、徐々に一般の人達にも広がっていっていた時代です。‘マツケンサンバ�機任蓮△垢鵑覆蠅伴�け入れてもらうことができました」。
しばらく歌謡ショーのエンディング曲として起用された「マツケンサンバ�機廚任靴燭�、1994年9月、翌10月から大阪・新歌舞伎座で予定されていた、松平健･舞台公演の打合せの席で、「マツケンサンバ�機廚離螢縫紂璽▲襪力辰�、舞台プロデューサーから、音楽担当の、作曲家・宮川彬良さんに提案されます。それまで、劇団四季や東京ディズニーランドのショーの音楽などを手掛けていた宮川彬良さんは、OSK日本歌劇団所属の作家、吉峰暁子さんが、夏の恋をテーマにA４の紙いっぱいに綴った歌詞に、軽やかなラテンのリズムを乗せ、メロディを作っていきます。
1994年10月、大阪・新歌舞伎座で行われた舞台公演「松平健・唄う絵草紙」の会場で初めて歌われたこの曲は、その後も、松平健の舞台公演には欠かせない曲となります。さらに、1999年10月、ファンからの要望に応える形で、公演会場と通信販売のみで、「マツケンサンバ�機廚�自主製作盤として発売され、この曲はカップリング曲として収録されます。
その後も、ファンの間で密かな話題を呼び、松平健の舞台で実際にこの歌を耳にした人が、ラジオ番組へリクエストしたり、松平健自身がTVの歌番組に出演した際に、この歌を歌うなどして、じわじわと、この曲の存在が音楽関係者はもちろん、ファンの間に浸透していきます。
「新宿コマ劇場や、福岡・博多座で行われていた、松平健の舞台公演のフィナーレで必ず歌われていたこの歌は、総勢50名を超えるきらびやかなダンサーをバックに、松平健が華麗に歌うもので、その派手なステージは観た人達の間で話題となり、TVのワイドショー他、様々なメディアでも取り上げられるようになっていきました。
そこで、僕ら事務所のスタッフは、マツケンサンバを自主製作盤としてではなく、メジャー発売できないだろうかと考えました。ただ、単なるCDとして発売しても、面白くないので、ファンの人達にも喜んでもらえるようにと、松平健が実際に歌ったステージの模様を収めたDVDと合わせて発売することを考えました。
振付師の真島茂樹さんが考えた、この曲の振りを観た人達が、みんな楽しそうに帰って行くのを僕らは知っていたので、踊りのDVDと合わせて一緒に発売したら、絶対に売れると思い、直ぐに、数社のレコード会社に打診したんですがほとんどのレコード会社から断られ、唯一話に乗ってくれたのが、ジェネオン・ユニバーサルでした」。
こうして、曲が生まれてから10年後の2004年7月、松平健の「マツケンサンバ�供廚蓮�発売されます
2004年7月に発売された、「マツケンサンバ�供廚魯察璽襯好船磧璽蛤嚢皸味外未魑�録、さらにこの年の大晦日に行われた、日本レコード大賞の特別賞を受賞します。また、松平健は第55回NHK紅白歌合戦にも出場します。
「この曲がキッカケで、松平健のファン層が広がって、新宿コマ劇場には、彼の舞台を観るために、若い人達も大勢訪れるようになったんです。
松平健自身も、俳優としてひと皮も、ふた皮も剥け、時代劇スターとしてだけではなく、俳優、歌手としての存在感を増すことができました」。
最後に、長田さんはこう語ってくれました。
ショーをいかに盛上げるかを考えたスタッフたちのアイデアが、J-POPきってのファンキーナンバーを生み出した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．マイ・ウェイ／ポール・アンカ
Ｍ２．夜明けまで／松平健
Ｍ３．マツケンサンバ�機疹省新�
Ｍ４．マツケンサンバ�供疹省新�
１１７回目の今日お届けしたのは、「稲垣潤一／クリスマスキャロルの頃には」でした
「小学生の時に初めて聴いた、ビートルズ。歌詞の内容は分からなかったけど、とにかくカッコ良かった。自分も歌手になろう、と決めたのはその頃です。そして、中学に進学して、友達とバンドを組んで、僕はドラムとボーカルを担当することになったんです」。音楽を始めた頃について、稲垣潤一さん本人はこう振り返ります。
1953年7月、宮城県仙台市に生まれた稲垣潤一は、中学校からバンド活動を始め、高校を卒業した1972年の春には、地元仙台のライブハウスなどで、セミプロバンドのボーカルとして活躍するようになります。やがて稲垣潤一の存在は、東京でも知られるようになり、1975年には、神奈川県横須賀市や、東京都立川市にある米軍基地内のライブハウスやディスコでも演奏するようになります。その後、再び地元仙台を中心に音楽活動をしていた稲垣潤一のもとに、1980年夏、プロデビューの話が舞い込みます。
「仙台のライブハウスで歌っていた時、事務所とTV局のスタッフが一緒にライブを観にやって来て、僕は１本のデモテープを渡したんです。後日、そのデモテープが、レコード会社に渡って、トントン拍子にデビューの話が決まっていったんです」。レコード会社、所属事務所のスタッフは、稲垣潤一の一番の魅力、個性的でハスキーな歌声を活かすには、ロックではなく、POPナンバーを歌うのがベストだろう、と考え、彼がセミプロ時代に頻繁に歌っていた70年代の洋楽「Your Song」「We are all alone」をカバーしたデモテープを作成。改めて、彼の声の響きの良さを確認したスタッフは、“大人のJ-POPを歌う、日本のAORシンガー”という位置づけで、稲垣潤一を売り出すことを計画します。
こうして、1982年1月、稲垣潤一はシングル「雨のリグレット」でデビューします。
「“大人のJ-POP”をテーマにデビューした後、楽曲を売ることを軸に考えるのではなく、ライブを中心に僕の歌を聴いてもらおう、という話になって、デビュー直後は、僕はスタッフと一緒にワゴン車に乗って全国のライブハウスを回ったんですよ」。デビュー当時を、稲垣さんはこう振返ります。
そして、その年の10月に発売した、稲垣潤一３枚目のシングル「ドラマティック・レイン」が、彼の音楽人生の新たな扉を開くキッカケとなるのでした。
1982年10月に発売した、稲垣潤一３枚目のシングル「ドラマティック・レイン」は、セールチャート最高位８位、約31万枚のセールスを記録、およそ半年近くに渡ってセールチャートにランクインし続けるロングヒット曲となります。
「この曲の作詞を担当してくれた秋元康さんは、当時、ニッポン放送で放送作家として活躍し始めていた時期で、作詞家としてはまだ作品を手がけた経験が無かったんです。たまたま、事務所のスタッフが彼を知っていたので、幾つか作品を見せてもらうと、歌詞の中に他の作詞家にない言葉遣いがあって、これは使えるんじゃないかと思い、彼にお願いしたんです」。
シングル「ドラマティック・レイン」は、発売直後から、全国各地のラジオ局で頻繁にオンエアされ、稲垣潤一の人気に一気に火がつきます。
その後、稲垣潤一はシングルは、ドラマティックレインほどのヒットにはならないものの、１年に１枚のペースで発売していったアルバムは、いずれも約20万枚近くの売上を記録、まずまずの結果を残します。
「シングルヒットは無かったけど、アルバムが毎回そこそこ売れていたし、ライブに足を運んでくれる人も増えていたので、
自分としては結果に納得していました。シングル曲は、アルバムを象徴する、名刺代わりのような曲と割り切って作っていたんです」。
1985年春、稲垣潤一の次のアルバムの楽曲候補曲の中にあった、秋元康が作詞した曲が、再び彼の音楽人生の扉を開きます。「レコーディングスタジオで、秋元さんから歌詞が送られてくるのを待っていたら、FAXで一枚の歌詞が届いたんです。でも、そのFAXに書かれた歌詞とメロディを合わせてみたら、言葉がうまくはまらなかったので、これはおかしい、と思って秋元さんに連絡しました。
「ドラマティック・レイン」の時と違って、この頃の秋元さんは、おニャン子クラブなどを手掛け、超売れっ子になって、忙しさのあまり、どうやら間違って、FAXを送ってきたみたいなんです。でも、歌詞のテーマや内容は良くできていたので、少しだけ歌詞を手直してもらって、曲として完成させ、アルバムからの先行シングルとして発売することになったんです」。
こうして1986年2月、1枚の間違いFAXから生まれた、稲垣潤一の10枚目のシングル「1ダースの言い訳」は発売されます。
1986年2月に発売された、稲垣潤一10枚目のシングル「1ダースの言い訳」は、三洋電機「SANYO CDミニコン」のCMソングにも起用され、多くの人々の記憶に、稲垣潤一の名前を刻み込みます。さらに翌1987年、稲垣潤一はその年の大晦日に行われた、第38回NHK紅白歌合戦に初出場し、さらに知名度をＵＰしていきます。
「知名度があがるにつれて、ライブの本数も増えて、僕を取り巻く音楽環境は随分と変わっていきました。でも僕は、“何年経っても色あせない、J-POPのスタンダードナンバーを作って歌う”というデビュー当初の自分の夢だけは、いつも心の片隅において曲作りに取り組み続けたんです」。
そんな稲垣潤一の下へ、1992年夏、ドラマの主題歌提供の話が舞い込みます。
「ちょうど、1年前に、アルバム収録曲のひとつとして集めていた曲の手直しが終わったタイミングだったんです。
曲が完成し、次は歌詞だ、と思っていた時に、ドラマ主題歌の話をいただいたんですが、話を聞いてみると、ドラマの企画スタッフに、秋元康さんも加わっていたんです。だから、ドラマのストーリーを把握している彼に作詞をお願いしました」。
「実は、秋元さんから届いた歌詞を見せてもらったとき、同じ言葉が、曲の中に８回も出てくるので、「ちょっとくどくないですか」と聞いたんですが、秋元さんは「そのくどさが、聴く人の耳に残っていいんです」と言うんです。最終的には
手直しせずに、そのまま歌詞として採用しました」。
「とにかく、この曲が、完成するのに１年もかかっていなかったら、ドラマの主題歌の話が無かったら、そして、秋元さんがドラマの企画スタッフに居なかったら、この曲は全く別の形で発表されていたと思います。偶然の重なりがあったからこそ、生まれた曲なんです」。
こうして1992年10月、TBS系ドラマ『ホーム・ワーク』の主題歌として起用された、稲垣潤一26枚目のシングル「クリスマスキャロルの頃には」がリリースされます。
1992年10月に発売された、稲垣潤一の26枚目のシングル「クリスマスキャロルの頃には」は、彼にとって初めてセールスチャート最高位１位を記録、およそ140万枚の売上を記録する大ヒット曲となります。
「発売から17年経った今でも、この曲は、クリスマスが近づいてくると、オリジナルバージョンはもちろん、様々な形にアレンジされたバージョンが、TVやラジオから流れて、多くの人達に耳にしてもらえる。シングルチャート１位を獲ったのは嬉しかったけど、一番嬉しいのは“何年経っても色あせない、J-POPのスタンダードナンバーを歌う”という自分の夢を、この曲が叶えてくれたことです」。
最後に、稲垣さんはこう語ってくれました。
さまざまなタイミングが重なり、J-POPのクリスマススタンダードが誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．We are all alone／Boz Scaggs
Ｍ２．ドラマティック・レイン／稲垣潤一
Ｍ３．１ダースの言い訳／稲垣潤一
Ｍ４．クリスマスキャロルの頃には／稲垣潤一
１１６回目の今日お届けしたのは、「THEE MICHELLE GUN ELEPHANT／世界の終わり」でした
1968年7月、神奈川県藤沢市に住むサラリーマン家庭に生まれたチバユウスケは、1984年春、高校進学後に、友人達とザ・モッズやルースターズのカバーバンド「ドランカー」を結成します。1988年春、明治学院大学に進学したチバユウスケは、大学内の音楽サークル「ソング・ライツ」に入部し、同級生たちと４人組バンド「ミッシェル・ガン・エレファント」を結成します。ミッシェル・ガン・エレファントは、イギリスのパンク・ロック・バンド「ザ・ダムド」や「ザ・ジャム」のカバー曲に加えて、チバが歌詞を書き、他のメンバーが曲を作ったオリジナル曲も演奏するようになります。
その後、ミッシェル・ガン・エレファントは、メンバー間の音楽性の相違からドラマーとベースが脱退、新たにドラマーのクハラカズユキ、そしてクハラの友人でベースの、ウエノコウジが加入します。
1991年4月、東京・下北沢のライブハウス「屋根裏」で初めて本格的なライブを行ったミッシェル・ガン・エレファントは、その後、下北沢や渋谷のライブハウスを中心に活動していきます。
1993年８月、ミッシェル・ガン・エレファントはライブハウス「屋根裏」の７周年記念のオムニバスCDに参加、これをキッカケにインディーズレーベル「UKプロジェクト」から声を掛けられ、11月にライブアルバム『MAXIMUM! MAXIMUM!! MAXIMUM!!』を発売します。結成直後は僅か数十人だったライブの動員も、回を重ねるごとに増え、アルバム発売記念のライブでは、およそ100人近くを集めるまで成長していきます。
翌1994年1月、ミッシェル・ガン・エレファントは、チバユウスケが敬愛するイギリスのパブロックバンド「DR.FEELGOOD」の元メンバー、ウィルコ・ジョンソン・バンドの来日ライブのフロントアクトとして、ステージに立ちます。
「高校時代からパンク・ロックに傾倒していたチバは、彼が20歳頃に、ウィルコ・ジョンソン率いるDR.FEELGOODの音楽の出会ってから、ウィルコ・ジョンソンが絶対的な存在となっていたんです。そんな憧れのミュージシャンのフロントアクトを務めたんですから、チバはもちろん、メンバー全員舞い上がっていたそうです」。
後に、バンドのマネージャーを務めた能野さんは、当時のことについてこう話してくれました。
同じ年の6月、バンドを脱退したギタリストに代わって、スタッフの紹介でアベフトシが、ミッシェル・ガン・エレファントに加入、伝説のメンバー４人がついに揃うことになります。翌1995年8月、それまで下北沢や渋谷のライブハウスを中心に活動していたミッシェル・ガン・エレファントは、初めて名古屋・大阪のライブハウスを回るツアーを行い、さらに東京・渋谷クラブクアトロで初のワンマンライブを行います。そして、そのライブを観に来ていたのが、後にマネージャーとなる能野さんでした。
「彼らのライブを初めて観た時、「なんて生意気なバンドだ」と思いました。当時も、メンバー全員スーツでビシッと決め、韋駄天のように繰り出す８ビートナンバーで、ライブに詰めかけたオーディエンスを圧倒していた姿が強く記憶に残っています」。能野さんは、当時についてこう振り返ります。
能野さんは、ミッシェル・ガン・エレファントのライブを初めて観た翌日、直ぐにメンバーに連絡し、マネージメント契約を結びます。さらに、コロムビアレコード・トライアドレーベルと契約したミッシェル・ガン・エレファントは、1995年10月、インディーズレーベルから、ミニアルバム『wonder style』をリリースします。
1995年10月、ミッシェル・ガン・エレファントが発売したミニアルバム『wonder style』。TVやCMタイアップ曲重視になっていたJ-POP全盛期の時代に、聴く人をまるで追い込んでいくような、ミッシェル・ガン・エレファントの激しいロックンロールは、新鮮に映り、純然たるロックファンから支持を集めるようになっていきます。
「彼らが目指していた音楽は、何もないんです。とにかく、その時自分達がやりたいと感じた音楽を、やりたいようにやる。それだけを考えていました」。能野さんはこう語ります。
約１ヵ月に渡るロンドンでのレコーディングを終えたミッシェル・ガン・エレファントは、11月から全国８都市を回るライブハウスツアーを行います。そして、翌年に控えた、メジャーデビュー１stシングルとして、ある曲が選ばれます。
「ミッシェル・ガン・エレファントの曲のほとんどは、チバが歌詞を書き、メンバー全員でメロディを作っていくスタイルです。チバが書く歌詞は、自虐的な部分とその裏返しにある攻撃性みたいなものを、人間臭くグチャグチャにして書いているのが特徴です。歌詞を書く時は、チバ自身、常に自分と向き合って、その時感じたことを、書いていました」。
「この曲も、チバが歌詞を書いていますが、曲はミッシェル・ガン・エレファントとして作った曲ではないんです。
チバ、アベ、ウエノ、クハラのメンバーになる前に、曲としてはあったはずです。作られた時期が、いつなのかははっきりとは分かりませんが、デビューアルバムを作るためのロンドンレコーディングで、ミッシェル・ガン・エレファントの曲として完成させたんです」。
「この曲を、1stシングルとして選んだのも、その時のミッシェル・ガン・エレファントとしての意思を象徴している曲だからこそ、デビューシングルとして選んだんです。この時点で他に、1stシングルになる曲は無かったと思います」。
こうして1996年2月、ミッシェル・ガン・エレファントの1stシングル「世界の終わり」は発売されます。
1996年2月に発売された、ミッシェル・ガン・エレファントの1stシングル「世界の終わり」は、7年後の2003年11月に行われた、彼らのラストライブでは、ラストナンバーとして演奏されました。
「ミッシェル・ガン・エレファントにとって、この曲は数ある曲の中のひとつであり、ひとつの歌でしかないんです。メンバーは、その時感じた欲望のままに、やりたいようにやる、という人間誰もが持っている能動的な気持ちで、この曲を1stシングルに選び、ラストライブでも、ラストナンバーとして選んだんです。
曲に対して、特別な感情を持っている訳ではなく、この曲を聴いた人達が、この曲に対してどんな風に感じてくれたのか。それが一番大切なことだと思います」。
最後に、能野さんはこう語ってくれました。
活動期間僅か６年。日本のロックシーンを駆け抜けたバンドが残した、ロックの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ＧＴ４００／THEE MICHELLE GUN ELEPHANT
Ｍ２．マシュマロ・モンスター／THEE MICHELLE GUN ELEPHANT
Ｍ３．世界の終わり／THEE MICHELLE GUN ELEPHANT
１１５回目の今日お届けしたのは、「大塚愛／ＰＥＡＣＨ」でした
1982年９月、大阪市に生まれた大塚愛は、母親の勧めで４歳からクラシックピアノを習い始めます。
中学に入ると、ピアノの先生は彼女に、クラシックではなく、流行りのポップスを弾くことを提案。慣れ親しんだＴＶの歌番組や、ドラマの主題歌のピアノアレンジを弾くようになって、大塚愛のピアノの腕前はメキメキと上達していきます。
1997年春、地元の高校に進学した大塚愛は、ピアノの発表会で初めて作曲にチャレンジ。その曲は、ピアノの先生や友人からも高く評価されます。その後、大塚愛は、ドリームズ・カム・トゥルーやMISIAなどに憧れ、ピアノを弾くだけでなく、歌を歌うことにも興味を抱くようになっていきます。
2000年春、大阪芸術大学短期大学部保育学科に進学した大塚愛は、友人からの依頼で曲を作ったことをキッカケに、友人とユニット「Himawari」を結成し、彼女自身がボーカルを担当、音楽活動を本格化していきます。
「デビュー後、彼女の大きな財産となったのが、高校から短大にかけて、彼女がピアノの弾き語りで作った、およそ50〜60曲にものぼる曲の数々です。曲の完成度は高く、メジャーデビュー後に発表した、大塚愛の曲の原曲となっています」。
後に、レコード会社の担当ディレクターを務めた、澤村さんはこう言います。
2002年春、短大卒業と同時に自然消滅した「Himawari」でしたが、大塚愛は、自らのアーティストとしての可能性を試すために、それまで作っていた曲を収めたデモテープを、いくつかのレコード会社に送ります。
その中の一つ、エイベックスからアプローチを受けた、大塚愛は、翌2003年9月、シングル「桃ノ花ビラ」でデビューします。2003年9月、大塚愛が発売した1stシングル「桃ノ花ビラ」は、日本テレビ系ドラマ『すいか』の主題歌として起用されます。さらに、それから３ヵ月後の12月に発売した、2ndシングル「さくらんぼ」は、フジテレビ系バラエティ番組『めちゃ２イケてるっ！』のエンディングテーマ曲に起用され、発売後にじわじわとセールスチャートを上昇、チャート初登場こそ20位でしたが、発売12週目に9位を記録。さらにその後も上昇し、最高位5位、最終的には1年以上もランクインし続けるロングヒット曲となり、大塚愛の名前を広めるキッカケとなります。
「最初はスタッフの中で、「さくらんぼ」のような元気あふれる曲をデビュー曲に推す声もありました。しかし、「大塚愛は勢いでデビューして、消えていくタイプのアーティストではない。最初は、しっかりとした曲で彼女の魅力を伝えて、次に「さくらんぼ」のような楽しい曲で、新しい展開を考えていくべきだ」という声が大勢を占め、曲のリリースの順番が変更になったんです」。レコード会社の担当ディレクターを務めた、澤村さんは、デビュー当時をこう振返ります。
翌2004年、大塚愛は４枚のシングルと２枚のアルバムを発売。さらに、翌2005年に入ると、５月に発売した両A面シングル「SMILY/ビー玉」が、初めてのセールスチャート１位を獲得します。さらに、大塚愛は、この年、女優業にもチャレンジ。6月に発売されたDVDドラマ『東京フレンズ』に初出演し、瑛太や佐藤隆太、真木ようこといった新鋭の俳優たちともにメインキャストを務めます、
「女優を経験したことで音楽の幅が広がったのは間違いありません。彼女の曲は恋愛をテーマに作った曲が中心で、実体験もあれば、想像だけの曲もあると思います。色んな事を経験し、その経験を曲作りに活かしていく。例えるなら、女性漫画家ですね。自らストーリーを考え、漫画を描いていくように、歌詞を書き、次に、その歌詞が活きるような、メロディを作っていく。歌手だけじゃなく、女優を経験したことで、シンガーソングライターとしての彼女の創造力が、成長していったんです」。
2005年9月に発売された、大塚愛10枚目のシングル「プラネタリウム」は、「SMILY/ビー玉」に続いてセールスチャート最高位1位を獲得、約34万枚の売上を記録します。さらに翌2006年には、好評を集めたドラマ『東京フレンズ』の映画版にも出演し、精力的に活動します。そして翌2007年に入って間もなく、大塚愛はその年の夏に発売を予定していたシングルの制作に取り掛かります。
「彼女の曲は、同じ恋愛がテーマでも、２パターンあるのが特徴です。一つ目は、親しみやすい言葉を歌詞に綴って、同じ世代の多くの女性の心掴む、バラード曲です。感傷的に浸った内容ではなく、恋に対して前向きな気持ちで、真剣に取り組んでいる姿を描いた、曲を聴いた人達が曲に対して感情移入し、共感できるパターンです。そして、もう一つは、真面目なバラードとは逆の、明るいお遊び的な曲。歌詞も、言葉遊びをした内容が多く、このバリエーションが、彼女が、年齢、性別を超えて、多くの人達に親しみを持ってもらえる秘密だと思います」。
「この曲は、もちろん、明るいお遊び的なタイプの曲です。“ひっくり返ったハート”をテーマに、付き合いの長いカップルが頻繁に喧嘩をする、いわゆる倦怠期を迎えた時の様子を歌っている曲なんです。ハートがひっくり返ったら、桃の形や人間のお尻の形に見えますよね。その点を上手く、歌詞の中に言葉として当てはめて描いているんです」。
「逆に、両A面となったもう一方の曲のタイトルは、そのものズバリ「HEART」。こちらは揺れ動く女性の心をテーマに歌った、切ないミディアム・ナンバーに仕上がっています。両Ａ面となった２曲が、“ひっくり返りながら”うまく結びつくように考えて作られているんです」。
こうして2007年7月、大塚愛15枚目のシングル「PEACH」は、「HEART」と両A面シングル扱いで発売されます。
2007年７月に発売された、大塚愛15枚目のシングル「PEACH」。
「切ないバラード曲を歌って、同じ世代の多くの女性から共感を集めている大塚愛ですが、その一方で、「PEACH」に代表されるように、明るくて御機嫌なPOPソングを歌えるのも、彼女の魅力の一つです。特に、両Ａ面扱いで発売された「PEACH/ＨＥＡＲＴ」は、１枚で大塚愛の魅力を両方感じることができるシングルです」。
最後に、澤村さんはこう語ってくれました。
女性シンガーソングライターとしての魅力を詰め込んだ、J-POPの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ＬＯＶＥ ＬＯＶＥ ＬＯＶＥ／DREAMS ＣＯＭＥ ＴＲＵＥ
Ｍ２．桃ノ花ビラ／大塚愛
Ｍ３．プラネタリウム／大塚愛
Ｍ４．ＰＥＡＣＨ／大塚愛
１１４回目の今日お届けしたのは、「二階堂和美／Ｌｏｖｅｒｓ Ｒｏｃｋ」でした
「小学生の頃、ピンクレディーや松田聖子さんの歌真似をしたり、TVCMを一緒に歌ったり、とにかく歌に関するあらゆることの真似をするようになったのが、歌を意識し始めたキッカケです。中学に入学した後は、姉が持っていたザ・ブルー・ハーツやレベッカ、竹内まりやなどが入ったカセットテープを聴いて、同じように真似をしていました。とにかく、20歳頃まで、真似することで、色んな物を吸収していたんです」。
自らの音楽との関わりについて、二階堂和美さん本人は当時についてこう振り返ります。
1974年、広島県大竹市のお寺の娘として生まれた二階堂和美は、物まねをキッカケに音楽と触れ合うようになります。
その後、地元の高校に進学した二階堂和美は、友人からの誘いでガンズ・アンド・ローゼズのカバーバンドに加入します。「それまでは、バンドをやりたかったんですけど、自分からやる勇気が無かったんです。だから、「ボーカルが抜けたからバンドに入らない？」と誘いを受けた時は、ガンズ・アンド・ローゼズが、一体どんな曲を歌っているかは知らないままに、二つ返事で加入することを決めたんです」。
さらに、大学に進学後も、二階堂和美は、軽音楽部に入部し、ハードロックバンドで音楽活動を続けていきます。
1995年、二階堂和美は大学の友人達と結成した５人編成のバンド「ひなげし」にボーカルとして参加。学生生活の傍らで、中国地方や、九州のライブハウスに出演します。さらに、1997年に入ると、「ひなげし」の活動に加えて、弾き語りスタイルでのソロ活動もスタートさせ、翌1998年、二階堂和美は、プロミュージシャンを夢見て上京します。
「「ひなげし」の活動中、レコード会社からデビューの誘いを受けたんです。でもその時は、バンドメンバーみんな、プロになることを考えていなかったから、断ったんです。バンドは、そのまま卒業に合わせて自然消滅。私ひとり、歌を歌い続け、卒業と同時に上京したんです」。
あてもなく、上京した二階堂和美でしたが、思わぬ形でチャンスは舞い込み、翌1999年8月に、二階堂和美はアルバム『にかたま』を発売することになるのでした。
1999年8月、二階堂和美が発売した1stアルバム『にかたま』。
「「ひなげし」時代に誘いを受けたレコード会社のスタッフから、プロモーション用のデモテープを作ってみようと誘われ、
それで作ったカセットテープが、偶然にもロックバンド「筋肉少女帯」の事務所のスタッフの目にとまったんです。ちょうど、筋肉少女帯のメンバー、内田雄一郎さんが、彼自身のレーベルを立ち上げたいと考えていた時期と重なって、内田さんプロデュースで私の作品を発売してもらえることになったんです」。
念願のアルバムを発売した二階堂和美でしたが、発売間際になって彼女自身の中で、ひとつの疑問が湧き、1stアルバムは僅か600枚をリリースしただけで廃盤となります。
「アルバムを発売し、ライブを重ね、多くの人達と知り合っていく内に、私はプロのミュージシャンとしての意識が少しずつ芽生えてきました。しかし、自分が憧れたプロに一歩一歩近づくにつれて、自分のやりたい音楽とのギャップが大きくなっていったんです。『にかたま』の音質に対する自分のこだわりと、現実とのギャップに納得ができなくなって、その後の契約も全て白紙に戻して、改めて自分のペースで、自分のやりたい音楽を探すことに決めたんです」。
その後、二階堂和美は弾き語りでの活動を続け、2001年11月には2枚目のインディーズ・アルバム『たね１』を発売します。「曲を作る時意識するのは、まず、自分で歌いたくなるようなメロディです。歌詞は、聞き間違いをしないようなもので、普遍的で美しい言葉を選んで作るようにしています。また、歌詞とメロディ、両方を合わせた時に、言葉そのもののリズムやアクセントが損なわれないようにも心がけています。あと、もう一つ付け加えるならば、自分の言葉として歌えるようなものですね。それは、自分の体験を歌うということではなく、曲の中に自分を投影できるかどうかなんです」。
弾き語りによる、彼女ならではの独特の歌の世界観を、自分のペースで作り続けていた二階堂和美は、2003年4月に、3枚目となるインディーズ・ミニアルバム『また、おとしましたよ』を発売します。
2003年4月、二階堂和美が発売した、3枚目のインディーズ・アルバム『また、おとしましたよ』。
「1枚目のアルバムを発売した頃は、音楽が好きで無くなっていました。しかし、レコード会社を離れ、
インディーズからCDを発売するようになってからは、自分が好きだと思えることや、好きな人と出会えるようになって、周りにどんどん面白い人達が増えていったんです。アルバム『また、おとしましたよ』を発売した前年の2002年に出会った、ヒップホップのラッパーで、トラックメイカーのイルリメさんも、その一人でした。彼のライブを観た瞬間、この人は飛び抜けていると思いました。イルリメさんも私のライブに驚いてくれていました。お互いに自分にない要素を感じたのだと思います。その後、私が、彼のラップの曲を弾き語りでカバーした時、私は、
彼のラップに、笠置シヅ子さんの「買物ブギー」に近い感覚があることに気づき、私は彼に、私の曲を書いてくれるように頼んだのです」。
「それまで私は、シンガーソングライターを名乗っていましたけど、正直、作詞が苦手でした。
時にはメロディに歌詞を載せなかったり、歌謡曲のカバーをしたり、とにかく自分が作った曲では私の歌唱力が生かせていない、と感じていたんです。
そもそも私はシンガーソングライターになりたいと思っていたわけではないので、曲は曲。歌詞は歌詞。それぞれ分業して作る昔の歌謡曲のやり方に憧れがありました。イルリメさんに出会って、それが出来る、と思いました。彼にその話をすると、期待以上に乗ってくれ、どんどん先へ先へと駒を進めてくれました。
人の書いた歌詞なら、私はもっと演者に徹して歌を歌うことができると考え、作詞は全てイルリメさん、メロディは、私とイルリメさんの共作で作ることにしました。また演奏も、二人が好きな友人アーティストに依頼したんです」。
「アルバム作りは、2003年後半の企画段階から数えると、およそ3年、2005年までかかりました。その中で、終わりに近い時期に生まれたのが、この曲です。
この時、私は東京から広島に戻って音楽活動を続けていた時期で、イルリメさんは東京在住でしたので、曲のほとんどが、メールのやりとりによって進められました。
この曲も、一番最初は、私の携帯にイルリメさんが書いた歌詞のワンコーラスが送られてきたんです。
それまでの彼の作品の中でも、最もストレートな表現方法で綴られた歌詞を見た瞬間、私は「これは、歌謡曲だ」と瞬間的に思って、私は自分が子どもの頃、慣れ親しんでいた歌謡曲のような曲を、ついに生み出すことができる」という喜びでいっぱいでした」。「ただ、その後、イルリメさんが送ってくれたメロディを聴いたとき、私が歌詞から感じていたイメージとは少し違っていたんです。
それでもう少しメロディを考えさせて欲しい、とイルリメさんに頼みました。彼もいい気はしなかったと思いますが、私は数カ月かけて、ひとつひとつの言葉に一番ぴったりとはまるメロディを探って練り直しました。改めてイルリメさんに聴かせたところ、彼からもいい返事が返ってきました。
私は、かつてない手応えを感じました。間もなくして、イルリメさんから２番の歌詞が届き、お互いにメロディや歌詞の追加修正を繰り返して、曲は完成しました」。
「アルバムに収録するにあたって、私はこの曲をもっとポップスらしくしたかったので、バンド演奏をSAKEROCKにお願いしました。曲を弾き語りバージョンで聴いた彼らは、これはこれで完成しているけど、と言いながらも、コードを増やしたり、しゃれたアレンジを施してくれたんです。
細かいアレンジの修正を何度か図った後、完成したんです」。
こうして、二階堂和美が約３年かけて作った４枚目のアルバム『二階堂和美のアルバム』は、2006年8月に発売され、同じ8月にこの曲「Lovers Rock」は、7inchアナログ盤として発売されます。
2006年８月に発売された、二階堂和美の『Lovesr Rock』。
「私はこの曲が完成するまで、歌詞を書くことが苦手で、演者としての迷いがどこかにあったんです。でも、この「Lovers Rock」が完成したおかげで、私は、シンガーソングライターとしてではなく、「私は独りの歌手です」と、胸を張って宣言できました。私が仮に紅白歌合戦に出演しても、この歌なら自信を持って歌える。そう思いました」。
最後に、二階堂さんはこう語ってくれました。
独りの歌手としての大きな自信を掴むキッカケとなった、J-POPの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ＳＷＥＥＴ ＭＥＭＯＲＩＥＳ／松田聖子
Ｍ２．散髪ブギ／二階堂和美
Ｍ３．脈拍／二階堂和美
Ｍ４．Ｌｏｖｅｒｓ Ｒｏｃｋ／二階堂和美
１１３回目の今日お届けしたのは、「ＴＲＩＣＥＲＡＴＯＰＳ／ＦＥＶＥＲ」でした
「「どうやったら、お客さんの数は増えますかね」。彼は僕と初めて会った時、いきなりこう聞いてきたんです。渡辺プロダクションのプロデューサーから、「面白いバンドがいるから、一緒にライブを観に行かないか」と誘われて、下北沢のライブハウス「251」で出会ったのが、彼らでした。ギター、ベース、ドラムで構成されているシンプルな３ピースバンドで、どこかぎこちなく、初々しさはありましたけど、逆に彼らのシンプルなロックが印象的でした」。
1996年の秋、TRICERATOPSの3人と初めて会った時の様子について、後にレコード会社の担当ディレクターを務めた中村さんは、こう言います。
幼い頃から、ビートルズを聴いたり、ディズニ―のミュージカル映画を観るなど、音楽に囲まれて育った和田唱は、1987年、彼が小学校６年の時に観た、マイケル・ジャクソンの来日コンサートで、音楽の素晴らしさを改めて実感し、本格的に音楽の道を志すようになります。1995年、和田は、友人の紹介でベースの林幸治と出会い、曲作りを本格化、さらに翌1996年には、知人の紹介で、当時CHAGE and ASKAのスタジオミュージシャンとして活動していたドラマーの吉田佳史と出会い意気投合します。そして、和田、林、吉田の３人は、３ピースバンド「TRICERATOPS」を結成し、７月に渋谷のライブハウス「La Mama」で初ライブを行います。
「初ライブの後、すでにマンスリーライブを始めていたTRICERATOPSでしたが、集客力が問題で、僕らが、下北沢の「251」で彼らのライブを初めて観た夜も、お客はたった数人でした。だから和田は、お客さんの数を増やすために、何をすればいいのか悩み、僕に聞いてきたんです。
僕は、和田が作っていたシンプルで、センス溢れるメロディならば、何かをキッカケに売れるのではないかと感じていたので、メンバー３人と、プロデューサーの木崎さんと僕、そしてマネージャーで、TRICERATOPSのメジャーデビューに向けたプロジェクトをスタートさせたんです」。
翌1997年5月、TRICERATOPSは、インディーズレーベルのbounce recordsからミニアルバム『TRICERATOPS』を、
タワーレコード限定で発売します。「ミニアルバムを、敢えてインディーズレーベルから発売したのは、実験でした。ある程度は売れるとは思っていたので、まずはインディーズで発売して試してみたかったんです。そして、CDを買ってTRICERATOPSを聴いてくれた人達の、彼らの音楽への熱が冷めない内に、直ぐにメジャーデビューさせたんです」。
ミニアルバム『TRICERATOPS』の発売から、僅か２ヵ月後の1997年7月、TRICERATOPSはシングル「Raspberry」で、エピック・ソニーからデビューします。
1997年7月、TRICERATOPSは、1stシングル「Raspberry」をリリースします。
「デビューシングル「Raspberry」は、最初は２曲目か、３曲目にしようか、という意見もありました。しかし、木崎さんと僕、マネージャーの３人でプロモーション計画を練っていく中で、やっぱりTRICERATOPSのデビューシングルは、彼らの持ち味でもある、ポップ感溢れるロックで攻めるしかない、という結論で、変更されたんです。デビューシングルで、初めてTRICERATOPＳを聴いた人達に、その後もずっと彼らの音楽を聴いて、バンドとしての成長を楽しみにしてもらいたい、
そんな願いを込めることにしたんです。まずは、シンプルだけど、キャッチーな曲で、聴いた人達を振り向かせよう、という作戦でした」。
「TRICERATOPSがデビューした、1997年当時の音楽マーケットは、ＴＶ主題歌やＣＭタイアップが付きやすいポップスが主流で、ロックバンドにとっては、斜陽の時代でした。しかし、プロデューサーの木崎さんは、それまで木崎さんが手掛けた、アグネス・チャン、原田真二、沢田研二、大沢誉志幸などのプロデュース経験から、TRICERATOPSのシンプルなロックに売れる可能性を感じていたんです。“どんなミュージシャンでも、初めはシンプルな音楽でスタートし、長年音楽活動を続けている間に、色んな要素をプラスして、自分達だけのオリジナル音楽を作っていく。ＴＲＩＣＥＲＡＴＯＰＳも、シンプルで、ポップ感溢れるセンスを持っている訳だから、ライブで聴いた音楽をそのままCDにするぐらいのシンプルな気持ちで、曲を作ればきっと売れる”と、木崎さんは話していました。」
ディレクターを担当した中村さんは、当時についてこう振り返ります。
ＴＲＩCERATOPSは、作品を発売する傍らで、デビュー直前の5月から12月にかけて、同じ時期にデビューしたDragon AshやGRAPEVINEなどと一緒に、全国のライブハウスを回るライブイベントにも出演、それぞれ目指す音楽性は異なるものの、ライブを通して、自分達のスタイルを磨くための切磋琢磨をしていきます。そして翌1998年1月、TRICERATOPSは、３枚目のシングル「ロケットに乗って」を発売します。
1998年１月に発売した、ＴＲＩＣＥＲＡＴＯＰＳ３枚目のシングル「ロケットに乗って」。「デビュー当初に作ったプロモーション計画で決めた、リリースの最後がこの３枚目のシングル「ロケットに乗って」でした。発売当初、タワーレコード渋谷店の初回予約枚数が700枚で、当時、勢いのあったバンド「SUPERCＡＲ」より売れたんです。これで僕らスタッフの頭の中にあった、TRICERATOPSは「売れる」という自信が、確信に変わりました」。
TRICERATOPSは、３月に1stアルバム『TRICERATOPS』を発売した後、東京・新宿「日清パワーステーション」を始め全国３ヵ所を回る、初めての単独ライブハウスツアーを実施。７月には、４枚目のシングル「MASCARA＆MASCARAS」を発売。その直後には、再び、全国６ヵ所を回るライブハウスツアーを行います。そして、ライブツアーが終わったTRICERATOPＳは、冬に発売を予定していた２枚目のアルバムのレコーディングをスタートさせ、リードシングルとして、11月にある曲を発売することを決めます。
「この曲は、１ｓｔアルバムを作っていた1997年の秋頃に、和田が作ったデモテープの中にありました。シンプルなギターリフと８ビートの組み合わせ、そしてディスコ調のリズムは、キャッチーで疾走感に溢れ、聴いた人の心を必ず掴むだろうと、デモテープを聴いたメンバーはもちろん、ﾌﾟﾛﾃﾞｭｰｻｰの木崎さんや僕もみんな一致した考えでした。ただ、１ｓｔアルバムまでは、シンプルで、ポップ感溢れるロックで攻めるというプロモーション計画だったので、敢えてお蔵入りにしていたんです」。
「デビューから１年が経ち、TRICERATOPSの認知度は広がっていました。その広がってきたTRICERATOPSの認知度を、より広く、確実なものにするために、みんなが「売れる」と確信を持っていたこの曲を、2ndアルバムに収めて、アルバムからのリードシングルとして発売しようと決めたんです。この時、何か必然的な運命を感じました」。中村さんは、当時をこう振り返ります。
こうして1998年11月、TRICERATOPSは、翌12月に発売される２枚目のアルバムに先駆けて、シングル「FEVER」を発売するのでした。
1998年11月に発売された、ＴＲＩＣＥＲＡＴＯＰＳ６枚目のシングル「ＦＥＶＥＲ」。
「TRICERATOPSの初期を代表する曲は、デビュー曲「Raspberry」と、この「FEVER」で間違いありません。
特に「FEVER」は、シンプルなギターリフと、8ビートの組み合わせで、聴いた人にも分かりやすい。
これこそまさに、TRICERATOPSが目指していた、シンプルなロックなんです」。
最後に、中村さんはこう語ってくれました。
彼らのロックバンドとしてのポジションを確立させた、J-POPの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．The Way You Make Me Feel／マイケル・ジャクション
Ｍ２．Raspberry／TRICERATOPS
Ｍ３．ロケットに乗って／TRICERATOPS
Ｍ４．ＦＥＶＥＲ／TRICERATOPS
１１２回目の今日お届けしたのは、「ＥＡＳＴ ＥＮＤ×ＹＵＲＩ／ＤＡ．ＹＯ．ＮＥ」でした
1985年春、高校に入学して、同じクラスになった、GAKU-MCとYOGGYの二人は、共通の趣味、ブレイクダンスを通
して仲良くなり、翌1986年には二人揃って、生ラップバンド「ファンキー・ニュー・スタイル」に参加します。
さらに1987年、GAKU-MCは、ラップ＆ＤＪコンテストで、ROCK-Teeと出会い、意気投合します。それから3年を経て、
1990年、GAKU-MC、YOGGY、ROCK-Teeの３人は、ヒップホップユニット「EAST END」を結成します。
結成間もなく、EAST ENDは、東京・浜松町のライブハウス「浜松町ワルシャワ」で行われたイベント「PEACE BALL」 に、DJ hondaら複数のアーティストと共に出演します。
「当時、日本のHIP HOPはまだ黎明期で、EAST ENDが初めて出演したイベントのお客は、たった二人でした。
それでも、EAST ENDの３人は、自分達がステージに立てるという、喜びを感じたそうです。
その後、EAST ENDは、自分達の身近にあることをテーマにした歌詞と、ダンサーを取り入れたエンターテイメント性の高いライブで評判を呼び、彼らの噂は、HIP HOP好きの間でじわじわと口コミで広がっていったそうです」。
当時の様子について、後にレコード会社の担当ディレクターを務めた浜野さんは、こう言います。
翌1991年秋、EAST ENDはライムスター、メロー・イエローといったHIP HOP系グループと共に、ライブハウス「代々木チョコレートシティ」で月1回の定期ライブをスタート。さらに、バブルガムブラザーズに誘われて、彼らの全国ツアーの
オープニングアクトを務めることになります。
初めは、彼らを知らない人達の前でのライブに、戸惑いを感じていたEAST ENDでしたが、時間が経つに連れ本領発揮、全国ツアーの終盤ではオープニングアクトでありながら客席を総立ちにさせていきます。
こうして、EAST ENDは、翌1992年、インディーズレーベルから、アルバム『Beginning of The END』をリリースするのでした。
1992年、EAST ENDは、元ラッツ&スターのメンバー佐藤義雄が社長を務めていたインディーズレーベル「ファイルレコード」から、ファーストアルバム『Beginning of The END』をリリースします。
「ファイルレコードからアルバムをリリースすることになったのは、川崎クラブチッタで行われたバブルガムブラザーズのイベントに出演していたEAST ENDを見た佐藤社長が、彼らのキャッチーな曲、ライブでのエンターテイメント性を、高く評価して、声を掛けたんだそうです」。
その後もEAST ENDは、数々のイベントに出演したり、「RUN DMC」の来日ライブで、オープニングアクトを務めるなど、一歩一歩、日本の音楽シーンの中で、その存在感を強めていきます。
そして1994年2月、EAST ENDにとっては大きな転機となる、一人の女性との出会いが訪れます。
1994年2月、新宿シアターアップルで行われた、アイドルグループ「東京パフォーマンスドール」のメンバー市井由理のソロライブに、EAST ENDがゲスト出演したんです。市井由理とEAST ENDはもともと個人的な知り合いで、市井が、ライブ中にラップコーナーを作って、EAST ENDにゲスト出演してもらったんです。気軽な気持ちでゲスト出演したのに、ライブは大盛況。GAKUのラップに、市井のラップが加わったライブは、それまで聴いたことのない、完全に新しいタイプの音楽でした」。
ディレクターを担当した浜野さんは、市井由理とEAST ENDとの出会いについて、こう振り返ります。
当日、会場でこのライブを観た、ファイルレコード社長佐藤さんは、EAST ENDと市井に「お前らいいよ。一緒にやってみろよ」とその場で提案、この言葉をキッカケにユニット「EAST END×YURI」が誕生。結成から４ヵ月後の6月には、ミニ・アルバム『denim-ed soul』をリリースします。
「女性アーティスト市井由理がEAST ENDの音楽に加わった事で、表現スタイルの幅が格段に広がっていったと思います。女性の市井の目線で感じたことが、歌詞によりリアルな表現を生み、そのお陰で女性からも共感を得ることができました。それまでのEAST ENDには無かった、とっても大きなプラス要素になったことは間違いありません」。
さらに、EAST END×YURIは、彼らが日常生活で感じたことを素直に綴った歌詞に、当時の日本のHIP HOP音楽では珍しかったある手法を用いて、曲を作っていきます。
「この曲は、当時のアメリカのHIP HOP音楽のヒット曲では当たり前で、今では日本のHIP HOPでよく取り入れられている「サンプリング」で作ったんです。アメリカでは当たり前でも、当時の日本のメジャー音楽シーンでは誰も取り入れてはいませんでした。ジョージ・ベンソンの「Turn Your Love Around’」という曲をサンプリングして作ったんですが、EAST ENDのこの曲がヒットした後、無知で心もないメディアには、「盗作」と呼ばれて、凄く腹が立ったことを覚えています」。
1994年8月、EAST END×YURIの1stミニ・アルバム『denim-ed soul』から、この曲は1stシングルとして発売されます。
「発売当初は、全く売れなかったのに、その年の冬、北海道のFMラジオ局のディレクターが、この曲を個人レベルで気に入って、担当する番組で何度もかけてくれたんです。やがて、その波は、タワーレコード札幌店にも波及、FMラジオ局とタワーレコードがタイアップして、北海道内でヒットし始めたんです。さらにその波は、年が明けると仙台、広島、九州と全国へ広まっていき、曲の知名度はぐんぐん上昇。あとにも先にも、経験したことのない、完全にラジオから生まれたヒット曲でした」。
春の訪れと共に南から到来する桜前線とは逆に、北海道から南下するようにヒットし始めたEAST END×YURIの1stシングル「DA.YO.NE」。
1995年春、「DA.YO.NE」は、日本のHIP HOP音楽としては初めてミリオンセラーという大輪を咲かせるのでした。
1994年8月に発売された、EAST END×YURIの1stシングル「DA.YO.NE」は、発売から４ヵ月経ったその年の12月からセールスチャートを急上昇、最終的に最高位７位、売上枚数も約102万枚を超える大ヒット曲となり、EAST ENDは、翌1995年の大晦日に行われた第46回NHK紅白歌合戦にも初出場します。
「当時は、まだアンダーグラウンドなジャンルであったHIP HOPを、この曲をキッカケに音楽のメジャーシーンに引き上げた彼らの功績は、大きかったと思います。彼らの音楽がヒットした最大の理由は、市井由理のラップ、歌が入ることで、男女の掛け合いの歌詞が、よりリアルに聴こえ、多くの人達から共感を呼んだんだと思います」。
最後に、浜野さんはこう語ってくれました。
日本の音楽シーンに、HIP HOPという新しい音楽ジャンルの花が開いた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．WON’T BE LONG／バブルガムブラザーズ
Ｍ２．Ｔaxi／ＥＡＳＴ ＥＮＤ
Ｍ３．Turn Your Love Around’／ジョージ・ベンソン
Ｍ４．DA.YO.NE／EAST END×ＹＵＲＩ
１１１回目の今日お届けしたのは、「クリスタル・ケイ／恋におちたら」でした
「彼女は、母親がシンガーだったので、家の中ではいつも音楽がかかっていたし、音楽関係の仕事場に行く機会も多く、物心ついた頃から音楽が身近にあったそうです。実際、彼女はすでに4歳の時に、NECの家庭用ゲーム機「PCエンジン デュオ」のCMソングでCMソングデビューをしていまして、それを皮切りに、その後も、資生堂やスプライトのCMソングを歌うようになったそうです」。
デビュー当時、レコード会社の担当ディレクターを務めていた小林さんは、こう言います。
1986年2月、神奈川県横浜市に生まれたクリスタル・ケイは、横須賀のアメリカンスクールに通いながら、CMソングを歌う歌手として活動を続けていきます。
「CMソングを歌う一方で、彼女はプライベートではジャネット・ジャクソン、TLC、ビヨンセなど、アメリカのヒットチャートを賑わしていた曲に夢中になっていたそうです。中でも、ジャネット・ジャクソンは、一番お気に入りだったそうでです」。
特に、プロのシンガーを目指すというわけではなく、ちょっと遊び感覚でCMを歌っていたクリスタルケイでしたが、1999年、彼女が13歳の時に歌った、サントリーの清涼飲料水「ビタミンウォーター」のCMソングの歌声に、「あの歌声は誰」という問合せが殺到。遊び感覚で歌っていた彼女の人生は、プロのシンガーへと大きくシフトし、その年の7月、彼女は、その｢ビタミンウォーター｣のCMソング、シングル「Eternal Memories」でデビューするのでした。
1999年7月、クリスタル・ケイは、シングル「Eternal Memories」でデビューします。
「小さい頃から歌っていたせいか、メジャーデビューしても、彼女は歌うことに対して抵抗感は感じていませんでした。」「とにかく、デビューするにあたって心掛けたのは、常に、彼女の一番の売りである歌唱力を最大限発揮できるように、新しいことに色々とチャレンジしようという気持ちでした。それと、固定したプロデューサーにこだわらずに、常に新しいサウンドを求めて、その時代時代に流行っている音楽を聴いて、取り入れていくことでした」。
ディレクターを担当していた小林さんは、デビュー当時をこう振り返ります。
2001年2月、音楽プロデューサーの藤原ヒロシと大沢伸一からの声がけで、クリスタル・ケイは二人が共同プロデュースしたシングル「LOST CHILD」を発売。翌3月に公開された映画『サトラレ』の主題歌として起用されたこの曲で、クリスタル・ケイは知名度をあげていきます。さらに、5月に発売したシングル「Girl’s Night」では、アメリカ・アトランタ在住の日本人R&Bプロデューサー、T・KURAのプロデュースで、R&Bナンバーにもチャレンジ。幅広い音楽を、自らのサウンドに取り入れていきます。そして、翌2002年8月に発売した、9枚目のシングル「hard to say」が、クリスタル・ケイの新境地を開く、キッカケとなります。
2002年8月に、クリスタル・ケイ9枚目のシングルとして発売した、ポップ・ダンス・ナンバー「hard to say」。
「この曲は、彼女が、ライブイベント「FMフェスティバル’01」のファイナルライブに出演した際、「m-flo」のTAKUさんと共演したことがキッカケで生まれた曲なんです。「ラップで始まるけど…」という、子供の声で始まる、斬新かつ、ポップ感溢れるこの曲は、ユーザーに対して、それまでのクリスタル・ケイのイメージとは違った、新鮮なイメージを与えることができました」。ディレクターを担当していた小林さんは、こう振り返ります。
新しいイメージを打ち出すことに成功したクリスタル・ケイは、さらに10月発売の3枚目のアルバム『almost seventeen』で、セールスチャート自己最高位2位を記録。
翌2003年6月には、m-floにゲストボーカルとして参加し、m-flo lovesクリスタル・ケイ名義で「REEEWIND!」を、さらにはクリスタル・ケイlovers m-flo名義でも「Ｉ LIKE IT」を、シングル2枚同時発売し、話題となります。
「m-floとコラボした経験が、彼女の音楽の世界観を大きく広げていきました。11月に発売した4枚目のアルバム『4 REAL』では、彼女のR&Bの歌のウマさを生かしながら、より多くの人に聞いてもらえるような曲を、と考えて曲を作り、ポップだけど、R&Bの要素も融合された音楽が生まれたんです」。
翌2004年、クリスタル・ケイは初めてのバラードシングル「Motherland」を含む2枚のシングルとアルバムを発売。その年の夏には、ボイストレーニングとダンスレッスンを兼ねて、ニューヨークへ渡ります。そして、秋も終わりかけた頃、ニューヨークから帰国したクリスタル・ケイの下へ、翌2005年4月にスタートするドラマの主題歌提供の話が舞い込みます。
「この曲は、僕らが何百本も集めたデモテープの中に、あった曲で、当時はまだボーカリストの卵で、作家にもチャレンジしていた坂詰美紗子さんの作品でした。有名、無名問わず、「いい作品を」という基準で選んだのが、この曲でした。 デモテープの段階では、ピアノの弾き語りで、今の曲とは形が違っていたんですが、それを、クリスタル・ケイ自身もアイディアを出して、完成させた曲が、結果的にドラマのプロデューサーからOKを貰って、主題歌に決まったんです」。
「彼女は、基本的に作家が作った曲を歌うことが多いんですが、作家の人達にはR&Bとポップスの融合を
全体的なテーマに置いた上で、二つのポイントに注意しながら、曲を作ってもらっています。」
「一つ目のポイントは、時代の先端を捉えるような、新しい感性を持った曲。そして二つ目のポイントは、曲を聴いた誰もが受け入れやすいメロディです。この曲も、楽曲が持っている強さが、ドラマの主題歌としてうまく噛み合った結果が、ヒットした最大の理由でしょう」。ディレクターを担当していた、小林さんはこう語ります。
フジテレビ系ドラマ『恋におちたら〜僕の成功の秘密〜』の主題歌に起用された、
クリスタル・ケイ18枚目のシングル「恋におちたら」は、2005年5月、発売されました。
2005年5月に発売された、クリスタル・ケイ18枚目のシングル「恋におちたら」は、ドラマタイトルとも上手くリンクした結果、セールスチャートでも最高位2位を記録、年間セールスチャートでも30位を記録するヒット曲となります。
「それまでのクリスタル・ケイは、どちらかと言うとコアなファンが多い女性アーティストでした。しかし、キャッチーで、誰にでも歌いやすく、ポジティブでやさしさに溢れた世界観を表現したこの曲で、クリスタル・ケイのイメージは、誰もが知っているポップアーティストに変わったんです」。
最後に、小林さんはこう語ってくれました。
彼女が、J-POP女性シンガーの代表の一人となった瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．リズム・ネイション／ジャネット・ジャクソン
Ｍ２．Eternal Memories／クリスタル・ケイ
Ｍ３．Hard to say／クリスタル・ケイ
Ｍ４．恋におちたら／クリスタル・ケイ
１１０回目の今日お届けしたのは、「キリンジ／エイリアンズ」でした
「二人が作った曲を初めて聴いたのは、確か1996年の春から夏にかけてだったと思います。当時、私は、ヒップホップアーティスト「かせきさいだぁ」のマネージメント担当で、彼から「友達が作ったデモテープを聴いて欲しい」と１本のカセットテープを渡されたんです。デモテープを聴いた時「いいなぁ、このメロディ。彼らに、直接会って話をしたいな」と思ったんです」。
キリンジとの出会いについて、マネージメントスタッフの柴田さんは、こう振り返ります。
1996年秋、ゲームソフト会社ナムコで、ゲーム音楽を作りながら、音楽活動を続けていた兄・堀込高樹と、フリーターで音楽活動を行っていた弟・堀込泰行の兄弟は、兄弟ユニット「ホリゴメズ」を結成し、一緒に音楽活動をスタートします。
「二人が作った曲のメロディは、彼らが大好きだったスティーリー・ダンやビートルズを意識した作りになっているんですが、歌詞の方は、今の言葉を使って、分かりやすく書いてあるんですね。そして、兄弟ならではのハーモニー。当時から、二人ならではのポップな曲が完成されていました」。
柴田さんと出会った直後、ユニット名を「ホリゴメズ」から「キリンジ」に変更した二人は、1997年5月、トイズファクトリー傘下のインディーズレーベルから、シングル「キリンジ」でデビューします。
キリンジは、『ロッキンオンジャパン』を始め、複数の音楽雑誌で紹介されるなど、音楽関係者の間で話題となり、11月には、２枚目のシングル「冬のオルカ」を発売。そして、音楽マーケットで、やっていけると判断した柴田さんと、キリンジの二人は、メジャーデビューを決めます。
「インディーズ・シングルを２枚発売し、音楽マーケットの反応も良かったので、すぐにレコード会社とメジャーデビューの交渉を始めました。インディーズ盤を発売したトイズファクトリーには、レコード会社のカラーと合わないという理由で断られたんですが、他の４社が手を挙げてくれ、その中から選んだのが、ワーナー・ミュージック・ジャパンでした」。
1998年8月、キリンジはシングル「双子座グラフィティ」で、デビューします。
1998年８月、シングル「双子座グラフィティ」で、メジャーデビューしたキリンジ。
「堀込高樹、堀込泰行の二人が曲のデモテープを作って、アレンジャーの冨田恵一が曲の世界感を広げていく。それが、インディーズ時代から続けてきた、キリンジの曲作りのスタイルです。二人がこだわったのは、メロディ、歌詞、曲の骨格、この３つを大切にした、ポップスを作ることでした。ポップスは、時代に応じた曲もあれば、10年先でも、20年先でも、何時の時代に聴いても変わらない不変的な曲もある。キリンジの二人が目指したのは、何時の時代になっても変わらない不変的なポップスだったんです」。
ネージメントスタッフの柴田さんは、こう語ります。
「キリンジの特徴は、二人、それぞれがシンガーソングライターだという点です。お互いが、歌詞とメロディを持ち寄って一緒にひとつの曲を作るというスタイルではなく、二人が別々に曲を作って、レコーディングを終えるとキリンジの曲になっている、という点ですね。二人の違いといえば、弟の泰行よりも、兄・高樹の方が、作家的な点です。高樹は、曲を作る時、常に弟・泰行が歌うことを前提に曲を作っているんです。ちょっと言い方は悪いかもしれませんが、「この曲を歌ってみろよ」というような、挑発的な曲もあったりします」。
メジャーデビューした1998年にシングル1枚とアルバムを1枚をリリース、翌1999年もシングル１枚、アルバム１枚と、マイペースな活動を続けていたキリンジですが、2000年を迎えるにあたって、マネージメント担当の柴田さんは、ひとつの取り組みに挑戦することを決めます。
「デビュー２年間は、シングルとアルバムを作って、ライブをやって、と同じパターンが続いていたので、2000年はシングル４枚、アルバム１枚、その合間にはライブもやる、と攻撃的なスケジュールを作ったんです。そして2000年に入って最初に出したシングルが、この「アルカディア」でした」。
2000年1月、キリンジが発売した３枚目のシングル「アルカディア」。
「攻撃的に活動することを決めた2000年、その１発目となった、シングル「アルカディア」は、それまでのシティ・ポップス路線のキリンジが、ブルース・ロックにチャレンジした曲でした。レコード会社からは、「キリンジらしくない」と言われたんですが、キリンジの二人にとっては「俺たちはどんな曲にもチャレンジできるんだ」と自信を持った曲でした」。
その後も、キリンジは、４月に４枚目のシングル「グッデイ・グッバイ」を発売、その直後には初めての全国ツアーを行います。そんな、慌ただしいスケジュールの合間をぬって進められていた、ニューアルバム制作の中で、ある曲を先行シングルとして発売する話が決まります。
「この曲は、2000年に発売する曲のデモテープを、まとめて作った中の一曲でした。初めてデモテープを聴いた時、スタッフみんなが「いい曲だね」と褒めて、満場一致で、シングル候補曲になった曲です。
それまでのキリンジは、アッパーな曲ばかりだったんで、そろそろバラード曲が必要なのでは、と感じていたタイミングだったんですね」。
「この曲は、泰行が作った曲で、歌詞も彼が書いたんですけど、実は、難産でした。兄・高樹と弟・泰行の二人を比較した場合、兄・高樹の方が、歌詞を書くのが得意なんですね。この曲も、泰行が書いた歌詞を、高樹が読んで、ダメ出しして、泰行が何度も書き直したんです。泰行が書き直す時、高樹は決して手伝いませんでした。歌詞は、レコーディングギリギリのタイミングで、なんとか完成しました」。
こうして、３枚目のアルバム『３』のリリースに先駆けて、2000年10月、キリンジ６枚目のシングル「エイリアンズ」は発売されました。
2000年10月に発売された、キリンジ６枚目のシングル「エイリアンズ」。この曲も収録されたアルバム『3』は、セールスチャート初登場18位を記録します。
「アマチュア時代を含め、キリンジ二人のやりたい音楽が詰まったアルバム『３』は、先行シングル「エイリアンズ」が多くの人達から支持を集めたお陰で、ヒットしたと言ってもおかしくないと思います。それまでポップな曲ばかり歌ってきたキリンジでしたけど、しっとりとしたバラードも歌えるという、彼らにとっても大きな自信に繋がった曲です」。
最後に、柴田さんはこう語ってくれました。
二人にとって新しい世界を切り開くキッカケとなった、J-POPバラードの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．彩(エイジャ)／スティーリー・ダン
Ｍ２．双子座グラフィティ／キリンジ
Ｍ３．アルカディア／キリンジ
Ｍ４．エイリアンズ／キリンジ
１０９回目の今日お届けしたのは、「奥華子／ガーネット」でした
「５歳でピアノを習い始めた彼女は、小学校に入るとブラスバンドでトランペットを始めたそうです。ただ、プライベートではほとんど音楽は聞かなかったそうで、ピアノやトランペットを習っていたのも、彼女の頭の中では、単なる習い事のひとつでしかなかったようです」。
奥華子と音楽の出会いについて、レコード会社の担当スタッフはこう話します。
1978年3月、千葉県船橋市に生まれた少女・奥華子は、小学校でトランペットを習い始め、中学進学後には、地元のオーケストラに入り、演奏活動を続けます。「それまでJ-POPには無縁だった彼女でしたが、この頃から小田和正やオフコースの歌声に惹かれたり、槇原敬之が作った曲の歌詞を読んで、歌に魅力を感じるようになったそうです」。
1994年春、地元の高校に進学した奥華子は、高校３年の時に、友達が曲を作って歌う姿に、「ひょっとしたら自分でもできるかもしれない」と感じ、彼女自身も曲作りにチャレンジします。
彼女が初めて作った曲は、家族や友人からの評判も良く、奥華子の心の奥底に、「自ら曲を作って歌う」ことの小さな自信が芽生えます。
1997年春、音楽大学の器楽科に入学した奥華子は、自分が本当にやりたかった事が、歌を歌うことだと気が付き、翌1998年から、都内のライブハウスで、キーボードの弾き語りでステージに立つようになります。「ライブハウスで歌うようになった彼女ですが、まだこの時は音楽で生計を立てていく、という考えは持っていなかったそうです。
流れるままに身をまかせ、歌い続けていた彼女でしたが、しばらくすると「自分はこのままでいいんだろうか」という迷いが生まれ、ある日、その迷いを断ち切るために、路上ライブを行うことを思いついたんです。当時は、路上ライブ出身のアーティスト、コブクロやゆずが注目を浴びていた時期で、彼女は、ライブハウスで歌うよりも、路上で歌ったほうが、より聴く人達の目線に立って歌えるんじゃないか、そうすれば、自分が歌に込めた思いが伝わるんじゃないか、と考えたみたいなんです」。
2004年2月、奥華子は、「新しい自分にチャレンジするため」に東京・渋谷で初めての路上ライブに挑みます。優しい彼女の歌声に惹かれ、足を止めて聴いてくれる人々に、奥華子はライブハウスで歌うのとは違う、充実感を感じ、改めて歌を歌うことの素晴らしさを感じていくようになるのでした。
インディーズレーベルからCDをリリースする傍らで、全国各地で路上ライブを続け、着実にファンを獲得していった奥華子は、2005年7月、ポニー・キャニオンからシングル「やさしい花」でメジャーデビューします。
「ライブハウスで歌い始めてから、デビューまで、約７年がかかったわけですが、歌を歌い始めた当初は、簡単にメジャーデビューできるんじゃないかと、彼女は考えていたそうです。
ところが、ライブハウスに彼女の歌を聞きにくるお客さんはほとんどいない。迷いを断ち切るために始めた路上ライブで、ようやく、彼女の歌声に惹かれるファンを掴みとることができた。
だから、メジャーデビューが決まった時も、割りとあっさりとしてましたね。それよりも、ライブに来てくれるお客さんを、どうやったら自分の歌で感動させることができるのか。その事ばかり考えていました」。
レコード会社の担当スタッフは、当時についてこう振り返ります。
メジャーデビューを果たした後も、奥華子は創作活動と並行して、ライブハウスや、ショッピングモール、そして時間がある時には、彼女の原点でもある、キーボード弾き語り路上ライブを続けていきます。
デビュー翌年の2006年１月、奥華子は2ndシングル「魔法の人」を、2月には3rdシングル「恋つぼみ」を立て続けに発売、さらに３月には1stアルバム『やさしい花の咲く場所』を発売します。
そんな中、奥華子の曲を聴いた、映画監督・細田守さんから、その年の夏に公開が予定されていたアニメ映画『時をかける少女』への主題歌提供の依頼が舞い込みます。
「偶然、1stシングル「やさしい花」を聴いた、細田監督が、「こんな優しい歌声のアーティストが、日本にもいるんだ」と思って、オファーをくれたんです。映画もまだ完成していない時期だったので、最初はストーリーと絵コンテを渡されて、曲を作ることになったんです。細田監督から奥華子への要望は、「自分が思った事を、感じたままに曲にして作って欲しい」」というものでした。彼女はまず１曲を作りました。それを細田監督に聴かせると、気に入ってくれて、その曲は映画の挿入歌として使われることが決まりました。それが、カップリングとして発表された、「変わらないもの」です。そこからさらに、主題歌を作る作業に取り掛かかりました」。
「彼女は、ストーリーと絵コンテだけ、という数少ない映画の素材を基に、悩みに悩みぬいて、全部で５曲を作って細田監督に渡したんですが、なかなか満足できるものが出来きませんでした。困った彼女は、ヒントが欲しくて細田監督に電話をしたんだそうです。その時、細田監督からもらったヒントが、「せつなさの中に感じる前向きな気持ち」と、監督の頭の中だけで出来上がっていた、「エンディングの青空のシーンのイメージ」でした。
彼女は、細田監督のその言葉から、サビの歌詞「あなたと過ごした日々をこの胸に焼き付けよう 思い出さなくても大丈夫なように」を生みだし、後は一気にメロディと歌詞を綴っていったそうです」。
奥華子が、悩み抜いた末に作ったその曲は、細田監督からも高い評価を得て、2006年7月に公開された、劇場版アニメ『時をかける少女』の主題歌として起用され、映画の公開と同時に、奥華子４枚目のシングル「ガーネット」として発売されのでした。
2006年7月に発売された、奥華子４枚目のシングル「ガーネット」。
「この曲をキッカケに、それまで彼女のライブに足を運んでくれていた人、路上ライブを通して彼女をずっと応援してくれた人達以外の、特に若い人を中心に奥華子のファン層を広げることができました。彼女自身も、
その後、曲を作っていくという面で、何が一番大切なのか、とても勉強になったんではないでしょうか」。
最後に、スタッフは、ガーネットについてこう語ってくれました。
奥華子の魅力をさらに引き出すキッカケとなった、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ラブストーリーは突然に／小田和正
Ｍ２．やさしい花／奥華子
Ｍ３．ガーネット／奥華子
１０８回目の今日お届けしたのは、「Every Little Thing／Time goes by」でした
小さい頃から、子役としてTVCMや雑誌モデルとして活動していた少女・持田香織は、1993年、高校入学後にアイドルグループ「黒BUTAオールスターズ」のメンバーとして芸能活動を本格化し、その年11月にはソロアーティストとしても、シングル「もう一度」を発売します。
一方、中学時代にビートルズやモンキーズで音楽に目覚め、その後、ディープ・パープルのキーボードプレーヤー、ジョン・ロードに憧れて、ミュージシャンを目指すようになった五十嵐充は、レコード会社「エイベックス」でスタジオ管理のアルバイトをしながら、創作活動に励みます。
1995年、エイベックスのスタッフから、持田香織を紹介された五十嵐は、持田のさわやかな声に惹かれ、彼女をボーカルにしてデモテープ作りを始めます。
「五十嵐と持田、二人がコツコツと作っていたデモテープが、ある日、現在のエイベックスの社長、松浦の目に留まったんです。松浦は、何度も何度もデモテープの作り直しを命じながら、二人を育てていきました。そのうち、初めは、持田のソロデビューだった話が、いつの間にか五十嵐と持田のユニットでデビューすることになったんです」。
その後、「曲に深みを加えるために生音が欲しい」という五十嵐のアイディアで、学生時代に五十嵐とともにバンドを組んでいたギタリスト・伊藤一朗がメンバーに加わって、3人組ユニットで結成された「Every Little Thing」は、1996年8月、シングル『Feel My Heart』で、デビューします。
1996年８月に発売された、Every Little Thingの1stシングル「Feel My Heart」は、セールスチャート最高位24位、約13万枚の売上を記録します。さらに、デビューから僅か2ヵ月後の10月には、持田香織自らも出演したTDKのTVCM曲「Future World」を発売し、音楽関係者の間で話題となります。
「デビューが決まってからは、全てがトントン拍子に進んでいくので、メンバー自身、右も左も分からない状態で、とにかくスタッフの指示通りに動くしかなかったんです。五十嵐も、本当は作家として裏からバンドを支えるつもりだったのに、いつの間にかバンドのメンバー、しかも中心的な存在になっていたことに戸惑いながら、曲を作っていましたね」。元スタッフは、デビュー当時のEvery Little Thingについて、こう振り返ります。
打ちこみと生音がミックスされることで、聞き心地の良さが増したメロディーに、持田が呼びかけるように歌う恋の歌詞は、親しみ安さを生み、Every Little Thingは、女性を中心にファンを獲得していきます。
そして1997年1月、Every Little Thingは、彼らの人気に火をつけるキッカケとなる、３枚目のシングル「Dear My Friend」を発売します。
1997年1月に発売された、Every Little Thing３枚目のシングル「Dear My Friend」は、スリムビューティハウスのTV-CMソングとして起用されたこともあり、セールスチャート最高位9位を記録、約49万枚の売上を記録します。そして、４月に発売された、1stアルバム『everything』は、セールスチャート最高位1位、約192万枚の売上を記録し、およそ1年近くもセールスチャートにランクインし続けるロングセラーアルバムとなり、Every Little Thingの人気を決定づけることになります。
「アルバム『everything』の大ヒットで、Every Little Thingに対する周りの期待が、一気に高まったんです。TV出演依頼や、CMタイアップ依頼、雑誌の取材、さらにはライブのオファー。次から次へとEvery Little Thingに仕事が舞い込んできたんです。しかも、その合間をぬって、創作活動もやらなきゃならない。もともと、「やるからには上を目指してやろう」と３人は言っていたので、休みは無くなりましたけど、何事にも意欲的に取り組んでいました」。
元スタッフは、当時についてこう振り返ります。
1997年6月に発売した、4枚目のシングル「For the moment」で、初のセールスチャート１位を獲得したEvery Little Thingは、この年だけで4枚のシングルと２枚のアルバムをリリース。この年の日本レコード大賞優秀作品賞も受賞し、さらには大晦日の「NHK紅白歌合戦」にも出場します。
そんなEvery Little Thingに、あるTVドラマ主題歌の話が舞い込みます。
「デビュー以来、ずっとキャッチーな曲ばかりが続いていたので、メンバー、スタッフの間で、いつ、どのタイミングでバラードを出すか、チャンスをずっとうかがっていたんです。ちょうどそのタイミングで、翌年の1998年1月からフジテレビ系で放送されるドラマ主題歌のオファーが、しかもバラードで作って欲しいと来たんです」。
「五十嵐は、いつも曲を作る時に、常に歌い手・持田のことを考えて、曲を作っているんです。
どんなメロディにすれば、どんな歌詞を書いたら、持田が歌いやすい曲となって、曲を聴いた人に、言葉がきれいに伝わるのか。僕ら周りのスタッフが、もう完成しただろう、と思っても、五十嵐は貪欲に、丁寧に丁寧に曲を考えて作っているんです。この曲も、余り時間は無かったのですが、学園祭ライブツアーの合間をぬって、作っていきました」。
こうして、1998年2月、1月にスタートしたフジテレビ系ドラマ『甘い結婚』の主題歌、Every Little Thing８枚目のシングル「Time goes by」は、発売されます。
1998年2月に発売された、Every Little Thing８枚目のシングル「Time goes by」は、セールスチャート最高位こそ2位ながらも、売上枚数約115万枚のミリオンセラーを記録、Every Little Thingの歴代シングルの中で、売上枚数はNo.1となります。
「2000年に、音楽プロデュースに専念するために、五十嵐はEvery Little Thingを脱退しますが、この曲は残った持田と伊藤の二人にとってはもちろん、曲を作った五十嵐にとっても素晴しい代表曲になったと思います。Every Little Thingは、キャッチーな曲だけじゃなく、しっとりと聴かせるバラードも歌うことができる。それまで以上に、Every Little Thingのファン層を広げるキッカケとなりました」
最後に、元スタッフは、この曲についてこう語ってくれました。
バンドをワンランク成長させるキッカケとなった、バラードの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．デイドリーム・ビリーバー／ザ・モンキーズ
Ｍ２．Feel My Heart／Every Little Thing
Ｍ３．Dear My Friend／Every Little Thing
Ｍ４．Time goes by／Every Little Thing
１０７回目の今日お届けしたのは、「ゴンチチ／放課後の音楽室」でした
「1978年のある日、共通の友人が、三上さんを連れて松村さんの自宅に遊びに行ったのが、二人がデュオを組むことになったキッカケです。それまでお互いに、それぞれの存在は知っていたそうですが、直接会うのはその日が初めてでした。しかし、それが、まさに運命の出会いで、会ったその日に、二人は意気投合し、映画『サウンド・オブ・ミュージック』の「My Favourite Things」をセッションしたそうです。二人が弾くギターの音色は、当時、家に居た松村さんの家族も、「レコードがかかっていたのか」と思うほど自然に流れていたそうです」。
ゴンチチのマネージャー水上さんは、二人が初めて出会った日の様子について、こう語ります。
1953年12月、大阪府に生まれたゴンザレス三上こと三上雅彦は、幼稚園の時に耳にしたクラシック音楽やムード音楽に魅かれ、やがてピアノを弾いたり、ギターを弾いたりするようになります。その後、旧電電公社に就職した三上は、休日にはギター教室の講師を務めるようになります。いっぽうの、チチ松村こと松村正秀は、1954年9月、三上と同じ大阪府に生まれ、幼いころに聴いた賛美歌で音楽に目覚めた後、フォークミュージックに夢中になって、大阪ガスに就職後は、休日に地元のライブハウスでフォークシンガーとして活動するようになります。
1978年、共通の友人を介して知り合った二人は、インストゥルメンタル・アコースティック・デュオ「ゴンザレス三上とチチ松村」を結成します。三上と松村の二人は、平日はサラリーマンとして別々に仕事をする傍らで、休日限定のデュオとして、地元大阪を中心とした関西のライブハウスで活動します。
そして、デュオ結成から５年が経った1983年7月、ゴンザレス三上とチチ松村の二人は、アルバム『ANOTHER MOOD』で、デビューするのでした。
1983年７月、ゴンザレス三上とチチ松村の二人は、アルバム『ANOTHER MOOD』でデビューします。
「デビューアルバム『ANOTHER MOOD』は、制作予算も少なかったので、当時のマネージャーで現在の所属事務所の社長・佐脇のツテを頼って、大阪の松下電器のスタジオで、少人数のスタッフでレコ―ディングしたんです。今と同じように、三上がナイロン弦のギターを、松村がスチール弦ギターを弾くスタイルで、自主制作盤を家内制手工業のように作ったそうです」。
翌1984年7月、二人はデュオの名前を、ゴンザレス三上とチチ松村から、「ゴンチチ」と改め、２枚目のアルバム『脇役であるとも知らずに』を発売します。
「二人が曲を作るスタイルは、デビュー当時から今でも、ずっと同じです。コンセプトを何も決めないまま、自然体のまま曲を作っているんです。まずは、その時その瞬間、お互いが感じたイメージをメロディにして、デモテープを作り、その後、二人が持ち寄ったメロディを、一つの曲にしていくんです。偶然、間違って演奏したことをキッカケに、曲が生まれることだってあるんです。さらに、二人で作った曲に、二人がその時に欲しいと思ったアレンジを加えて、ゴンチチならではの曲が生まれていくんです」。
「それから、ゴンチチの音楽がインストゥルメンタルである理由。それは、二人の「僕らは歌詞で、自分たちのメッセージを伝える、と言うレベルの人間ではない」、という考えからなんです。言い換えれば、同じ音楽でも、聴く人、聴く時、聴く場所、シチュエーションによって、色んな事を感じることができる。僕らの曲を聴いてくれた人たちに、色んな事を感じとって欲しいという、二人の願いが込められているんです」。マネージャーの水上さんは、こう語ります。
デビュー後も、変わらぬスタイルで演奏を続け、作品を産み続けたゴンチチの音楽は、ゆっくりと水が流れるように、日本の音楽シーンに浸透していきます。
1991年10月、ゴンチチの音楽の心地良さに注目していた、俳優の竹中直人は、二人に声を掛け、竹中直人が監督・主演を務めた映画『無能の人』のサウンドプロデュースを、ゴンチチが手掛けることになります。
1991年10月に発売された、映画『無能の人』のサウンドトラック盤は、翌1992年、日本アカデミー賞優秀音楽賞を受賞、ゴンチチの音楽が注目を浴びるようになります。
その後も、1年に１枚のペースでアルバムを作っていたゴンチチですが、1996年11月に発売した、オリジナルアルバム『EASY BUSY』に収められたある曲が、ゴンチチの音楽が持つ魅力を、象徴する１曲となっていきます。
「この曲も、それまでと何ひとつ変わらないスタイルで、生まれた曲なんです。初めはアルバム『EASY BUSY』の単なる一曲だったこの曲は、アルバム発売直後から、化粧品メーカー「マンダム」のTV-CMに使われ、曲の存在がゴンチチファン以外の人にも知られるようになったんです。さらに、4年後の2000年8月には、コンピュレーションアルバム『image』に収録され、アルバムが大ヒットしたお陰で、この曲とゴンチチが結びついたんです」。
「実現していない話も幾つかありますが、実は、この曲は、発売から10年以上経った今でも毎年のように、「CMに使いたい」という要望が届いているんです。2004年には、韓国でもお茶のTV-CMに使われたんです。曲の持っている素晴しさが理解されて、韓国でも使ってもらえたことが嬉しかったです」。
さまざまな人達から、さまざまなシチュエーションでのBGMとして使われるようになった「放課後の音楽室」は、
ついに2003年には、音楽の教科書にも掲載されることになるのでした。
1996年11月に発売された、ゴンチチのアルバム『EASY BUSY』に収録された「放課後の音楽室」は、2003年からは、高校の音楽教科書「音楽２」にも掲載され、世代を越えて親しまれる曲となります。
「二人は、デビューした時から、まるで子どもがおもちゃに夢中になって遊ぶのと同じ感覚で、ギターを弾き曲を作っています。この曲も、二人が初めて出会ったあの日に通じ合った、二人の純真無垢、ピュアな気持ちで作った曲だからこそ、この曲を聴いたあらゆる人の心に沁み込んで、ゴンチチを代表する曲になったんだと思います。」
最後に、水上さんは、この曲についてこう語ってくれました。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．Ｍｙ Ｆａｖｏｕｒｉｔｅ Ｔｈｉｎｇｓ／ゴンチチ
Ｍ２．マルセルでさえも／ゴンチチ
Ｍ３．無能の人／ゴンチチ
Ｍ４．放課後の音楽室／ゴンチチ
１０６回目の今日お届けしたのは、「尾崎亜美／天使のウインク」でした
「まさか自分がプロの歌手になるなんて、デビューの話を貰うまで、想像していませんでした。しかし、レコード会社のスタッフから、実際にプロデビューの誘いを受けた時、私はアマチュアとプロの差を感じ始めていた時期でもあったので、もし自分がプロになったら、もっと色んなミュージシャンと出会うチャンスも増えて、自分にとって、もっと楽しい世界が開けるような気がして、プロデビューすることを決めたんです」。
尾崎亜美さんご本人は、デビューを決めた時の気持ちについて、こう振り返ります。
1957年3月、京都府京都市に生まれた尾崎亜美は、高校進学後に、軽音楽部に入部。女性３人で結成したバンド「どん」を皮切りに、「おしんこペイション」「エンプラ・ストリート」と３つのバンドを渡り歩きます。
1974年、尾崎亜美が在籍していたバンド「エンプラ・ストリート」は、KBS京都が放送していたアマチュア音楽コンテスト番組「アクションヤング大丸」に出演、ボーカルの尾崎亜美は、その歌唱力を審査員から高く評価されて、レコード会社・東芝エキスプレスのスタッフから、デビューの誘いを受けます。そして、プロデビューを決めた尾崎亜美は、彼女自身が作詞・作曲したデビュー曲のアレンジを、松任谷正隆さんにお願いします。
「デビューが決まった後、スタッフと話をして、ピアノが弾けて、歌が歌えるのであれば、同じタイプの人にアレンジをお願いするのが良いのでは、という話になって、松任谷正隆さんにお願いしたんです。松任谷さんは、私に「歌謡曲とは違う、シンガーソングライター尾崎亜美のカラーを作ろう」と言ってくれたんです。
その時から私は、自分が思った気持ちや想いを、歌詞に置き換え、メロディに乗せてみんなに聞いてもらう、ただその想いだけで、音楽を作ろう。そう考えたんです」。
1976年3月、尾崎亜美は、“第２のユーミン”をキャッチフレーズに、シングル「冥想」でデビュー。
そして、翌1977年の春には、予め決まっていたキャンペーンテーマを、曲のタイトルにする、という依頼に悩みながらも曲を作った、資生堂の春のキャンペーンソング「マイ・ピュア・レディ」を発売します。
1977年2月に発売した、尾崎亜美３枚目のシングル「マイ・ピュア・レディ」は、発売２ヵ月目の４月に、セールスチャート最高位３位にランクイン、約40万枚の売上を記録するヒット曲となります。シングル「マイ・ピュア・レディ」のヒットをキッカケに、シンガーソングライター尾崎亜美としての、独自の世界を切り開いた彼女の下に、再び翌1978年春の資生堂キャンペーンソングへの、曲提供の話が舞い込みます。
「２度目の依頼は、私自身が歌うのではなくて、私が作った曲を他のアーティストが歌うという内容でした。私自身、自分が作った曲を他のアーティストが歌う事自体が初めての経験で、面白いなぁ、と思って、二つ返事でこの話を受けました。しかも、作詞・作曲に加えて、曲のアレンジも私がやる事になったんです。それまでは、私が曲のデモテープを作った後、アレンジャーに渡して曲を仕上げてもらっていたんですけど、実際に完成した曲を聴いてみると、自分の思っていたイメージとは全く違う形の曲になることもあったので、今回、自分で曲を最後までアレンジできると考えたら、楽しくて仕方ありませんでした」。
初めて曲のアレンジを手掛けることになった当時について、尾崎亜美さん本人はこう振り返ります。
こうして、尾崎亜美が初めて、作詞・作曲、そして曲のアレンジまで手がけた1978年春の資生堂キャンペーンソング、南沙織のシングル「春の予感-I’ve been mellow-」は、1978年１月に発売されます。この曲は、その年６月に行われた「第７回東京音楽祭」国内大会の作詞賞を受賞します。
他人への楽曲提供や、アレンジの魅力にめざめた尾崎亜美に、今度は、新人アーティストのデビュー曲の依頼が入ります。それはまだ、当時16歳の少女・杏里でした。
1978年11月に発売された、杏里のデビューシングル「オリビアを聴きながら」は、セールスチャート最高位65位、約5万5千枚の売上を記録します。
ソングライターとしての才能を開花させた尾崎亜美の下へは、その後も続々と他のアーティストからの曲提供の依頼が舞い込むようになっていきます。「曲提供の依頼があった時、まず私は、アーティスト本人と、依頼のあった曲のイメージが浮かぶかどうかを考えるんです。依頼に対して、私自身が発想と情熱を感じることができるか、なんです。テクニックだけで曲を書く自信はありましたけど、せっかく曲を提供するなら、その人のために心を注いだ曲をプレゼントしたかったんです。時間の許す限りレコーディングにも立ち会って、曲に魂を注ぎたかったんですね」。
そんな尾崎亜美の下へ、1984年12月下旬、ある曲提供の話が舞い込みます。
「クリスマスが終わった直後、年末の大掃除をしていた私に、松田聖子さんのスタッフから、次のシングルの曲を書いて欲しい」という話が届いたんです。松田聖子さんとは、彼女がこの年1984年6月に発売したアルバム『Tinker
Bell』の中で、松本隆さんが書いた歌詞に私がメロディを作った事もあって、再び話を持ってきてくれたんです。
詳しい話を聞いてみると、曲の締切は翌日。しかも、この時はメロディに加えて、歌詞も一緒に書いて欲しい、という内容でした。驚きましたけど、頑張って作ることにしたんです」。
「この頃、私は、自分自身の次のオリジナルアルバムを、神話をモチーフに作ろう、と考えて、幾つか神話を読みながら、アルバムの構想を練っている時期でした。松田聖子さんの曲を、どんなイメージで作ろうか、大掃除をしながら考え、窓ガラスにはたきを掛けた瞬間、ホコリが舞って、日差しと重なって、私は一瞬、まばたきをしたんです。その瞬間、「あっ。これだ」とひらめきが、頭の中を走って、「ウインク」という言葉が浮かび、さらに、神話の事を考えていたからでしょうか、日差し=天使と考えて、曲のタイトルを考えたんです」。
「曲は、メロディと歌詞を一緒に考え、組みたてていく中で、それまでの松田聖子さん曲と同じ路線の曲を作っていくのではなく、どうやったらいい意味で彼女の持っているイメージを崩すことができるだろうか、考えました。「オリビアを聴きながら」を歌った杏里は、彼女のデビュー曲という事もあって、透明感を杏里から感じていましたけど、既に活躍している松田聖子さんは、私の頭の中でスウィート、というイメージがあって、スウィート=バラードという考えが浮かんできたんんです。だから、メロディは敢えてリズミカルな曲調にしてみよう、と考えて、曲の冒頭AメロからBメロへ変わった時にリズムも変わる、バッハの対立法を参考にして曲を作ったんです。そのメロディに合わせて、歌詞もリズミカルな箇所は、女の子の目線で。曲の頭と、エンディングは男の子の振りをした天使の目線で、と変化
させてみました。「オリビアを聴きながら」が、自分の生活感を曲の中に描いているに対して、この曲は私が持っていない感情、憧れのような気持ちを描いているんです」。
1985年1月に発売された、松田聖子22枚目のシングル「天使のウインク」は、セールスチャート最高位1位、約41万枚の売上を記録します。そして、曲を作った尾崎亜美自身も同じ1985年9月に発売されたアルバム『10番目のミュー』の中で、セルフカバーするのでした。
1985年9月に発売された、尾崎亜美のアルバム『10番目のミュー』で、彼女自身がセルフカバーした、「天使のウインク」。
「それまで、私は「可愛らしい曲しか作れない」というイメージが自分の中にあったけど、松田聖子さんが歌ったこの曲「天使のウインク」がヒットした時、私は自分が「ポップスも作れるミュージシャンになった」と実感し、自分のソングライターとしての成長を感じることができたんです。その後、私のライブでも、この曲を歌ったら観客が立ちあがって一緒に歌ってくれる、今では欠かせない曲になっています。
オリジナルバージョンはもちろん、最近ではロックアレンジでも歌ったりしています。色んな尾崎亜美を見せることができる、聴いてくれた人を幸せにできる曲です」
最後に、尾崎さんは、この曲についてこう語ってくれました。
男女を問わず、世代を超えて愛され続ける、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．冥想／尾崎亜美
Ｍ２．マイ・ピュア・レディ／尾崎亜美
Ｍ３．オリビアを聴きながら／杏里
Ｍ４．天使のウインク／尾崎亜美
１０５回目の今日お届けしたのは、「斉藤和義／ウエディング・ソング」でした
1966年6月、栃木県下都賀郡(現在の下野市)に生まれた斉藤和義は、小学６年の時に、母親が１本のアコースティックギターを買ってくれたことをキッカケに、音楽の道を歩み出します。中３の文化祭で、友達と組んだバンドで人生初のステージを踏んだ斉藤和義は、高校に進学後もギタリストとして活動します。その後、斉藤和義は、山梨学院大学に進学し、先輩の影響で、見よう見まねで曲作りを始め、1987年、プロの歌手になることを夢見て、大学を中退して上京します。
斉藤和義は数々の経験を重ねて、上京から６年が過ぎた1993年8月、シングル「僕の見たビートルズはTVの中」でデビュー、9月には東京・新宿のライブハウス「日清パワーステーション」でデビューライブを行います。翌1994年6月、斉藤和義は４枚目のシングル「歩いて帰ろう」を発売、子ども向けＴＶ番組『ポンキッキーズ』のオープニング曲として起用されたシングル「歩いて帰ろう」は、斉藤和義にとって初めてセールスチャートにランクインし、約4万8千枚の売上を記録します。
その後、斉藤和義は、マツダなどのＣＭタイアップソングを含むシングルやアルバムを順調にリリース、ファン層を広げていく一方で、ライブ活動も積極的に行い、ライブアーティストとしても知られる存在となっていきます。
1997年2月、31歳となった斉藤和義は、作詞・作曲・演奏・アレンジ・プロデュースを、全て初めて一人で手掛けた５枚目のアルバム『ジレンマ』を発売、アルバム『ジレンマ』は、アルバムチャート初登場８位を記録します。
「彼にとって、デビューしたことが最初の転機なら、この５枚目のアルバム『ジレンマ』をセルフプロデュースで作ったことが、次の転機でしょう。彼は「30歳の頃は、別の人が作った歌詞やメロディを自分が歌うことは、悪だと思っていた」と、言ってました。当時の彼は、自分自身で、全てを消化しないといけない、と思っていたんでしょうね」。
後に斉藤和義の所属レコード会社宣伝担当になる、常盤さんはこう振り返ります。
1997年11月、斉藤和義は翌12月に発売を予定していた６枚目のアルバム『ビコーズ』に先駆けて、15枚目のシングル「歌うたいのバラッド」を発売します。
1997年11月に発売した、斉藤和義15枚目のシングル「歌うたいのバラッド」は、男も女も泣かせる究極のラブソングの名曲として、多くの音楽ファンに受け入れられると同時に、新たなファンを獲得するキッカケとなります。
デビューから６年が経過した1999年7月、斉藤和義はレコード会社を、それまでのファンハウスからビクター・スピードスターレコードへ移籍します。
「斉藤和義は、レコード会社を移籍したからと言っても、それまでの活動と何も変わらず、マイペースで活動していましたね。特にライブは、武道館からライブハウスまで、ときにバンドスタイル、ときに弾き語りと、様々なライブやイベントに、自由に参加していました」。
常盤さんは、移籍した直後の斉藤和義について、こう振り返ります。
翌2000年２月、移籍第１弾シングル「アゲハ」を発売した後も、斉藤和義は、コンスタントにリリースとライブ活動を並行して行っていきます。そして20006年春、その年の６月に発売を予定していたアルバムの制作作業に取り組んでいた斉藤和義の下へ、あるCMソングの依頼が入ります。
「３月頃だったでしょうか。広告代理店を通して、結婚情報誌『ゼクシィ』のTVCMソングを作って欲しいという
依頼があったんです。『ゼクシィ』のCMコピーライター一倉宏さんが作った歌詞に、曲を付けて欲しいという内容でした。それまで斉藤和義は、彼自身が歌う曲では、彼以外の作家が書いた歌詞に曲を作った経験がありませんでした。しかし、話を貰った直後に、斉藤和義が一倉さんと直接会って話をする機会があり、二人は直ぐに意気投合し、彼は曲を作ることにチャレンジすることを決めたんです。実は、元々斉藤和義のファンだった、一倉さんが、「ぜひ彼にメロディを書いて欲しい」という理由で、斉藤和義にこの話を持ってきたそうです」。
アルバムレコーディングの合間をぬって、斉藤和義は、一倉さんが書いた歌詞に、曲を付けていきます。
「最初は、TVCMに使われる「そのひとを選んだ 人生がいまはじまる」というサビの歌詞だけが斉藤和義に渡されたんです。歌詞を読んで、鼻歌で曲を作っていたら、いつの間にか、そのフレーズは完成していました。TVCMは、15秒と30秒バージョンがあったんですけど、どちらも簡単にできたんです。完成した曲を、一倉さんに聞かせて「ＯＫ」を貰って、「せっかくだから、１曲分にしたいですよね」と話しをしたら、実は一倉さんが残りの歌詞も作っていたので、結局、１曲丸ごと作ったんです」。
「曲が完成した直後の５月から、TVCMが流れ始め、直ぐにCMを見た視聴者からの反響がレコード会社に殺到しました。その後、6月に11枚目のアルバム『俺たちのロックンロール』を発売した斉藤和義は、10月から全国７ヵ所でライブツアーを行ったんです。そのライブの初日に、斉藤和義は、リリース予定の決まっていないこの曲を、公の場で初めてフルコーラスで歌ったんです。観客は、それまでTVCMで流れていた短いバージョンしか聞いたことがなく、初めてフルコーラスを聞いたんですけど、ギター１本弾き語りで演奏したこの曲が終わった時は、拍手が鳴りやみませんでした。それまでの彼の代表曲「歌うたいのバラッド」よりも、拍手は多く、その後、どの会場でも同じような感じになったので、急遽、シングル化を決めました。
CMバージョンとシングルには、ストリングスを入れているんですけど、ライブでは、ギター１本のみの、弾き語りで歌ったんです。斉藤和義にとって、久し振りの弾き語り曲であり、スローバラードという事もあって、聴く人達の心に見事にはまったんでしょうね」。
こうして2007年１月、斉藤和義31枚目のシングル「ウエディング・ソング」は発売されます。
2007年1月に発売された、斉藤和義31枚目のシングル「ウエディング・ソング」は、セールスチャート最高位16位を記録します。
「斉藤和義自身は、何も変わっていない。と言うけれど、僕らスタッフから見ると、40歳を過ぎて作ったこの曲をキッカケに、斉藤和義は人間的に少し柔らかくなったイメージがあります。それまで、他人が書いた歌詞に曲を書くことに抵抗感を感じていた彼が、この曲をキッカケに、どんどん色んな事にチャレンジしていくようになりました。2007年３月に、たくさんのカバーソングも収録したコンセプトアルバム『紅盤』を発売したのも、この曲がキッカケでした。彼自身が新しい事にチャレンジしていったことで、彼を見る周りの目が変わっていったんですね」。
常盤さんは、最後にこう振り返ってくれました。
斉藤和義を、アーティストとして、ひと回り大きく成長させるキッカケとなった、J-POPバラードの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．僕の見たビートルズはＴＶの中／斉藤和義
Ｍ２．歌うたいのバラッド／斉藤和義
Ｍ３．ウエディング・ソング／斉藤和義
１０４回目の今日お届けしたのは、「風味堂／愛してる」でした
「彼らのライブを初めて観たのは、確か2003年に入って間もない頃、下北沢のライブハウスでした。知り合いから「ピアノトリオの面白いバンドがいる」という話を聞いて、スタッフ数人と彼らのライブを観に行ったんです。ライブ当日は、お客さんが数人しかいなく、閑散とした中で、彼らのライブを観たんです。ライブを見終わって、一緒に行ったスタッフと、ライブの話で盛り上がったのが印象的でした」。
レコード会社の担当ディレクター中岡さんは、彼らとの出会いについてこう振り返ります。
2000年秋、福岡県内の音楽スタジオ「BE-BOP」の掲示板に、ドラマーの中富雄也が貼った、バンドメンバー募集の張り紙を見た、ボーカル兼ピアノの渡和久は、中富に直ぐに連絡します。意気投合した渡と中富の二人に、ベースの鳥口マサヤが加わって、ピアノトリオバンド「風味堂」が結成されます。翌2001年から、風味堂は、数々のアマチュアバンドコンテストに出場、その多くで優勝。その名を、福岡はじめ九州各地で名前を知られる存在となった風味堂は、2003年、次なる活躍の場を求め、上京します。
「下北沢のライブハウスで演奏する風味堂を観て、印象的だったのは、キャッチーなメロディと、渡の圧倒的な歌唱力でした。TVで、オスカー・ピーターソンがピアノを演奏する姿に憧れ、独学でピアノを弾くことを覚えた、という渡のライブパフォーマンスを観て、「これはひょっとして面白い存在になるかも」と思い、その後も、頻繁に彼らのライブを足を運ぶようになったんです。この年2003年の4月と12月に、風味堂は、インディーズレーベルから『花とりどり』と『sketchbook』の２枚ほどアルバムを発売したんですけど、そのアルバムを聴いた他のレコード会社も、彼らのライブに足を運ぶようになって、日に日に観客が増えていったんです」。
2004年7月、風味堂はインディーズレーベルからシングル「真夏のエクスタシー」を発売、2000枚以上のセールスを記録します。そして同じ年の11月、レコード会社の争奪戦の末、スピードスターレコーズと契約した風味堂は、1stシングル「眠れぬ夜のひとりごと」で、メジャーデビューを果たします。
2004年11月、風味堂はメジャー1stシングル「眠れぬ夜のひとりごと」を発売します。
「1stシングル「眠れぬ夜のひとりごと」は、残念ながら、セールスチャートにランクインせず、結果を残すことはできなかったけれど、メンバー、スタッフみんな、悲観的にはならなかったんです。
彼らは、デビューする時に「僕たちは、特別なこだわりを持った音楽をやっていくんじゃなく、ノンジャンル、ノンカテゴリーの音楽で、自分達のスタイルを作っていきたい」って、言っていました。
もちろん、売れることは大切ですが、彼らは、デビューするまで、３人が聴いてきた、ポップス、ソウル、ブルース、ハードロックなど色んな音楽の要素を、風味堂の中で消化して、バラエティ溢れる、自分達だけのオリジナル音楽を作ることを、まずは、目指していたんですね」。中岡さんは、デビュー当時について、こう振り返ります。
メジャーデビューシングルから大ヒットとはならなかったものの、デビュー前から行っていた、各地のライブハウスや、フリースペースでのライブパフォーマンスでの動員は着実に増えていき、風味堂の評判は、音楽関係者のみならず、全国の音楽ファンたちの間に広まっていきます。
翌2005年1月、風味堂は1stシングル発売から、僅か２ヵ月後に、2ndシングル「ナキムシのうた」を発売します。
2005年1月に発売された、風味堂２ndシングル「ナキムシのうた」は、複数の全国FMラジオ局のパワープレイ曲にも選ばれ、セールスチャート最高位28位を記録します。
「もともとこの曲は、彼らがインディーズ時代に作っていた曲で、当時からキャッチーな曲だったので、レコード会社の中では2ndシングルとして発売する話は決まっていたんです。曲が持っているポテンシャルも高く、サビが歌いやすいのも多くの人達に支持された理由でしょう。曲を発売した直後に、CDショップで行ったインストアライブで、彼らがこの曲が歌い出すと、多くの人達が彼らの周りに集まってきたんです」。
「ナキムシのうた」のスマッシュヒットで、一気に音楽ファンに名の知られる存在となった風味堂。その後も、コンスタントにリリースを続け、ラジオや音楽雑誌、テレビの音楽番組などにも登場、全国でのライブツアーも成功させて
順調にファンを獲得していった風味堂に、2006年に入ってすぐ、テレビ朝日のプロデューサーから、その年の夏に放送が決まっていたドラマ主題歌への楽曲提供の話が舞い込みます。
「ドラマのプロデューサーが、風味堂のライブを観て、彼らの曲を気に入って、楽曲提供の話を持ってきたんです。実は、渡は、いつもホテルの部屋に数日間缶詰め状態で、曲を作るケースが多いんですけど、この曲は神奈川県・三浦海岸の海の見えるコテージに数日間滞在して作りました」。
「渡以外、誰も居ないコテージで、彼はドラマのストーリーを参考にしながら、曲を作っていきました。渡はいつも、事実に基づいたような、ドキュメンタリータッチの曲を書くことが多いんですけど、この曲はいつもとは違っていました。ドラマのストーリーが、個性派刑事の“人情”を描いた内容だったので、歌詞の内容もフィクション的な内容になっているんです」。
2006年8月、１ヵ月前の7月からテレビ朝日系列で放送されたドラマ『ポリスステーション・羅生門』の主題歌として起用された、風味堂６枚目のシングル「愛してる」は、発売されます。
2006年8月に発売された、風味堂６枚目のシングル「愛してる」は、セールスチャート最高位10位を記録します。
「セールスチャートの記録を見れば、結果として曲が評価されたことが分かるけど、それ以上に風味堂にとってこの曲は、彼らの存在感を多くの人達に認めてもらうことができた、キッカケとなった曲です。風味堂の音楽が、ステップアップして、一歩大人の音楽を作ることに目覚めた曲でもあるんです」。
最後に、中岡さんはこう振り返ってくれました。
３ピースバンドとしての存在感を、多くの人達が認めるキッカケとなった、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．酒とバラの日々／オスカー・ピーターソン・トリオ
Ｍ２．眠れぬ夜のひとりごと／風味堂
Ｍ３．ナキムシのうた／風味堂
Ｍ４．愛してる／風味堂
１０３回目の今日お届けしたのは、「Ｓｉｎｇ Ｌｉｋｅ Ｔａｌｋｉｎｇ／Ｍｙ Ｄｅｓｉｒｅ〜冬を越えて〜」でした
「僕は、中学1年の時、QUEENを聴いたことをキッカケにベースを弾き始め、高校進学後は軽音楽部に入部して、バンド活動を始めたんです。でも、将来、刑事になりたかったので、バンド活動は高校三年の春の文化祭を最後に止め、受験勉強に専念することにしました。ところが、その年のクリスマス、母親がビリー・ジョエルのライブアルバム『SONGS IN THE ATTIC』をプレゼントしてくれたんです。それが、僕の運命を変えました。演奏、歌の持っているパワー、そして観客の熱気、全てに圧倒された僕は、レコードを貰った日の夜は、何度も何度も繰り返しレコードを聴きまくって、夜が明ける頃には、俺はプロの歌手になる、って自分で決めちゃってました」。
ボーカリストとしてプロを目指すキッカケについて、メンバーの佐藤竹善さん本人は、当時をこう振り返ります。
1984年夏、高校の同級生、佐藤竹善、藤田千章、西村智彦の３人は、それまで彼らが所属していたバンドの解散をキッカケに、３人で新たなバンドを作ることを決意します。３人は、デモテープを作るかたわらで、メンバー募集を続け、1985年暮れ、ドラムマシーンを操る佐藤達郎、ベースの阿部鼓太郎、ドラマーの佐藤誠吾の３人を新たに加え、６人で「Sing Like Talking」を結成します。翌1986年、Sing Like Takingはアマチュアバンドコンテスト「サウンド・コンテスト」に出場、グランプリを獲得します。そして、そのコンテストの審査員として参加していたレコード会社「ファンハウス」のプロデューサーから、声を掛けられることになります。
「僕らが、当時、一番やりたかった音楽は、大好きだったAORでした。でも純粋にAORをやりたかった訳ではなくて、AORが持っている感覚、つまりロック、ソウル、ジャズ、クラシックなど、どんなものにもこだわらない、「自由さ」という、AORのスピリットを、Sing Like Talkingの音楽のコンセプトにしたかったんです。だから、1stアルバムを作る時も、ノンカテゴリーで、自分達の好きな音楽を、作品に反映さえることにこだわったんです」。
レコーディング途中に、バンドの運営上の問題から、３人のメンバーが脱退するアクシデントに見舞われながらも、佐藤竹善、藤田千章、西村智彦の３人は、彼らが納得できるまで何度も何度もレコーディングをやり直します。
1988年9月、Sing Like Talkingは、およそ1年近くの時間をかけて作ったシングル「Dancin’ With Your Lies」でデビューします。
1988年9月、Sing Like Talkingは、レコーディングにおよそ１年近くの時間をかけて作ったシングル
「Dancin’ With Your Lies」でデビュー、11月には1stアルバム『TRY AND TRY AGAIN』を発売します。
「1ｓｔアルバムを作っている時に、日本のレコードのミックス技術は、アメリカやイギリスとなぜ違うのか気になって、アメリカのエンジニアを起用することになったんです。その時、クインシー・ジョーンズのエンジニアだった、ブルース・スウェディンと知り合いました。彼は、「お前達は、ライブはやらないのか。お前達の音楽だったら、ロサンゼルスのミュージシャンとやったら、もっと聴く人の心に伝わるよ」って言ってくれ、僕らに紹介してくれたのが、アメリカのロックバンド「TOTO」のドラマー、ジェフ・ポーカロでした。その後、僕らは、ジェフ・ポーカロに自分達の曲と手紙を書いて送って、ライブへの参加ＯＫの返事を貰ったんです」。
1988年12月、東京・渋谷クラブクアトロで2日間に渡って行われた、Sing Like Talkingのデビューライブには、ドラムにジェフ・ポーカロ、さらにジェフ・ポーカロの誘いで、ベースにはエリック・クラプトンのサポートメンバー
として知られていた、ネイザン・イーストが参加。世界を代表するＴＯＰミュージシャンがサポートメンバーとして参
加したSing Like Takingのデビューライブは、音楽関係者はもちろん、邦楽、洋楽ジャンルを越えて音楽ファンたちの間で話題となります。
そんなセンセーショナルなデビューにも奢ることなく、Sing Like Talkingは、自分たちのぺースを守りながら、1年に１枚ずつ、コンスタントにアルバムを発売していきます。
「僕達は、常に今自分達が大好きな音楽を、しっかり作品に反映させるというスタンスで、曲を作っているんです。その気持ちは、今でも変わっていません。長い間音楽活動を行っていると、バンドに対して一定のイメージと要望が高まってきますが、それに惑わされることなく、まずは、今の自分達が得た感動に正直に、という気持ちを変えることなく、曲を作っています」。
「88年に発売した1stアルバム『TRY AND TRY AGAIN』から、90年に発売した『�掘戮泙任蓮△箸砲�く自分達が好きなように作っていたんです。そして、次のステップに向けて作ったのが４枚目のアルバムでした」。1991年2月、Sing Like Talkingは、４月に発売が予定されていた４枚目のアルバムに先駆け、６枚目のシングル「Steps Of Love」を発売します。
1991年２月、アルバムに先駆けて発売した６枚目のシングル「Stepｓ Of Love」。「それまでは、自分達の中だけで深く考えながら曲を作っていたんですけど、この曲を含め、４枚目のアルバム『0』（ラヴ）からは、どちらかと言えば外に向かって僕らなりのポップスさと、頑固さを意識して作っていったんです。その結果、曲を聴いたリスナーがそれをうまく感じ取ってくれ、ファン層が広がっていったような感じがします」。
翌1992年２月に発売した、５枚目のアルバム『Humanity』は、Sing Like Takingにとって初めてセールスチャートにランクインし、最高位3位を記録します。洗練されたサウンドと、佐藤竹善の個性的なボーカルで多くの音楽ファンを魅了し始めていたSing Like Talkingの音楽は、J-POPの世界に新たな風を吹き込んでいきます。
そんな中、1992年夏、Sing Like Talkingのメンバーにとっては決して忘れることのできない、ある出来事が起こります。
1992年８月、Sing Like Takingの音楽性を高く評価し、さらにはデビューライブも支えてくれた、TOTOのメンバー、ジェフ・ポーカロは、突然、死去します。余りにも思いがけない出来事に、Sing Like Talkingのメンバーは、ショックを受けると同時に、彼らを支えてくれた恩人に捧げる曲を作ることを決めます。
「この曲を作る時、ジェフ・ポーカロが在籍していたTOTOのヒット曲「パメラ」のグルーブ感を直接的に意識して作りました。ピアノソロのパートは、作曲家の難波ひろゆきさんに、TOTOへのトリビュートとして弾いてもらっています。ドラマーには、1stアルバムを作る時に参加してくれた佐藤誠吾が参加してくれ、僕らのデビューライブの時にジェフ・ポーカロが叩いていたドラムセットを、佐藤誠吾がこの曲のレコーディングで使ったんです。色んな意味で、印象深いですよね」。
「ジェフ・ポーカロの存在は、僕らにとって、彼のドラムテクニックはもちろんですけど、彼の音楽への関わり方などを含めて、全ての部分で僕らの音楽の考え方の基礎になっています」。
Sing Like Takingが、敬愛するミュージシャン、ジェフ・ポーカロに捧げた曲「My Desire〜冬を越えて〜」は、1992年11月に発売されます。
1992年11月に発売された、Sing Like Talking11枚目のシングル「My Desire〜冬を越えて〜」。
「僕たちにとって、この曲は、これから起こるどんな悲しみも乗り越えて、また亡くなったジェフ・ポーカロを含めて、たくさんの音楽の先輩達が音楽に残した遺志を、しっかりと継承していこうと宣言した曲です」。
最後に、佐藤竹善さんは、こう語ってくれました。
彼らが、ミュージシャンとして生きていくことを決意した、J-POPの名曲の誕生でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．さよならハリウッド／Sing Like Taking
Ｍ２．Dancin’ With Your Lies／Sing Like Talking
Ｍ３．Steps Of Love／Sing Like Talking
Ｍ４．My Desire〜冬を越えて〜／Sing Like Talking
１０２回目の今日お届けしたのは、「ＯＲＡＮＧＥ ＲＡＮＧＥ／花」でした
1999年3月、中学校の卒業パーティで、ギターのNAOTOとドラマーのKATCHANは、仲間達と結成したバンドでステージに立ちます。それをキッカケに、本格的にバンド活動をスタートさせたNAOTOとKATCHANの二人は、高校進学後も、メンバーチェンジを繰り返しながらバンド活動を続け、2001年春、同級生で、ベースのYOHと、ボーカルのHIROKIとYAMATO。さらに、YOHの弟でラップ好きのRYOを加えて、６人組バンド「ORANGE RANGE」を結成します。ORANGE RANGEは、沖縄米軍基地内にあるライブハウスでの演奏や、ストリートライブを重ねながら、徐々にライブの本数を増やし、着実に動員を増やしていきます。
当時、GLAY、山嵐、Dragon Ashなどのコピーをレパートリーとしていた彼らですが、平行してオリジナル曲も作っていて、2002年2月には、インディーズレーベルからオリジナルアルバム『オレンジボール』を発売。８月には、同じくインディーズレーベルから、シングル「ミチシルベ/ミッドナイトゲージ」を発売します。ORANGE RANGEが生みだす、グルーブ感とセンス溢れるメロディ、そしてHIROKI、RYO、YAMATO３人のボーカルによる、軽快なラップのかけいあいは、地元沖縄で大きな話題となっていきます。
「モンゴル800、HYなど沖縄に在住しながら活動を行っていたバンドが、全国ヒットを生み、成功し始めていたこの頃、ソニー・ミュージックレコーズの中でも、沖縄在住で活動しているバンドを制作することを決め、探していたんです。その時に、当時高校生だった彼らの噂をスタッフが聞きつけ、制作スタッフが実際に彼らのステージを観るために、沖縄に行ったんです。勢いのあるORANGE RANGEのステージを観たスタッフは、すぐに彼らと契約を決めました」。レコード会社の担当スタッフの吉田さんは、当時についてこう振り返ります。
2002年、ORANGE RANGEはソニー・ミュージックレコーズとメジャー契約を結び、翌2003年6月、1stシングル「キリキリマイ」を発売します。
2003年６月に発売された、ORANGE RANGEの1stシングル「キリキリマイ」は、セールスチャート最高位50位、約２万枚の売上を記録します。さらに翌７月には、２枚目のシングル「上海ハニー」を発売。この曲は、ノンタイアップながらも、セールスチャート最高位５位、約24万枚の売上を記録し、ORANGE RANGEの名前を一気に、世に知らしめることになります。
「ORANGE RANGEは、デビュー当時、メジャーという領域に付いて行くだけで精一杯だったので、自分達がどんな音楽をやりたいのか、音楽の方向性などを考える余裕は無かったと思います。ただ当時は、彼らが作った曲のほとんどが、ミクスチャー系の音が主流でした。それに、今でも、彼らは同じ考えを持っていると思うんですが、彼らは、自分達の音楽の方向性を特に決めないのが特徴で、その時のメンバーの中で感じた旬の音楽が、音になればいいと思っているんです。それが、ORANGE RANGEの一番の良さでもあるんです」。レコード会社のスタッフ吉田さんは、彼らの音楽について、こう語ります。
2003年12月に、ORANGE RANGEはメジャー1stアルバム『１ST CONTACT』を発売。翌2004年2月に発売した、５枚目のシングル「ミチシルベ〜a road home〜」は、発売3週目にしてORANGE RANGE初のセールスチャート１位を獲得。さらに６月に発売した、６枚目のシングル「ロコローション」が、ORANGE RANGEの人気を決定づけるヒット曲となります。
2004年６月に発売された、ORANGE RANGE６枚目のシングル「ロコローション」は、発売２週目にセールスチャート１位を獲得し、約49万枚の売上を記録するヒット曲となります。
「ORANGE RANGEにとっては、2ndシングル「上海ハニー」がブレイクのキッカケとなった曲ですが、「ロコローション」の成功が大きかったと思います。世間的には、「上海ハニー」に続く、夏のバカンスソングと思われがちですが、歌詞はバカンスでも、曲が持っているハッピーさであったり、盛り上がり度であったり、そういう部分で、高校生を中心に多くのファンを獲得できた事が大きかったと思います。それに、この曲があったからこそ、次のシングルが、そのギャップもあって、爆発的なヒットに繋がったんだと思います」。
シングル「ロコローション」のヒットで、夏のバンドとしてのイメージが高まったORANGE RANGEに、その年の秋に公開が予定されていた映画『いま、会いにゆきます』の主題歌のオファーが舞い込みます。
「映画の主題歌は、「バラード曲を作って欲しい」という依頼内容でした。依頼を受けた時、最初、メンバーは戸惑っていましたけど、「やってみよう」という事になり、そこから、映画の台本を読んで作詞に取り掛かったんです」。
「彼らは、曲を作る時、まず最初にNAOTOを中心にメロディを作っていきます。そして、出来上ったメロディのイメージを、ボーカル隊のHIROKI、YAMATO、RYOに伝え、今度はボーカル隊の３人がパート別に作詞をして、そこからさらにソロパート、ユニゾンパート、ハモリパートを話し合って決めて作っていくスタイルです」。
「この曲は、実際、メロディよりも、歌詞を作るのに時間がかかりました。この曲を作るまで、ORANGE RANGEは恋愛をテーマにしたバラードを作った経験が全くなく、ボーカル隊の３人も作詞に苦労していました。
それから、メインパートの「花びらの ように散りゆく中で〜」と言うヵ所を歌うHIROKIは、声の感情を出すために、自分の声をわざと、かすれ声にするために、ボーカルレコーディングの時には、いつも辛いキムチを食べて、声をかすれ声にしてレコーディングしていました」。
こうして、2004年10月、ORANGE RANGEにとって初めてのバラード曲、映画『いま、会いにゆきます』の主題歌「花」は、発売されます。
2004年10月に発売された、ORANGE RANGE８枚目のシングル「花」は、セールスチャート最高位1位を獲得、売り上げも100万枚を突破し、１年近くに渡ってチャートにランクインし続けるロングヒット曲となります。
「彼らにとって、この曲は一番のヒット曲だし、横綱的存在の曲ですね。しかし、それ以上に、彼らにとってこの曲が持つ一番の意味は、恋愛をテーマにしたバラード曲を作ることに対して、抵抗がなくなったことが一番大きな成果だと思います。そしてこの曲を作った経験が、翌年発売した「ラヴ・パレード」へと繋がっていくわけです。そういった意味で、この「花」が持つ意味は、ORANGE RANGEにとって“バラードという道を切り開いてくれた”曲ですね」。最後に、吉田さんはこう振り返ってくれました。
バンドを、大きく成長させるキッカケを作った、J-POPバラードの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．山嵐／山嵐
Ｍ２．キリキリマイ／ＯＲＡＮＧＥ ＲＡＮＧＥ
Ｍ３．ロコローション／ＯＲＡＮＧＥ ＲＡＮＧＥ
Ｍ４．花／ＯＲＡＮＧＥ ＲＡＮＧＥ
１０1回目の今日お届けしたのは、「米米クラブ／sure danse」でした。
1982年10月、専修学校「文化学院」の同級生で、卒業後は、それぞれ別々の道を歩んでいたカールスモーキー石井こと石井竜也、ジェームス小野田こと小野田安秀、BONこと大久保謙作、ジョプリン得能こと得能律郎の４人は、それぞれの音楽仲間を集めてバンドを結成します。バンド名は、当時のアメリカの人気バンド「トーキンズ・ヘッズ」のメンバーが作ったバンド内プロジェクト「トムトムクラブ」の名前を、パロディ化し「米米クラブ」と名付けます。
1982年11月、米米クラブは、ファンク、ロック、フォーク、歌謡曲など雑多な音楽の要素を融合させて作ったオリジナル曲に、山本リンダの「狂わせたいの」のカバーを加えて、慶応義塾大学の大学祭「三田祭」のステージに立ちます。初めは、１回限りの約束でステージに立った米米クラブでしたが、カールスモーキー石井、ジェームス小野田らの圧倒的なパフォーマンスは、会場のファンを魅了、熱狂するファンの声に後押しされた米米クラブは、約束を撤回し、その後も活動を続けていくことを決めます。
「僕が初めて、米米クラブのライブを観たのは確か、1983年でした。彼らの個性的なライブパフォーマンスは、音楽業界の話題になり始めていたので、彼らのライブを観に目黒のライブハウス「鹿鳴館」に、スタッフと行ったんです。当時から、彼らのライブは、ショー仕立てで、ドラマ性があったり、笑いがあったり、ロックアーティストのライブとはひと味も、ふた味も違ったスタイルのライブで、観る度にステージ構成が違っていました。彼らは、エンタテイメント性をとても大切にしていたんですね」。
デビュー直後から、米米クラブの宣伝担当や、制作ディレクターを務めた村上さんは、当時についてこう振り返ります。
エンタテイメント性溢れるライブパフォーマンスで、人気を集めていった米米クラブは、アマチュアながらTVの情報番組や音楽雑誌にも登場するようになって、さらにその人気はヒートアップ。デビュー契約を巡って、13社ものレコード会社が争奪戦を繰り広げた後、1985年2月、CBSソニーと契約。1985年10月に、シングル「I・CAN・BE」、アルバム『シャリ・シャリズム』でデビューします。
1985年10月に発売された、米米クラブの1stシングル「I・CAN・BE」と1stアルバム『シャリ・シャリズム』。
「米米クラブは、ミュージシャンを目指したのではなく、映像なども含め自分達を立体的に表現できる、エンターテイナーを目指していました。彼らの中では、エンタテイメントショーのメインが音楽、という位置付けだったんです」。
「その音楽に関して、彼らは、誰もが親しみやすいPOPなメロディを作ったかと思えば、「これはどうなんだろう」と思うような、おかしなメロディを作ることもありました。また、歌詞を書くことに関しては、上手で、特に言葉の使い方がうまかったのが印象的でした。文学、映像、映画、ドラマなど、自分達が興味を持った事の中から、言葉に置き換えられるものを選んで表現しようと、常に考えていたんです。
例えば、デビュー曲の「Ｉ・CAN・BE」は、「アカンベー」と言う言葉をもじってありまして、ライブでは、曲の最後に観客と一緒に「アカンベー」をするパフォーマンスが、お約束事になってました。観客をショーに巻きこむ手腕は、アマチュア時代から一流で、客席とステージの一体感を味わうために、彼らはライブに色々な創意工夫をしていたんですね」。デビュー当時について、当時のディレクター村上さんはこう振り返ります。
全国の音楽ファンや、新しいモノ好きたちの注目が集まる中、1986年4月、米米クラブは彼ら自身もCMに出演した、清涼飲料水「TERRA」のCM曲として、2ndシングル「Shake Hip!」を発売します。
1986年4月に発売された、米米クラブ２ndシングル「Shake Hip!」は、CM曲として起用されたこともあって、初めてセールスチャートにランクイン、最高位54位を記録、約2万3千枚の売上を記録します。
さらに、同じ年の５月から全国12都市で行われた初のコンサートツアーでも、多くのファンから人気を集めたこの曲は、その後、彼らのライブには欠かせない曲となっていきます。
続いて10月には、2枚目のアルバム『E・B・I・S』を発売、翌年1月にかけては全国で21本のコンサート、また3月から今度は42本の全国コンサートツアーを行い、米米クラブの名前はまたたく間に、全国の音楽ファンの間に深透していきます。
「米米クラブの曲は、カールスモーキー石井を中心に歌詞を作って、メロディはメンバーのみんなが持ち寄った中から、選んで作っていくスタイルがほとんどでした。当時は、プロモーションビデオが少しずつ浸透し始めた時期でしたが、アーティストを露出する中心となっていたメディアは、ラジオでした。アルバムに収録する曲の中には、必ず１〜２曲、ラジオでオンエアしてもらえそうな曲を作って収め、その曲をシングルカット、それをキッカケにアルバムを売っていく、という感じでした」。
「米米は、シングル重視と言うよりも、アルバム重視のアーティストでした。この曲も、初めはアルバムに収める曲のひとつとして作り始めたんです。７割近く完成していたメロディをベースに、バンドメンバーみんなが意見を出し合って、曲を完成させました。その後、完成した曲にカールスモーキー石井が歌詞を書いたんです。曲のタイトルに使われている、sureという言葉は、男女間の恋愛には欠かせない、営みをカールスモーキー石井なりに、言葉を変えて、表現しているんです。彼は、人間がもともと持っている本能を、歌に託して表現したかったんだと思います。曲を聴いた若い人達を、開放的な気分にしたかったんでしょうね」。
人間がもともと持っている本能を、呼び起こさせるような歌詞を、ポップでダンサブルなメロディに乗せた、米米クラブ５枚目のシングル「sure danse」は、1987年9月に発売されます。
1987年9月に発売された、米米クラブ５枚目のシングル「sure danse」は、セールスチャート最高位19位、約3万7千枚の売上を記録します。
「米米クラブが、この「sure danse」を発売するまでは、恋愛や人間の人生感を描いた曲はあっても、男女の恋愛模様を、本能的に歌詞に綴った曲は、少なかったと思います。彼らは、日常にある、人間の本能を正直に描いて、それまでの、日本の歌の世界にあった既成概念を壊したかったんでしょう。それが、曲を聴いた人達の本能を見事に刺激し、人の心を上手にキャッチした最大の理由でしょう」。最後に、村上さんはこう振り返ってくれました。
男女の恋愛模様をストレートに描いた、J-POPの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．狂わせたいの／山本リンダ
Ｍ２．Ｉ・CAN・ＢＥ／米米クラブ
Ｍ３．Ｓhake Hip!／米米クラブ
Ｍ４．Sure Danse／米米クラブ
１００回目の今日お届けしたのは、「サディスティック・ミカ・バンド/タイムマシーンにおねがい」でした。
「北山修と一緒にリリースしたシングル「あの素晴しい愛をもう一度」をヒットさせた加藤和彦は、今度はソロで、CM曲にもなったシングル「家をつくるなら」とアルバム『スーパーガス』を発売し、これもヒットしました。さらに翌年の1972年1月には、吉田拓郎の大ヒットシングル『結婚しようよ』のプロデュースもしたり、まさに充実した音楽ライフを送っていたんです。そんな中、加藤和彦の音楽的思考は、次第にフォークから、ＵＫロックへと変わっていきました。僕は、当時、加藤和彦と当時の妻・福井ミカが一緒に住んでいた麻布の家に、間借りさせてもらって、生活していたんですが、その頃、彼が住んでいた麻布の家には、つのだひろや、高中正義らミュージシャン仲間が毎晩集まって、加藤和彦が誰よりも早く手に入れた、洋楽の輸入盤を聴いて、お気に入りの曲のコード進行をコピーして遊んでいたんです。そのことが、彼の気持ちをロックに傾けさせることになったと思います。」
当時の様子について、レコーディングディレクターの新田さんは、こう振り返ります。
「当時、加藤が僕に口癖のように言っていたのが、「世界に通用するロックを作ってみたい」でした。同時に、彼は、ポール・マッカートニーとリンダ・マッカートニーのように、夫婦で一緒に音楽を楽しめる関係にも憧れていて、妻であるミカの個性的な声を活かして、一緒に音楽ができないか、と考えていたんです」。
1972年6月、加藤和彦は、プライベート・レーベル「ドーナツ・レーベル」を設立、同時にミカ、そして仲のよかったつのだひろの３人で、バンド「サディスティック・ミカ・バンド」を結成、シングル「サイクリング・ブギ」を発売します。
1972年６月に、1stシングル「サイクリング・ブギ」を発売したサディスティック・ミカ・バンドは、その後、加藤和彦、ミカ、つのだひろの３人に、高中正義、フォーク・グループ「ガロ」のバックバンドメンバーだった小原礼の２人がメンバーに加わり、９月に正式に活動をスタートさせます。その直後、つのだひろがバンドから脱退しますが、小原礼と共に「ガロ」のバックバンドを務めていた、高橋幸宏が、ドラマ―として加入します。
「メンバーが決まって、その年の12月から1stアルバムのレコーディングが始まったんです。今では当たり前になっている、レコーディングスタジオをずっと貸切状態にして作業を行う「ロック・アウト」を、彼らは初めてやったバンドなんです。当時のエピソードとしては、年末・年始のレコーディングで、お店が閉まっていたので、ご飯を食べるのに困っていたところ、仲の良かった、フォークグループ赤い鳥の山本潤子さんが、おせち料理を持ってスタジオに遊びに来てくれたんです。みんなが夢中になって食べていました」。
新田さんは、1stアルバムのレコーディング当時の様子について、こう振り返ります。
こうして、加藤和彦の「世界に通用するロックを作ってみたい」という夢が詰まったサディスティック・ミカ・バンドの1stアルバム『サディスティック・ミカ・バンド』は、1973年5月に発売されます。
「１ｓｔアルバムリリース後、すぐに2ndアルバムの制作にとりかかったんですが、２ndアルバムを作る時に決めた
コンセプトは、「海外から見た日本」でした。それもあって、僕と加藤、高中、高橋の４人でロンドンに行ったんです。ロンドンでは、加藤が仲良くしていたイギリスのロックバンド、「ロキシー・ミュージック」のアルバムをプロデュースした、クリス・トーマスに会って、「サディスティック・ミカ・バンドの2ndアルバムのプロデュースをしてもらえないか」、とお願いしたんです。クリス・トーマスは、快諾してくれました」。
「それから、レコーディング作業中に、僕にはもう一つの使命が課せられました。「世界に通用するロックを作ってみたい」という加藤の夢を実現するために、僕は再びロンドンに向かいました。そして、東芝EMIのイギリスでのレーベルのひとつ「ハーベスト」のスタッフと交渉し、サディステック・ミカ・バンドの1stアルバム『サディスティック・ミカ・バンド』をイギリスで発売させることに成功したんです」。こうして1974年5月、日本のロックバンド、サディスティック・ミカ・バンドのアルバムが、イギリスで発売されました。
1974年５月、イギリスでサディスティック・ミカ・バンドの1stアルバム『サディスティック・ミカ・バンド』が発売となったちょうど同じ頃、日本ではクリス・トーマスをプロデューサーに迎えて作っていた、2ndアルバムの制作が佳境を迎えます。
「「海外から見た日本」をアルバムコンセプトに作っていた、2ndアルバムは、江戸時代末期、黒船が日本にやって来た時代と、日本の音楽の世界に、ロックが到来したことをリンクさせることにしたんです。2ndアルバムから新たに加わった今井裕が弾く、静かなエレクトリック・ピアノの演奏で始まる曲「墨絵の国へ」を、Ａ面の１曲目に据えて、加藤和彦の歌と高橋幸宏の語りが重なって、黒船の到来を告げる。そして、このアルバムのポイントとなるのが、加藤和彦が作った３曲目のこの曲です」。
「この曲は、加藤が、どんなメロディを作ったら、個性的なミカの声を活かした歌ができるかを考えて、作ったんです。加藤の頭の中には、当時、常に仲良く音楽活動を行っていた、ポール・マッカートニーとリンダ・マッカートニーの事があったんです。「自分達も、ポールとリンダのようになりたい」って想いが…」
こうして、レコーディング開始から、のべ400時間以上にも渡る時間をかけて作ったアルバムは完成、この曲「タイムマシーンにおねがい」も収められた、サディスティック・ミカ・バンドの2ndアルバム『黒船』は、1974年11月に発売されるのでした。
1974年11月に発売された、サディスティック・ミカ・バンドの2ndアルバム『黒船』に収められた「タイムマシーンにおねがい」。
翌年の1975年４月にアルバム『黒船』は、アメリカ、イギリスでも発売され、11月には、ロキシー・ミュージックのイギリスツアーのサポート・バンドをサディスティスティック・ミカ・バンドが務めたことで、この曲はイギリスでも高い評価を受けます。
「アルバム『黒船』を象徴する曲として、ライブでは必ず演奏したこの曲「タイムマシーンにおねがい」は、その後、サディスティスティック・ミカ・バンドの代表曲へと成長していきました。それは、まだ日本にロック音楽というジャンルが成立していない、あの時代に作られたにも関わらず、今、改めて聞いても全く違和感のないサウンドだからです。曲を作った、加藤和彦の抜群の音楽センスが大きく花開いた、曲ですね」。
最後に、ディレクターを務めた新田さんは、当時についてこう振り返ります。
日本の音楽が、世界に向かって扉を開いた、日本のロックの名曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．アナザー・デイ／ポール・マッカートニー
Ｍ２．サイクリング・ブギ／サディスティック・ミカ・バンド
Ｍ３．ダンス・ハ・スンダ／サディスティック・ミカ・バンド
Ｍ４．タイムマシーンにおねがい／サディスティック・ミカ・バンド
第９９回目の今日お届けしたのは、「加藤和彦と北山修/あの素晴しい愛をもう一度」でした。
1947年3月、京都府伏見区に生まれた加藤和彦は、父親の仕事の関係で、生後間もなく神奈川県鎌倉市に移り住み、高校卒業後に、龍谷大学に進学のため、再び京都で生活を始めます。
1965年、加藤和彦はバンドを作ることを考え、雑誌『メンズクラブ』にメンバー募集告知を掲載、その記事を見た同級生で当時医大生の北山修が加藤のもとを訪れます。その後、高校生の平沼義男、浪人生の井村幹生、芦田雅喜が加わって、フォークグループ「ザ・フォーク・クルセダース」が結成されます。
「僕は、小中学校時代は、音楽とは無縁の生活を送っていたんです。友達がいなかったから、プラモデルを作って、独りで遊んでいました。その後、高校2〜3年ぐらいの時、ラジオから流れたきたボブ・ディランの曲を聴いたのをキッカケに、何となく自分でもやってみたいなと思うようになったんです。当時、ギターがなぜか家にあったのでちょこちょこと弾いてはいたんですけど、本格的にやろうと思ったのは、大学進学後、京都に戻ったときで、それでメンバーを集めたんです。本格的に音楽活動を始めたのは、ザ・フォーク・クルセダースを作ってからですね」。
音楽情報Webサイトのインタビューで、音楽を始めたキッカケについて、加藤和彦さんは、こう振り返っています。
当初、５人で結成されたザ・フォーク・クルセダースは、メンバーの脱退と加入を繰り返しながらも活動を続け、関西アマチュアフォーク界では、知られた存在となります。1967年、就職を翌年に控えた加藤と北山は、ザ・フォーク・クルセダースの解散を決意、加藤、北山、平沼の３人のメンバーは、「解散記念に」と、自主制作アルバム『ハレンチ』を、およそ300枚作って、３人の友人や、知り合いの地元のラジオ局のスタッフに配ります。
この『ハレンチ』に収められていた曲、「イムジン河」と「帰って来たヨッパライ」が、地元関西のラジオ局でオンエアされる度にラジオ局にリクエストが殺到。ラジオで頻繁にオンエアされるようになったことで、ザ・フォーク・クルセダースの噂を耳にした、レコード会社が、ザ・フォーク・クルセダースに、プロデビューの誘いを持ち掛けます。
最初は、プロデビューに反対していた加藤でしたが、北山の度重なる説得に応じて、「一年限りで」という約束で、プロ活動をすることを決意します。
こうして、加藤和彦、北山修、そして平沼義男に代わって、加藤和彦の友人だった、はしだのりひこを新メンバーに加えた、ザ・フォーク・クルセダースは、1967年12月、シングル「帰って来たヨッパライ」でデビューします。
1967年12月に発売された、ザ・フォーク・クルセダースの1stシングル「帰って来たヨッパライ」は、この年に集計が始まった、「オリコン」で、初めてのミリオンセラー作品となり、約131万枚を売上げます。
しかし、翌1968年2月、ザ・フォーク・クルセダースが2ndシングルとして発売を予定していた「イムジン河」は、政治的な理由によって、レコード会社が発売を自主規制。すると、ザ・フォーク・クルセダースは、すぐに「イムジン河」に代わる、３枚目のシングル「悲しくてやりきれない」を作って、1968年3月に発売し、セールスチャート最高位６位を記録し、約26万枚の売上を記録します。
「僕が、ザ・フォーク・クルセダースに初めて出会ったのは、1968年の夏でした。当時僕は、早稲田大学フォーク・ソングクラブから生まれた「ザ・リガニーズ」というバンドのメンバーで、ザ・フォーク・クルセダースの担当ディレクター高嶋さんの目にとまって、ザ・フォーク・クルセダースと同じ東芝レコードからデビューしたんです。ザ・フォーク・クルセダースとは、ジョイントコンサートで一緒になって、年齢が近かったこともあり、メンバー同士すぐに仲良くなったんです」。後に、加藤和彦、北山修、はしだのりひこらがソロ活動を始めた時に担当ディレクターになる新田さんは、当時をこう振り返ります。
その後、ザ・フォーク・クルセダースは、デビュー当初の約束通り、デビューから1年後の1968年10月に大阪でさよならコンサートを行った後、解散。北山修は学業の傍らで作詞家として、加藤和彦は作曲家として、はしだのりひこは、新しいグループ「はしだのりひことシューベルツ」を結成して、活動します。
「ザ・リガニーズのメンバーとして、一度はプロデビューした僕ですが、高嶋ディレクターからの誘いで、歌手の道を諦め、ディレクターとして1969年春に、東芝レコードに入社したんです。そして最初に担当したのが、加藤和彦、北山修、はしだのりひこの３人でした。僕は、再結成が難しいなら、加藤和彦と、北山修のコンビで、もう一度何かできないだろうかと考えて、二人を作詞家と作曲家のコンビで引っ張り出して、一緒に曲を作らせたら面白いのでは、と思いついたんです。ザ・フォーク・クルセダース解散後、加藤と北山の二人は、疎遠になっていたので、僕が二人それぞれ個別に会って話をし、当時、僕が担当していた「ト・ワエ・モア」の新曲を、作ってもらったんです」。
こうして、新田さんのアイディアから生まれた、ト・ワエ・モアの5枚目のシングル「初恋の人に似ている」は、1970年7月に発売されます。
1970年７月に発売された、ト・ワエ・モアの５枚目のシングル「初恋の人に似ている」。「この曲が、まずまずのヒットをしたので、二人も、作詞家、作曲家として、それぞれ自信を持ってくれました。じゃあ、次は、と考えたのが、今度は二人で曲を作って、一緒に歌わせる、という作戦でした」。当時のレコードディレクター、新田さんは、次の作戦を実行します。
「実は、最終的にこの曲を作ることになったキッカケは、二つの説があるんです。
ひとつは、1970年の夏、加藤和彦の結婚記念日祝いに、北山修が一つの歌詞を加藤にプレゼントし、その歌詞に加藤がメロディを付けて、その年のクリスマスプレゼントとして、その曲を加藤が奥さんに贈ったという説です。
もう一つは、ト・ワエ・モアの曲がヒットした事で、作詞家と作曲家として、お互いの素質を改めて認め合った二人が、再チャレンジして作った、という説です。お互い、この部分について、今だにちゃんと語ってくれないんですね」。新田さんは、曲が作られたキッカケについて、こう振り返ります。
「レコーディングは、当時のニッポン放送のスタジオで行ったんです。二人が作った曲に、サイモン＆ガーファンクルの曲「ボクサー」のアレンジを参考にして、３フィンガーのギター、ドラムのキックを、取り入れることにしたんです。レコーディングでドラマーを務めた、つのだひろは、ドラムの他にも、加藤の自宅から持ってきたインド製のイスを叩いています」。
こうして1971年４月、ザ・フォーク・クルセダース解散後から１年半余りを経て、再び一緒に歌うことになった、加藤和彦と北山修のシングル「あの素晴しい愛をもう一度」は、発売されるのでした。
1971年４月に、加藤和彦と北山修名義で発売されたシングル「あの素晴しい愛をもう一度」は、セールスチャート最高位10位、約24万枚の売上を記録します。
「曲を作ったキッカケの真想は定かではありませんが、歌詞からは男と男の友情のような感じを受けますよね。
曲を作った当時も、この歌は加藤和彦、北山修を含めた、ごく限られた人達のパーソナルな歌、という要素が強かったんです。しかし、いつの間にか、多くのアーティストにカバーしてもらったり、学校の合唱歌としても歌い続けられています。この歌が、ここまで、成長するとは誰も予測していませんでした」。
最後に、ディレクターを務めた新田さんは、当時についてこう振り返ります。
世代を超えて愛され歌い続けられる、J-POPのスタンダードナンバーが生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．Don’t Think Twice,It’s All Right(くよくよするなよ)／ボブ・ディラン
Ｍ２．帰って来たヨッパライ／ザ・フォーク・クルセダース
Ｍ３．初恋の人に似ている／ト・ワエ・モア
Ｍ４．あの素晴しい愛をもう一度／加藤和彦と北山修
第９８回目の今日お届けしたのは、「尾崎亜美/オリビアを聴きながら」でした。
1957年3月、京都府京都市に生まれた尾崎亜美は、高校進学後に、軽音楽部に入部。女性３人で結成したバンド「どん」を皮切りに、「おしんこペイション」「エンプラ・ストリート」と３つのバンドを渡り歩きます。
1974年、尾崎亜美が在籍していたバンド・エンプラ・ストリートは、KBS京都が放送していたアマチュア音楽コンテスト番組「アクションヤング大丸」に出演、ボーカルの尾崎亜美は、その歌唱力を審査員から高く評価されて、レコード会社・東芝エキスプレスのスタッフから、デビューの誘いを受けます。
「デビューの話を貰うまで、まさか自分がプロの歌手になるなんて、想像できませんでした。しかし、実際にプロデビューの誘いを受け、レコード会社のスタッフから話を聞いた時、私はアマチュアとプロの差を感じて、もし自分がプロになれば、もっと色んなミュージシャンと出会うことができて、自分にとって、もっと楽しい世界が開ける気がして、プロデビューすることを決めたんです」。尾崎亜美さんは、当時についてこう振り返ります。
こうして、プロデビューが決まった尾崎亜美は、彼女自身が作詞・作曲した曲のアレンジを、松任谷正隆さんにお願いすることを決めます。
「スタッフと話をして、ピアノが弾けて、歌が歌えるのであれば、同じタイプの人にアレンジをお願いするのが良いのでは、ということになり、松任谷正隆さんにお願いしたんです。松任谷さんは、私に「歌謡曲とは違う、シンガーソングライター尾崎亜美のカラーを作ろう」と言ってくれたんです。それから私は、自分の音楽が、どうあるべきなのかを考えて、私の音楽の方向性を決めたんです。その時、自分が思った気持ちや想いを、歌詞に置き換える。そして、その歌詞を、今度はメロディに乗せてみんなに聞いてもらう、ただその想いだけで、音楽を作ろう。そう考えたんです」。
1976年3月、“第２のユーミン”をキャッチフレーズに、尾崎亜美は、シングル「冥想」でデビューします。
その後、自分の想いを込めた曲作りを続けていた尾崎亜美のもとへ、1976年秋、翌年の春の、資生堂のキャンペーンソングへの、曲提供の話が舞い込みます。予め決まっていたキャンペーンテーマを、曲のタイトルにする、という依頼に、尾崎亜美は悩みながらも曲を作り、1977年2月にシングル「マイ・ピュア・レディ」は発売されます。
1977年2月に発売された、尾崎亜美３枚目のシングル「マイ・ピュア・レディ」は、資生堂春のキャンペーンソングとして起用されたこともあり、発売２ヵ月目の４月には、セールスチャート最高位３位にランク、約40万枚の売上を記録するヒット曲となります。「スタッフと一緒に、ホテルの部屋に缶詰め状態になって、どう曲を作ったらいいのか、半ばやけくそ状態になった時に、この曲のサビの部分“たった今 恋をしそう”という歌詞とメロディが浮かんできたんです。非現実的な言葉だからこそ、聞く人の心を上手く掴むことができるんじゃないかと考えたことが、この曲の大きなポイントでした」。
シングル「マイ・ピュア・レディ」のヒットをキッカケに、シンガーソングライター尾崎亜美独自の世界を切り開いた彼女は、４月から７月にかけて初めての全国ライブツアーを行います。そして、６月に２枚目のアルバム『MIND DROPS』を発売した尾崎亜美のもとに、再び、翌年、1978年春の資生堂キャンペーンソングへの、曲提供の話が舞い込みます。
「今度は、私が歌うのではなくて、私が作った曲を他のアーティストが歌うという内容でした。私自身、自分が作った曲を他のアーティストが歌う事自体が初めての経験だったので、面白いと思って、二つ返事で受けました。しかも、作詞・作曲だけでなく、曲のアレンジも私がやる事になったんです。今まで、私の曲も、デモテープを作って、アレンジャーに渡して曲を仕上げてもらっていたんですけど、完成した曲を聴いてみると、自分の思っていたイメージとは違う形になることもあったので、今回、自分で曲を最後までアレンジできると考えたら、楽しくて仕方ありませんでした」。初めて曲のアレンジを手掛けることになった当時について、尾崎亜美さん本人はこう振り返ります。
こうして、尾崎亜美が初めて、作詞・作曲、そしてアレンジまで手がけた1978年春の資生堂キャンペーンソング、南沙織のシングル「春の予感-I’ve been mellow-」は、1978年１月に発売されます。
1978年１月に、尾崎亜美が初めて作詞・作曲、そしてアレンジを手掛け、他のアーティストに提供した、南沙織のシングル「春の予感-I’ve been mellow-」は、その年6月に行われた「第７回東京音楽祭」国内大会の作詞賞を受賞します。曲をアレンジする魅力に取りつかれた尾崎亜美は、２月に発売された、彼女にとって５枚目のシングル「ストップモーション」から、彼女自身が作詞・作曲はもちろん、曲のアレンジまでを手掛けるようになります。
そんなシンガーソングライターとして、着実にステップアップを図っていた尾崎亜美のもとへ、「新人女性歌手のデビュー曲を作って欲しい」という依頼が舞い込みます。
「彼女は、16歳の杏里という少女でした。曲を作る前に、実際に彼女に会って、話をして、曲のイメージを作っていったんです。この曲と、「Flying午前10時発」「中国人形」の、合わせて３曲を作って、渡しました。曲の完成度は、この曲が一番良かったんですけど、失恋ソングだから、デビュー曲としては難しいな、って感じてて、アップテンポの「Flying午前10時発」が選ばれるのかな、と思っていました。この曲がデビュー曲に選ばれた、と聞いた時はびっくりしたんです」。
「この曲を作った時、ちょうど私は東京でひとり暮らしを始めた時期でした。当時、体調を崩すことが多かった私は、ひとり暮らしを始めるにあたって、これからは自分で、ちゃんと生活していかなきゃいけない。でも、自分らしく、生きていきたいと思っていた時期でした。そんな気持ちが歌詞にそのまま表れています。
それから、杏里がオリビア・ニュートン・ジョンが大好きで、アルバム『MAKING A GOOD THING BETTER』が流行っていた時期でもあったので、それを、歌詞の一部に使うことを考えたんです。その他にも、私が家で飲む機会が多かったジャスミン茶など、ごく身近にある物を歌詞に使ったんです。身の周りにあったキーワードとなる言葉を組み合わせていくと、残りの歌詞も自然に浮かんできたんです」。
1978年11月に発売された、杏里のデビューシングル「オリビアを聴きながら」は、セールスチャート最高位65位、約5万5千枚の売上を記録します。そして、曲を作った尾崎亜美自身も1980年9月に発売された６枚目のアルバム『MERIDIAN-MELON』の中で、セルフカバーします。
1980年9月に発売された、尾崎亜美の6枚目のアルバム『MERIDIAN-MELON』で彼女自身がセルフカバーした、「オリビアを聴きながら」。
「曲を作った自分が言うのもおかしい話ですが、この曲の歌詞には、いつの時代になっても変わらない普遍的な言葉が詰め込まれているんです。時代の変化とともに、曲のカラーも変化してきたし、杏里以外にも色んなアーティストの方にもカバーしてもらいました。私自身も、この曲から色々な事をインスパイアされてきました。この曲「オリビアを聴きながら」は、私自身を成長させてくれる歌です」。
最後に、尾崎さんは、この曲についてこう語ってくれました。
いつの時代になっても色褪せることなく歌い継がれる、J-POPのスタンダードナンバーが生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．冥想／尾崎亜美
Ｍ２．マイ・ピュア・レディ／尾崎亜美
Ｍ３．春の予感-I’ve been mellow／南沙織
Ｍ４．オリビアを聴きながら／尾崎亜美
第９７回目の今日お届けしたのは、「ソウル・フラワー・ユニオン/満月の夕」でした。
「ボーカルで、バンドの中心的な存在の中川が、バンドを始める直接のキッカケは、「ローリング・ストーンズを聴いたのがキッカケ」と、中川本人から聞いています。彼は、他にも、パンクミュージックのクラッシュ、JAM、ストラングラーズなどもよく聴いていたそうです。トラッドミュージックに関しては、日本民謡を始め、１枚１枚挙げていたらきりがないくらい、色々な音楽を聞いていたそうです」。バンドのマネージャーを務めている、小林さんは、こう語ります。
1982年夏、高校2年生の中川敬は、中川が作ったオリジナル曲に加えて、ローリング・ストーンズ、ザ・フーのカバーを演奏するバンド「レモン・スクイーザー」を結成し、学園祭やライブハウスで活動します。1985年、レモン・スクイーザーを解散した中川は、友人２人とミクスチャー・パンク・バンド「ニューエスト・モデル」を結成します。
一方、関西出身の伊丹英子を中心に1984年に結成されたガールズ・ガレージ・バンド「メスカリン・ドライヴ」は、翌1985年に入ると、京都や大阪のライブハウスを中心に本格的なライブ活動を始めます。
1986年３月、大阪のライブハウス「西成エッグ・プラント」での対バンライブで、初めて出会った、ニューエスト・モデルとメスカリン・ドライヴの２つのバンドは、その後、何度か顔を合わす内に意気投合し、1988年には、自主レーベル「ソウル・フラワー・レコード」を設立。翌1989年には、「ソウル・フラワー・レコード」そのものが、「キング・レコード」とメジャー契約を結びます。
その後、ニューエスト・モデルとメスカリン・ドライヴ双方合わせて、1993年までに10枚のアルバムと、11枚のシングルを発売。パンクに始まり、モッズ・ミュージック、ソウル、ファンクなど様々な音楽を、自分達のサウンドに積極的に取り入れ、さらには痛烈な社会批判を伴った音楽スタイルで、２つのバンドは、日本のロックシーンを盛りたてる存在となっていきます。1992年2月に発売した、５枚目のアルバム『ユニバーサル・インベーダー』で、音楽性・人気の頂点を極めたと感じた中川敬率いるニューエスト・モデルは、９月にバンドを解散。同時に解散した、伊丹英子率いるメスカリン・ドライヴと統合する形で、新たなバンド「ソウル・フラワー・ユニオン」を結成し、1993年11月に、1stアルバム『カムイ・イビリマ』でデビューします
1993年９月、ニューエスト・モデルと、メスカリン・ドライヴ、２つのバンドが同時解散、統合という形で結成された新バンド「ソウル・フラワー・ユニオン」は、アイヌ民族抵抗史をテーマに、当初はメスカリン・ドライヴのNewアルバムとして作っていたアルバム『カムイ・イビリマ』を、ソウル・フラワー・ユニオンの1stアルバムとして、11月に発売します。翌12月には、このアルバムから、1stシングル「世界市民はすべての旗を降ろす」を発売します。
「ニューエスト・モデルと、メスカリン・ドライヴが一緒になったのは、お互いのバンドメンバーが、レコーディングやライブなどに参加するようになって、融合が進み、わざわざ別々のバンド形態で活動する意味が無くなったからだと思います。また彼らは、ソウル・フラワー・ユニオンを結成する時、「自分達は、こういう音楽の方向性を目指したい」という考えを持って始めたんではないんです。２つのバンドが一緒になることで、結果的に、ミクスチャーバンドの色合いが増して、ソウル・フラワー・ユニオンならではの、唯一無二の音楽が生まれていったんだと思います」。
バンドマネージャーの小林さんは、こう語ります。
1994年10月、ソウル・フラワー・ユニオンは、日本の土着的グルーヴと西洋ロックンロールをミックスした2ndアルバム『ワタツミ・ヤマツミ』を発売、その後、全国ツアーを行います。そして、年が明けた、1995年1月17日、阪神淡路大震災が起こります。
当時、関西を中心に活動していたソウル・フラワー・ユニオンは、メンバーの伊丹英子の発案で、震災地への出前慰問ライブをスタートします。ソウル・フラワー・ユニオンのメンバーは、ライフラインが復旧していない被災地で、
エレキ・ギターを沖縄の三線に、マイクをメガホンに変え、ちんどん太鼓やチャンゴ、アコーディオンといった電気を使用しない楽器を使った、いわゆるチンドン・ミュージック・スタイルで、日本民謡・沖縄民謡・アイヌ民謡などを、連日に渡って演奏し、多くの人々を勇気づけていきます。
こうして、ソウル・フラワー・ユニオンが、被災地での出前慰問ライブをスタートさせ約１ヵ月が経った、震災当日と同じ満月の夜、神戸・長田地区で行った出前慰問ライブでの風景をモチーフに、メンバーの中川敬は、彼と親しかったヒートウェイブの山口洋と一緒に曲を作ります。曲のＡメロを二人で作り、残りの部分を中川が完成させたこの曲を、ソウル・フラワー・ユニオンは出前慰問ライブで歌い始めます。その曲を聴いた、山口洋は、ソウル・フラワー・ユニオンバージョンとは一部歌詞を変えて、５月に発売したヒート・ウェイブのアルバム『１９９５』に、この曲を収録します。
1995年８月に発売された、ヒート・ウェイブ５枚目のアルバム『1995』に収録された、「満月の夕」。
「以前から、中川と山口の二人の間には、楽曲共作の約束があったんですが、中川がずっと神戸で慰問ライブを続けていた所へ山口が訪ねて行ったんです。そこで、この曲のメロディの一部を二人が作りました。山口が、中川より一足早く東京に戻った後、中川が曲の歌詞とメロディを最後まで完成させて、まずソウル・フラワー・ユニオン・バージョンの満月の夕が生まれたんです」。
「中川敬は、この曲を、さっそく被災地での出前慰問ライブで歌い始めるんですが、完成した曲を聴いた山口洋が、今度は、中川が作った歌詞とは違う歌詞をのせて、ヒート・ウェイブバージョンを完成させました。中川と山口、それぞれが作った歌詞の違う点は、震災後の現場に居合わせた中川と、東京から被災地への思いを馳せた山口の立場、この違いが反映されています」。
「中川がこの曲に込めた想いを一番表現しているのは、歌詞のサビの最後にある一節「解き放て 命で笑え」ではないでしょうか。単なる鎮魂歌に終わることなく、世界中のさまざまな「現場」に居合わせて、旅立ってしまった人達、生き残った人達に、その魂の解放を呼び掛ける、ポジティブなメッセージソングに、私には聞こえます」。
マネージャーの小林さんは、こう語ってくれました。
被災地の惨状、厳しい現実に向き合いながらも、復興に向けて生きる人々の姿を描いた、ソウル・フラワー・ユニオンの２ndシングル「満月の夕」は、1995年10月に発売されます。1995年10月に発売された、ソウル・フラワー・ユニオンの２ndシングル「満月の夕」は、発売後に、様々なアーティストがカバーすると同時に、毎年１月に放送される震災関係の報道番組などで、取り上げられる機会が増えていきます。
「ソウル・フラワー・ユニオンとしても、チンドンスタイルの別ユニット、ソウル・フラワー・ユニオン・モノノケ・サミットととしても、演奏した回数が最も多く、さらに、メディアで取り上げられた数も最も多く、カバーしたアーティストの数も最も多い、名実ともに世代を超えて愛されている、彼らにとっての代表曲だと思います」。
バンドマネージャーの小林さんは、最後にこう話してくれました。
震災後の、厳しい現実に立ち向かいながらも生きていく人々の中から生まれた、魂の名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ギミー・シェルター／ローリング・ストーンズ
Ｍ２．世界市民はすべての旗を降ろす／ソウル・フラワー・ユニオン
Ｍ３．満月の夕／ヒート・ウェイブ
Ｍ４．満月の夕／ソウル・フラワー・ユニオン
第９６回目の今日お届けしたのは、「スキマスイッチ/奏」でした。
1978年2月、愛知県名古屋市に生まれた常田真太郎と、同じ年の５月に愛知県東海市に生まれた大橋卓弥の二人。高校の文化祭で組んだバンドで音楽に目覚めた常田は、卒業後に上京、専門学校に進学後も、複数のバンドにキーボードとして参加します。その後も、インディーズのレコーディング・エンジニアなども行いながら、さまざまな楽曲のアレンジを経験していきます。
一方の大橋は、幼い頃、友達の家の、電話の保留音から流れてきた、ビートルズの「イエスタディ」を聴いたことをキッカケに、ビートルズの虜になります。もともと、クラシックピアノを習っていた大橋でしたが、中学２年の時、自分よりうまくピアノを弾く人を見たことをキッカケに、ピアノを諦め、その後、友人とバンドを結成し、ボーカルを担当、高校卒業と同時に、バンドごと上京します。しかし、その後、バンドは自然消滅し、大橋はひとりで曲を作るようになります。
その後、共通の友人を通して知り合った常田と大橋の二人は、大橋が自分の曲のアレンジを常田に依頼したことから、一緒に音楽活動をスタートし、1999年11月、ユニット「スキマスイッチ」を結成します。そして、翌2000年、赤坂BLIZで行われたオーディションイベントで、現在の所属音楽事務所「オフィスオーガスタ」のスタッフから声を掛けられるのでした。
「初めて二人を見た時、伸びやかで特徴のある声と、高いレベルの楽曲、そして常田のアフロヘアが印象的だったんです。荒削りな表現なんですが、完成された世界観を持っている二人組だなぁ、と感じました」。
スキマスイッチのマネージャー樋口さんは、二人の第一印象について、こう振り返ります。
その後、スキマスイッチはオフィスオーガスタと契約、創作活動と並行して、ライブ活動を続け、デビューのチ
ャンスをうかがいます。
2002年8月、千葉マリンスタジアムで行われた、野外ライブイベント「AUGUSTA CAMP 2002」のサブステージ
ジに出演したスキマスイッチは、その歌声で、3万人の観客を魅了します。その歌の存在感は、その日を境に音楽ファンの間で口コミで広がり、彼らのライブの動員数も、飛躍的に増えていきます。
こうして、2003年7月、スキマスイッチは1stシングル「view」で、待ちに待ったデビューを果たします。
2003年7月、所属事務所が立ち上げたオーガスタレコード第１弾新人アーティストとして、シングル「view」でデビューしたスキマスイッチ。
「AUGUSTA CAMP2002」でのパフォーマンスをキッカケに、その音楽性を評価され、たくさんの人々から注目されていたスキマスイッチの1stシングル「view」は、30局もの全国のFM局で、パワープレイ曲に選ばれます。
「スキマスイッチは、デビュー前に、3万人もの人前で歌って注目を浴び、事務所が立ち上げたレコードレーベルの第１弾アーティストとして鳴り物入りでデビューしたように思われますが、実は、スキマスイッチを結成する前から、これまで、二人が目指しているものは何も変わっていません。二人が、ずっと、変わらず目指しているのは、時代と世代を超えて届けられる楽曲を作り続け、ライブで表現していくことなんです」。デビュー前から、二人を見守り続けている樋口さんは、こう語ります。
８月、スキマスイッチの二人は、彼らの存在を多くの人々に知ってもらうキッカケとなった「AUGUSTA CAMP」に２年連続で出演。常田のピアノの音色と、大橋の声で、再び多くの観客を魅了し、その勢いのまま９月に
ミニアルバム『君の話』を発売します。
2003年9月に発売された、スキマスイッチのミニアルバム『君の話』は、セールスチャート最高位30位、約2万枚の売上を記録します。その、ミニアルバム『君の話』のレコーディングの最中に、大橋が思いついた、ひとつの曲が、翌2004年春に予定していた、スキマスイッチ2枚目のシングルとして選ばれます。
「ミニアルバム『君の話』を作っていた時に、大橋がふと思いついたメロディをきっかけに、この曲は生まれたんです。曲が完成したのは、2003年の年末で、歌詞、メロディそれぞれにポイントがあるんです。
大橋が綴った歌詞のポイントは、曲の中に出てくる楽曲、つまり曲中曲ですね。音楽が、人と人を繋げてくれる、という思いで、書かれています」。
「また、常田が作ったメロディのポイントは、曲の中の登場人物の気持ちが、リスナーの気持ちとシンクロするように、前半は訥々と、そしてメロディの後半部分になってくるに従って、大きく展開する部分です。歌詞を綴った大橋、メロディを紡いだ常田。二人とも、大好きな人から離れていく時の、女性の気持ちが知りたくて、お互いの姉や妹、そして女友達に電話をして話を聴いて、それを参考にしていました」。曲を作っている時の二人の様子について、樋口さんは、こう振り返ります。
発売前から、全国のラジオ局や有線放送で流れたそのメロディを聴いた人達から、リクエストが殺到した、スキマスイッチ２枚目のシングル「奏(かなで)」は、2004年3月に発売されます。
2004年3月に発売された、スキマスイッチ２枚目のシングル「奏(かなで)」は、セールスチャートの最高位こそ22位ですが、その後、約９ヵ月近くチャートにランクインし続けるロングヒット曲となります。また、発売から2年後の2006年には、アニメ映画『ラフROUGH』の挿入歌としても起用されるなど、スキマスイッチを代表する楽曲となっていきます。
「「スキマスイッチ」という二人組が、この楽曲を通してたくさんの方と、触れ合うことができた大切な曲ですね。これからも、他の楽曲同様に大事にしていく曲だと思っています」。
最後に、マネージャーの樋口さんは、こう語ってくれました。
出会いと別れの季節を、色濃く描いた、J-POPバラードの名曲の誕生の瞬間でした。
今日OAした曲目
M1.イエスタディ/ビートルズ
M2.view/スキマスイッチ
M3.君の話/スキマスイッチ
M4.奏(かなで)/スキマスイッチ
第９５回目の今日お届けしたのは、「Dragon Ash/Grateful Days」でした。
「小さい頃、父親の車に乗った時は、ビートルズをよく聴いていました。小学生になって、TVドラマの主題歌に使われていた、ブルーハーツの「情熱の薔薇」を聴いてからは、ブルーハーツに夢中になりました。その後、中学３年の時に、友達が「文化祭でバンド組むから、ベースをやらないか」と誘ってきたんです。当時、僕はラグビー部に所属していて、楽譜も全く読めないし、ドレミファソラシドも知らなかったんです。バンドは、ブルーハーツのコピーバンドだったんですけど、僕はCDを聴いて、曲を覚えるのが苦手で、いつの間にか、自分で曲を作るようになっていました。そして、最初に作った曲を、ギターを担当していた友達が、レコード会社に勝手に送ったら、いきなりレコード会社からデビューの誘いがあったんです」。
バンドを組んで、デビューするキッカケについて、ボーカル兼ギターのKJこと降谷建志は、音楽雑誌『ロッキン・オンJAPAN』のインタビューで、こう語っています。
「レコード会社の目にとまって、周りのみんなは「デビューできるかも」と言ってたけど、高校に進学した僕自身は、プロミュージシャンとして、やる気があまり無かったし、バンド活動に飽きていたんです。ところが、高校を退学することになって、「さすがに、このままじゃやばい」と思って、代わりになる事を考えた時に、「デビューの話に乗ってみようか」と、思ったんです」。
1996年5月、KJことボーカルの降谷建志、そして降谷の中学の同級生でドラムの桜井誠のふたりに、オーディションで選ばれたベースのIKUZONEこと馬場育三が加わって、３ピースバンドとして結成された「Dragon Ash」は、８月に「川崎CLUB CITTA’」で行われた初ライブを皮切りに、月に１〜２回のペースで、東京都内と横浜でライブ活動をスタートします。
翌1997年2月、ロックにラップやグランジ、ハードコアといったストリート・ミュージックの要素を詰め込んだ、３ピースロックバンドDragon Ashのデビューミニアルバム『The Day dragged on』は、発売されます。
1997年2月に、ミニアルバム『The Day dragged on』でデビューしたDragon Ashは、２ヵ月後の４月に、2枚目のミニアルバム『Public Garden』を発売。その後は、毎月のように全国各地のクラブイベントに出演し、精力的に活動します。さらに、10月に1stシングル「Rainy Day And Day」を、11月にはロック、ヒップホップ、ハードコアなど、あらゆる音楽ジャンルの要素を詰め込んだ1stフルアルバム『Mustang!』を発売します。
「デビュー当初は、ネガティブな言葉を使った歌詞が多かったけど、アルバム『Mustang!』を作ったことで、自分的には、一線を越え、充実感があったんです。人気が無く、ライブに人が入らなかった頃は、リスナーが僕らに対して壁を作って、僕らを受け入れてくれないんだ。と思っていたけど、『Mustang!』を作った頃からは、逆に僕らがリスナーに対して壁を作っているから、僕らの音楽を受け入れてもらえないんだ、と思うようになってきました。その壁を越えた、と実感したのが、シングル「陽はまたのぼりくりかえす」でした」。
1998年5月に発売した、7分を越えるシングル「陽はまたのぼりくりかえす」は、当時19歳のKJが、同じ時代を生きる人達に向けて、静かで、ポジティブで、熱いメッセージを込めたシングルとして話題となります。
その後も、単独ツアーに加えて、全国各地で行われたライブイベントにも積極的に出演するなど、精力的な活動を続けていたDragon Ashは、9月に、HIPHOP、パンク、テクノ、ロックなどあらゆる音楽ジャンルの要素を詰め込んだ2ndアルバム『Buzz Songs』を発売。そして、翌1999年３月にDragon Ashは、それまでサポートメンバーの一人だった、DJ・BOTSを正式メンバーに加え、4人となって初めてのシングル「Let yourself go,Let myself go」を発売します。
1999年3月に発売された、Dragon Ash４枚目のシングル「Let yourself go,Let myself go」は、セールスチャートに７位で初登場を果たすと、その後最高位4位、約70万枚の売上を記録します。
勢いに乗ったDragon Ashは、続くシングルとして、当時KJと交流があった、二人のミュージシャンとコラボレートしたシングルを発売することを決めます。
「曲を作るキッカケになったのは、前の年1998年に発売されたZEEBRAの曲に俺とBOTSが参加、その後、雑誌の対談でZEEBRAと一緒になる機会が増えて、お互い「もっとコラボレートしたいよね」という話になったんです。またシンガーソングライターのACOとは、以前彼女の曲に僕がギターで参加して仲良くなっていたんです。それで、せっかくだから、ZEEBRAとACOの二人に「今度マキシシングルを作るので、一緒にやりませんか」と誘って、一緒に作ることが決まったんです」。
「この曲を発売することが決まった時、同時にアッパーな曲「アイ・ラヴ・ヒップ・ホップ」という曲を発売することになったんです。アッパーに対して、こっちの曲は真反対のような曲ですね。
こっちの曲は、僕が考えた「日々への感謝の歌」をテーマに作ることにしたんです。僕から、ZEEBRAとACOの二人に「こんなリリック(叙情詩)を書いてください」という要望は、特に出していなかったけど、二人は素晴らしい歌詞を書いてきてくれました」。
この曲を発売した直後に、音楽雑誌『ロッキング・オンJAPAN』のインタビューで、KJはこう答えています。
ZEEBRAとACOをフィーチャリングし、自らが生きる日々への感謝を綴った、KJならではの優しいテイストが詰まった、Dragon Ash５枚目のシングル「Grateful Days」は、「アイ・ラブ・ヒップ・ホップ」と２枚同時に発売されます。
1999年5月に発売された、Dragon Ash５枚目のシングル「Grateful Days」は、セールスチャート初登場３位を記録し、翌週にはヒップホップシングルとしては初の１位を獲得、約93万枚のセールスを記録するヒット曲となります。
「この曲が、セールスチャートの１位を獲ったという事は、曲の良さが正当に評価されたということで、めちゃくちゃ嬉しいし、とても大きな出来事だと思うんです。自分にとっても、「できるもんだな」という自信にも繋がりました」。KJは、この曲について、当時の雑誌のインタビューでこう振り返っています。
J-POPのメジャーシーンに、ヒップホップと言う新しい音楽ジャンルの風が吹いた瞬間でした。
今日OAした曲目
M１．情熱の薔薇/THE BLUE HEARTS
M２．The Day dragged on/Dragon Ash
M３．Let yourself go,Let myself go/Dragon Ash
M４．Grateful Days/Dragon Ash featuring ACO,ZEEBRA
第９４回目の今日お届けしたのは、「チャットモンチー/シャングリラ」でした。
「彼女達の担当になって、影響を受けた音楽について話を聞いてみると、バラバラなんですね。バンドのリーダーで、ボーカル・ギター担当の橋本絵莉子は、彼女が中学３年の時にボニーピンクを聴いて、自分でも音楽を作ろうと思ったそうです。ベースの福岡晃子は、スティービー・ワンダーの、メロディが体に溶け込んでくるような感じが大好きで、また、ドラムの高橋久美子は、ボン・ジョビが好きで、彼らの音楽を聴いて、「大学に入ったら絶対にドラムをやろう」、と思ったのが、バンドをやるキッカケだったそうです」。デビュー直前から、彼女達を担当しているキューン・ソニーの担当ディレクターは、こう教えてくれました。
2000年4月、徳島県内の高校に通っていた橋本絵莉子を中心に結成された、６人編成のバンド「チャットモンチー」は、2002年に入ると、高校卒業を控え、橋本以外のメンバーが全員、バンドから脱退します。３月、橋本は、同級生で、以前一緒に音楽活動をしたことがあった福岡晃子を、メンバーとして誘い、チャットモンチーは2人のユニットとして活動を再開します。その後しばらく、橋本と福岡の2人で活動を続けていたチャットモンチーは、2004年4月、福岡が通っていた大学の軽音楽サークルの先輩・高橋久美子をバンドのメンバーに誘います。そして、女性３ピースバンドとして新たなスタートを切った、チャットモンチーは、福岡と高橋が通っていた大学の軽音楽部の部室を主な練習場所にして、積極的な活動を行っていきます。
高橋が加入して間もなく、地元徳島で行われたバンドコンテスト「はな・はる・バンドコンテスト」に出場したチャットモンチーは、見事グランプリを獲得。６月には、自主制作ミニアルバム『チャットモンチーになりたい』を発売。地元徳島を中心に、関西や関東までの幅広いエリアで、月に５〜６本のライブを行うようになります。
地元・徳島のみならず、全国からも注目される女性３ピースバンドとなったチャットモンチーは、翌2005年9月、アマチュアながら、音楽雑誌『ROCKIN’ ON JAPAN』に、注目のアーティストとして紹介されます。
そして、女性３ピースバンドとしてスタートを切ってから、わずか１年半余り。チャットモンチーは2005年11月、ミニアルバム『chatmonchy has come』で、メジャーデビューを果たします。
2005年11月、チャットモンチーは、インディーズ時代に作っていた曲も収めた、ミニアルバム『ｃｈａｔｍｏｎｃhｙ
ｈａｓ ｃｏｍｅ』でデビュー。リード曲となった「ハナノユメ」は、30を越える全国のラジオ局のパワープレイ曲にも選ばれます。「デビュー当時の彼女達は、まだインタビュー慣れもしていなかったので、取材の時も緊張して、おとなしく話をしていました。しかし、彼女達の話の節々からは、自分達の音楽を広く聴いてもらいたいという、並々ならぬ熱意と、その裏に隠れた自信が、静かに噴き出していたのが印象的でした」。キューンソニーの担当ディレクターは、こう振り返ります。
「根拠のない自信と言ったらそれまでですが、デビュー当時、既に彼女達はクオリティの高い楽曲のストックを、50曲近く持っていたんです。デビューミニアルバム『chatmonchy has come』が完成した直後、一足先に聴いた、媒体関係の人達は、彼女達の楽曲のクオリティの高さに驚きました。それが、多くのラジオ局からのパワープレイ獲得に繋がったんです」。順調なメジャーデビューを飾ったチャットモンチーは、12月には、全国各地で行われたライブイベントにも出演。2006年3月に1stシングル「恋の煙」を発売した直後には、札幌を皮切りに、初の全国ライブハウスツアー「smoke on the ご当地’06」をスタートさせます。
「メンバー３人みんなが、歌詞を書く、という事が、彼女たちの最も大きな特徴です。当然ながら、３人それぞれに個性や持ち味があって、それが、チャットモンチーの音楽の世界に広がりと深みを持たせている大きな理由だと思います。レコーディングでは、彼女達が作ってきた曲が元々持っている勢いや雰囲気を損なわずに、瞬間パックすることを、いつも心がけているんです。曲によっては、最初にレコーディングしたファーストテイクが、一番演奏がフレッシュで、生き生きとして、それを採用することもありますね」。初の全国ツアーを終えたチャットモンチーは、1stシングルの発売から、わずか３ヵ月後の6月に、2ndシングル「恋愛スピリッツ」を発売します。
2006年6月に発売した、チャットモンチー２枚目のシングル「恋愛スピリッツ」。ア・カぺラのイントロから始まるスケール感溢れるバラードナンバーとなったシングル「恋愛スピリッツ」は、チャットモンチーの新たな一面を見せ、関係者からも多くの評価を集めます。続いて７月には、1stアルバム『耳鳴り』を発売。アルバム『耳鳴り』は、セールスチャート初登場10位を記録、勢いに乗ったチャットモンチ―は、８月には、全国各地で行われた野外音楽イベントに出演し、９月からは、全国16ヵ所を回るツアーをスタートさせます。
2006年11月、チャットモンチーは、すでに彼女達のライブのアンコールのラストなど、ライブの重要な曲となっていた曲を、３枚目のシングルとして発売することを決めます。
「この曲は、高橋が、男性(僕)の視線で書いた歌詞なんです。「シャングリラ」とは、「桃源郷」という意味を持っていますが、この曲では外国の女の子の名前です。チャットモンチーの曲は、福岡と高橋が歌詞を書いた時は、それぞれが曲を作る橋本にそっとラブレターのように渡して、橋本が自宅で曲を作ってくるんです。そして、リハーサルスタジオで、橋本が作ってきたメロディをもとに、３人であれこれと細かくアレンジをほどこして、煮詰めていくんです。３人で、曲を煮詰めるという作業がとても大事で、そこではｍ普通は考えつかないようなアレンジが施されることも多々ありますね」。
「この曲も、最初は８ビートの曲で、飛び跳ねている感じの曲ではなかったのですが、Liveで演奏を重ねていくうちに、だんだんと乗りの良い、ダンスビートの、いわゆる４つ打ちの曲へと変化していったんです。５拍子という一風変わったリズムの部分も、３人のアレンジが生みだしたものなんです。一時、メンバー内では「５拍子はやめないか」という話も出たんですが、歌詞に合わせるとどうしても５拍子になるという事で、何度も演奏しているうちに、みんな病みつきになってきたんです」。チャットモンチ―のライブでは、お馴染みの曲となっていた、「シャングリラ」は、３枚目のシングルとして、2006年11月に発売されます。
2006年11月にリリースされた、チャットモンチー３枚目のシングル「シャングリラ」。フジテレビ系アニメ『働きマン』のエンディングテーマ曲にも起用され、セールスチャート最高位６位を記録します。
「この曲ももちろんですが、彼女達の曲が支持を集める理由は、音楽に対しての発想が自由で、かつ、真面目な姿勢が、ちゃんと音になって現れているからだと思います。３人それぞれが、しっかりと責任を負った表現者だからこそできる音楽だから、その世界観もしっかりとしていて、リスーナーへも真っ直ぐ届き、心に響いているんだと思います」。担当ディレクターは、最後にこう語ってくれました。
３人の音楽に対するひたむきな想いが、ファンの心のツボにはまったJ-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．リヴィン・オン・ア・プレーヤー／ボン・ジョヴィ
Ｍ２．ハナノユメ／チャットモンチー
Ｍ３．恋愛スピリッツ／チャットモンチー
Ｍ４．シャングリラ／チャットモンチー
第９３回目の今日お届けしたのは、「エレファントカシマシ/悲しみの果て」でした。
「バンド活動を始めたのは、1982年、高校に入学する直前でした。友人が結成していたバンドに、「ボーカルがいないから、宮本に歌を歌って欲しい」と誘われて入ったのが、キッカケです。当時僕は、ディープ・パープルやレインボーを、のめり込むように聴いていたので、バンドに加入して初めの頃は、ディープ・パープル、レインボー、RCサクセションなどをカバーしていました」。
1988年、デビュー当時の雑誌のインタビューで、エレファントカシマシのボーカル宮本浩次は、音楽を始めるキッカケについて、こう述べています。
1982年、宮本浩次は、彼の中学時代のクラスメイトだった、ギターの石森敏行、ドラムの冨永義之らが結成していたバンド「エレファントカシマシ」に加入します。エレファントカシマシは、ディープ・パープル、レインボー、RCサクセションなどのカバーバンドとして活動していたのですが、宮本浩次が加入してしばらくすると、彼が作ったオリジナル曲を演奏するようになります。その後、エレファントカシマシは、メンバーの入れ替えで、冨永の高校時代の同級生でベースの高緑成治が加入、1986年、ＣＢＳソニーオーディションに出場します。
「オーディションに出場して、入賞が決まった時、素直に嬉しかったけど、僕らにとって入賞は当然の事だ、とも感じでいたんです。その時は、プロのバンドとしてデビューする事なんかは、何も考えていませんでした」。
1986年、CBSソニーオーディションで、ユニコーンと共に入賞を果たしたエレファントカシマシは、翌1987年大晦日に、全国各地で行われたライブイベント「ロックンロール・バンド・スタンド」に出演。宮本浩次が作った曲に対する評価はもちろん、宮本の威圧的なMCなどのライブパフォーマンスが、音楽関係者の間で話題となります。
こうして、1988年３月、エレファントカシマシは、シングル「デーデ」、アルバム『THE ELEPHANT KASHIMASHI』でデビューします。
1988年３月、シングル「デーデ」、アルバム『THE ELEPHANT KASHIMASHI』でデビューしたエレファントカシマシ。CDセールス的には、伸び悩んだものの、ボーカルの宮本浩次のオリジナリティ溢れる歌詞、明快なメロディ、そして力強いボーカル力で、エレファントカシマシは、熱狂的なファンを獲得していきます。「デビュー間もない頃は、ストレートなものの言い方をしない、ひねった言葉で歌詞を書くのが好きでした。1stアルバムに入っている曲は、僕が高校に入って、新聞を読み始めるようになった時、自分が感じた政治に対する問題意識や、怒りや、そして感じた事をそのままストレートに表現してます。売れなきゃいけないというプレッシャーがない、アマチュア時代だから自由に作ることができた曲です」。
デビュー10周年を記念したTV番組のインタビューで、宮本浩次は、デビュー当事についてこう振り返っています。
また、デビュー当時のエレファントカシマシに注目が集まった要因は、ライブでした。ＭＣなし、アンコールなし、さらには宮本浩次が、ライブ中に観客に説教を行う、といった破天荒なライブは、音楽関係者の間でも話題を呼び、1991年1月には、3000人を集め初の日本武道館ライブも行います。
その後も、１年に１枚の順調なペースでアルバムを作っていたエレファントカシマシですが、宮本浩次は苦悩
していました。
「デビューしてある程度注目を浴びた後は、もっといいものを作らなきゃというプレッシャーに負けてしまって、いつの間にか、自分自身が硬くなって、がんじがらめになってしまっていました。デビュー当時の、怒りにまかせて、自然の力で曲を作っていた頃のエネルギーが失われていたんですね。他人に対しても、本当は相手にして欲しいのに、「俺に近寄ってくれるな」「誰も注目してくれなければ、僕はまた一人になれる」みたいなことを思っていた、複雑な心境だったんです。」。
そんな中、1993年４月に、エレファントカシマシは、7枚目のシングル「奴隷天国」を発売します。
1993年4月に、エレファントカシマシ7枚目のシングルとして発売されたシングル「奴隷天国」。
「デビュー以来、出す曲がまったく売れなくて、バンド活動は地下活動みたいな感じで、ずっと息苦しく感じていたんです。八方ふさがりになったところで、「自分一人の力じゃなくて、もう１回バンドとしてやってみよう」と思って作ったのが、この「奴隷天国」でした。曲を作って初めてメンバーに聴かせた時、痛快な曲調に、メンバーみんなに喜んでもらえました」。
宮本浩次が、開き直った気持ちで作ったシングル「奴隷天国」に続いて、５月には6枚目のアルバム『奴隷天国』を発売。しかし、翌1994年5月に発売した7枚目のアルバム『東京の空』をもって、エピックレコードとの契約が終了し、新しいレコード会社を探していた矢先に、今度は所属していた事務所までが解散してしまいます。
一旦、メジャーの音楽シーンから離れることを余儀なくされたエレファントカシマシでしたが、その間も曲作りや、全国のライブハウスを回る地道な活動を続けて、再び1995年秋に、新しい事務所とレコード会社ポニー・キャニオンと契約、再デビューに向けて動き出します。
再デビューに向け、エレファントカシマシは、初めて、外部プロデューサー、BOOWYなどを手掛けたことで知られる佐久間正英を迎えて作品作りに取り掛かります。そして、再デビュー曲として、メジャーから離れていた時代に作って、ライブハウスなどではすでに演奏していた、ある曲を選びます。
「レコード会社との契約が切れて、給料がもらえなくなって一番困っていた頃、当時住んでいた場所が、実家に近いこともあって、御飯は普通に食べていました。でも、やっぱり自分は職業としてバンドをやっていたんで、曲を作らなきゃと思って、たくさん曲を作って下北沢のライブハウスなどで演奏していました。この曲も、その時期に作った曲です。自分の気持ちの主流ではなかったけれど、その時期に自分が思った気持ちを、素直に綴っています。契約が切れたことや、それ以外に自分の中で色々な悲しみや苦しみがあったけど、この曲を含め、新しい曲を、希望を持ってライブハウスでお客さんに対して直接接して、試すことができたことは、新しい事をやっている、という実感がありました」
契約切れ、事務所の解散という挫折から這い上がってきたエレファントカシマシが、メジャー復帰第１弾シングルとして選んだ、約１年11ヵ月ぶりのシングル「悲しみの果て」は、1996年4月に発売されます。
1996年４月に発売された、エレファントカシマシ10枚目のシングル「悲しみの果て」。前作から、１年11ヵ月ぶりのシングルとして発売されたこの曲は、東芝のマルチメディア企業イメージCM曲として起用された「四月の風」との、両Ａ面シングルとして発売されます。しかし、その後11月に、今度はこの「悲しみの果て」だけをA面曲として再発売、グリコ「アーモンドチョコレート」のCMソングとして起用され、セールスチャート最高30位を記録します。
「再デビューが決まった時、僕はこの「悲しみの果て」をメインにして、シングルを出したかったんです。しかし、事務所の考えもあって、最初は「四月の風」と両A面扱いにして発売したんです。その後、もともと僕がこの曲を好きなこともあって、改めてシングルとして発売することになったんです。プロデューサーを入れての作業や、新しい宣伝活動、この「悲しみの果て」は、エレファントカシマシにとって新しいタイプの曲、新しいスタイルでの活動。全てにおいて、そこから再び突っ走り始めるキッカケになった曲です」。
エレファントカシマシが、唯一無二の存在を確立することになったJ-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ハイウェイ・スター／ディープ・パープル
Ｍ２．デーデ／エレファントカシマシ
Ｍ３．奴隷天国／エレファントカシマシ
Ｍ４．悲しみの果て／エレファントカシマシ
第９２回目の今日お届けしたのは、「馬場俊英/ボーイズ・オン・ザ・ラン」でした。
「初めて買ったレコードは、アルバムがKISSの『地獄の軍団』、シングルがイーグルスの「ホテル・カリフォルニア」でした。でも、衝撃を受けたのは、僕が小学校５年生の時、サザンオールスターズの「勝手にシンドバッド」をテレビで観た時です。汗を流しながら、躍動感溢れるバンドの演奏シーンに、僕自身、何とも言えない高揚感を覚えて、それから音楽の魅力に、ますます惹かれるようになったんです」。音楽を意識したキッカケについて、馬場俊英さん本人は、こう振り返ります。
1967年3月、埼玉県に生まれた馬場俊英は、地元の高校に進学後、「いい音楽を作って演奏できるようになりたい」という思いから、バンドを結成し、月に２〜３度の割合でライブを始めます。1993年、馬場俊英は、バンド活動に区切りをつけ、ソロ活動をスタートすると同時に、デモテープを作って、音楽関係者へのアプローチを始めます。
このデモテープが、音楽ディレクターの目に留まり、1995年2月に発売された、佐藤聖子のシングルに彼の楽曲「Heartbeats Groove」が起用されます。こうして、馬場俊英は、まずは作詞作曲家としてプロ活動をスタートし、佐藤聖子や森口博子に曲提供しながら、自身もソロアーティストを目指して、曲作りを続けていきます。
そして、翌1996年2月、彼が28歳の時に、フォーライフレコードと契約し、シングル「星を待ってる」でいよいよデビューします。
1996年２月、シングル「星を待ってる」でデビューした、馬場俊英。「デビュー当時は、ボズ・スキャッグスのようなルーツ・ミュージック(民族音楽)をベースにした、ポップスを歌っていきたいと思っていました。ただ、時間が経つにつれて、自分自身の個性や、持っている資質と少し違っているな、と感じるようになっていきました」。デビュー当時、彼自身が目指した音楽の方向性について、馬場俊英さんは、こう振り返ります。
その後も馬場俊英は、シングル、アルバムのリリースを重ねていくと同時に、ライブを通して自分の音楽のスタイルを探し続けます。「最初に、まず具体的な音楽スタイルの目標があって、そこに向かって進んで行くというよりも、まずはとにかく曲を作って、ライブを続けていく中で、だんだんと本当の現場が見えてくるというか、経験を通して自分を知っていくし、やりたいことが分かってくるんだと思います。そういう意味で、当時、僕は、ただひたすら音楽を作って、オーディエンスに向い続けていました」。1998年12月、馬場俊英は、３枚目のアルバム『OVER THE MOUNTAIN』を発売。このアルバムに含まれていた曲「ロードショーのあのメロディ」が、その後、馬場俊英が曲を作っていく上での、ひとつのキッカケを作ります。
1998年12月に発売した、馬場俊英３枚目のアルバム『OVER THE MOUNTAIN』に収録された、「ロードショーのあのメロディ」。「この曲は、物語の情景を描きながら、登場人物の姿や息づかいを綴っていくスタイルの曲です。映画的というか、季節の青春群像のような曲になったなあ、と自分自身は感じたんです。この時の曲の作り方は、その後の僕の曲の曲作りに引き継がれています」。少しづつ、自分の音楽について、確かなものを掴み始めていた馬場俊英でしたが、2000年に、所属していたフォーライフレコードとの契約が終了します。音楽の道を諦めることができない馬場俊英は、翌2001年に自主レーベル「アップ・オン・ザ・ルーフ・レコーズ」を設立し、彼自身が、曲を作って、録音して、CDを制作して、通信販売の発送作業まで行う、インディーズ活動をスタートします。
彼自身のインディーズレーベルから、2001年に『フクロウの唄』を、2002年には『鴨川』を、そして、2004年に『blue coffee』と３枚のアルバムをリリースした、馬場俊英。地道ながらも、着実な活動を続けていたある日、あｆるアーティストから突然のラブコールが送られます。偶然、ラジオから流れてきた馬場俊英の曲を聴いて、その唄に衝撃を受けたコブクロの二人でした。すでに、当時、関西や広島では人気者だった彼らに誘われて、2004年8月に大阪で行われた野外ライブイベントでコブクロと初共演を果たすと、10月には、TOKYOFMの全国ネット番組で、コブクロとのコラボレーションレコーディングが実現。さらに、11月に発売された、コブクロのアルバム『MUSIC MAN SHIP』で、コブクロが馬場俊英の曲をカバーされます。コブクロファンを中心に、馬場俊英の“うわさ”が全国を一気に駆け巡っていきました。
その“唄”が再評価された馬場俊英は、2005年5月、フォーライフミュージックエンタテイメントと再契約。メジャー復帰のシングルとして、ある曲を、改めてシングルとして発売することを決めます。
「この曲が完成したのは、2000年でした。この曲には、５人の登場人物が出てくるんですが、５人それぞれの生活の中にある、光と影の部分を描いて、様々な心の揺れの中で、なにかを信じようと思っている姿が滲み出てくれたら、と思って作ったんです。実は、僕の中で、「早く曲を完成させたい」という気持ちが先走って作ったので、曲が完成して、良く聴いてみると、サビが無いし、僕の中でも変わった曲になりました」。
インディーズ時代のアルバム『フクロウの唄』『鴨川』に、それぞれのバージョンで収録されていた曲であり、コブクロがカバーし、コブクロと一緒にレコーディングした曲でもある「ボーイズ・オン・ザ・ラン」は、馬場俊英の再出発を飾る曲として、2005年8月にリリースされます。
2005年8月に発売された、馬場俊英９枚目のシングル「ボーイズ・オン・ザ・ラン」。約３ヵ月近くセールスチャートランクし、最高位59位を記録します。
「この曲は、最初、たくさんある曲の中の、単なる１曲という位置づけでした。しかし、曲を発売した後、ゆっくりと力を持ち始め、僕にたくさんの出会いや縁を運んできてくれました。今では、ファンと僕らの共通の思いを象徴する曲となって、僕のライブには欠かせない曲となっています」。
最後に、馬場俊英さんはこう振り返ってくれました。
地道な活動の中で、自らを励ましてきた唄は、その後、世の中の多くの人々を励ますJ-POPの名曲となりました。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．勝手にシンドバッド／サザンオールスターズ
Ｍ２．星を待ってる／馬場俊英
Ｍ３．ロードショーのあのメロディ／馬場俊英
Ｍ４．ボーイズ・オン・ザ・ラン／馬場俊英
第９１回目の今日お届けしたのは、「ル・クプル/ひだまりの詩」でした。
「恵美に最初に出会ったのは、1991年、東京・池袋のライブハウス「江古田マーキー」へ、僕が、ハーモニカ奏者を探しに行った時です。アンコールのステージに、恵美がゲストボーカルとして出演し、彼女がカーラ・ボノフの「悲しみの水辺」を歌ったんです。優しく、聴いた人を包み込むような歌声で、僕はハーモニカ奏者を探す目的を忘れて、思わず聞き入ってしまいました」。
ル・クプルの恵美との出会いについて、マネージメントスタッフの豊岡さんは、当時をこう振り返ります。
1963年、東京都に生まれた隆二と恵美の二人。恵美は、幼少期から、劇団ひまわりに所属し、ドラマへ出演、中学に入ると音楽活動を始めます。また隆二は、中学２年の時、ビートルズに憧れて、ギターを習い始め、19歳になった時に、カントリーバンドにベーシストとして加入します。1984年、当時、東京・新宿にあったライブハウス「ウィッシュボン」の専属バンドのベーシストとして活動していた隆二は、新たにメンバーとして加わった恵美と出逢い、6年後の1990年に、二人は結婚します。
「恵美のステージを観た数日後、僕は改めて恵美に会いました。その時、一緒に現れたのが、隆二で、二人の話を聞いた後、僕は改めて二人に対して「二人のマネージメントをさせてもらえないか」という提案をしました。二人を別々に売り出すのではなく、夫婦ユニットとして売り出すことを考えたんですね。カントリー音楽を中心にやってきた二人は、POPSが主流の日本の音楽業界の中では、どちらかと言えばマイナーな世界にいたんですが、僕は、楽天家だったので、二人が好きな音楽を、焦らず、ゆっくり地道にやっていけば、何とかなるだろう、と気軽に考えていたんです」。
豊岡さんの提案を受け入れ、夫婦ユニットとして活動を始めた隆二と恵美のふたりは、都内のライブハウスでライブを行ったり、ストリートライブを行いながら活動を続け、1993年、オーディンションに出場したことをキッカケに、レコード会社ポニーキャニオンと契約。ユニット名を「ル・クプル」と名付け、1994年7月にシングル「海の底でうたう唄」でデビューします。
1994年７月、シングル「海の底でうたう唄」でデビューした、ル・クプル。「デビューした時、隆二と恵美の二人とも31歳で、若年層が中心の日本の音楽業界では、異例とも言える新人歌手でした。デビュー曲は、どんな曲が一番二人にとって似合っているのかを考えて選んだのが、この「海の底でうたう唄」でした。1969年に、モコ・ビーバー・オリーブが放ったヒット曲のカバーで、昔から耳にした人も多いだろうから、ル・クプルの歌もまずは聴いてもらえるだろう、簡単な発想からでした」。
「ル・クプルの目指す音楽の方向性は、彼らの音楽を聴いた人達が、のんびり、リラックスできる音楽を作って行こうというスタンスでした。「売れなきゃいけない」という絶対的なスタンスではなく、聴いた人達に「いい音楽だね」と言ってもらえる音楽を作っていこう、というスタンスでした」。
マネージャーを務めていた豊岡さんは、こう振り返ります。
ル・クプルは、デビュー前から行っていた、原宿・竹下通りや、渋谷・ロフト前でのストリートライブを、デビュー後も毎週続けながら、少しずつ地道にファンを増やしていきます。8月に、1stアルバム『hide&seek』を、12月には2枚目のシングル「夢で待ち合わせしよう」を発売。さらに、翌1995年1月には2ndアルバム『ふたりぐらし』を発売して、7月には、３枚目のシングル「７月の感傷」を発売しました。
1995年7月に発売した、ル・クプル３枚目のシングル「７月の感傷」。「この３枚目のシングルを発売する時に、スタッフ皆で考えたプロモーションが、当時全国に631ヵ所あった有線放送の放送所を、本人達が直接回るキャンペーンでした。前代未聞とも言えるこのキャンペーンは、隆二と恵美二人のワゴン車を、キャンペーン・カーに仕立てて、10月からスタートしました。ガソリン代や宿泊費など、プロモーションに係る経費は、600万円近くかかる計算でしたが、ル・クプルを売り込むために、レコード会社を説得して、何とか費用を払ってもらうことができたんです」。
豊岡さんは、当時についてこう振り返ります。
全国631ヵ所の有線放送の放送所を回る、ル・クプルのキャンペーンは、スタートから９ヵ月後の翌1996年6 月まで続けられ、プロモーションの最終日、最後のキャンペーン場所となった東京・渋谷の有線放送の放送所には、全国の有線放送所から、ル・クプルに宛てた激励のFAXが届いたといいます。その後、ル・クプルは、12月に発売を予定していた、次のシングルの制作に取り掛かります。
「僕が、ル・クプルの担当になったのは、彼らが有線放送を回るキャンペーンが終えた直後の、1996年の夏でした。恵美の優しい歌声、隆二が作る飾らないメロディ、優しい心温まる夫婦ユニットだなぁ、というのが第一印象でしたね」。ル・クプルを担当した、レコード会社の担当ディレクター中西さんは、当時についてこう振り返ります。この中西さんと２人の出会いが、ル・クプルの運命を変えることになります。
「1997年4月からフジテレビ系で放送が予定されていたドラマ『ひとつ屋根の下２』のサウンドトラック盤を作る話がスタートし、僕が担当になったんです。フジテレビのプロデューサーと、作曲家の日向敏文さんの３人で打合せをして、サウンドトラック盤に、洋楽アーティストの曲に加えて、邦楽アーティストの曲も収録することが決まったんです。「誰に歌ってもらうか」、という話になった時、僕がル・クプルを推薦したんです」。
「結局、ル・クプルは、ドラマの挿入歌として２曲歌うことになって、日向さんが曲を作ってきました。ドラマティックなメロディではなく、ドラマのストーリーコンセプトに沿った、優しく淡々と流れていくメロディが印象的でした。レコーディングの時、ボーカルの恵美が、演歌のように、曲のサビの部分でこぶしを回す癖があったので、その点は注意しました。ル・クプルが歌った２曲、どちらも曲の完成度が高かったので、急遽、ル・クプルの次のシングルとして発売することが決まったんです。２曲の内、どらちをメインタイトル曲にするか、レコード会社、所属事務所のスタッフで意見が分かれ、最終的に、この曲がメインタイトル曲に選ばれたんです」。
「サウンドトラック盤は、シングルよりひと足早い５月2日に発売され、ル・クプルのシングルは16日の発売でした。シングル発売までの間、ル・クプルは原宿で行われたイベントで、この曲を歌ったんです。彼らの他の曲を歌っている時には反応しなかった人達も、二人がこの曲を歌い出すと、立ち止まって、じっくりと聴きこんでいました。
「ひょっとしたら、この曲は売れるかも」という雰囲気はありましたね」。
1997年５月16日、フジテレビ系ドラマ『ひとつ屋根の下２』の挿入歌として起用された、ル・クプル５枚目のシングル「ひだまりの詩」は、こうして発売されます。
1997年5月に発売された、ル・クプル5枚目のシングル「ひだまわりの詩」は、発売後７週目に最高位２位を記録。さらに、発売２ヵ月後にはミリオンセラーを達成し、最終的に約180万枚の売上を記録する大ヒット曲となります。
「この曲のヒットがなければ、年齢的な問題もあったので、ひょっとすると彼らはレコード会社とも契約打ち切りになって、音楽活動を止めていたかもしれません。ドラマの終わりが近づくにつれて、CDのセールスも右肩上がりなって、レコード店から、毎日２〜３万枚の予約注文が入って、嬉しい限りでした。また、ドラマが放送された翌日には、全国の有線放送局が、ル・クプルを応援するかのように、必ず１回はこの曲を流していました。その影響もあって、多くの人達に強い印象を与えたんでしょう。時間をかけて、地道に有線放送局を回ったのが、無駄ではなかったということですね」。最後に、中西さんはこう振り返ってくれました。
彼らの地道な努力が結果として実った、J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．悲しみの水辺（Ｔｈｅ Ｗａｔer Ｉｓ Ｗｉｄｅ）／カーラ・ボノフ
Ｍ２．海の底でうたう唄／ル・クプル
Ｍ３．７月の感傷／ル・クプル
Ｍ４.ひだまりの詩／ル・クプル
第９０回目の今日お届けしたのは、「加藤いづみ/好きになって、よかった」でした。
「高校３年生の時、「高校生活の想い出作りに」という軽い気持ちで、女の子５人でコピーバンドを結成して、文化祭のステージに立ったのが、キッカケです。小さい頃から、エレクトーンを習っていた私は、キーボードとボーカルを担当することになって、当時流行っていたレベッカの曲をコピーしたんです。大勢の人の前で歌を歌うのは、「何て気持ちいんだろう」って感じでした」。プロの歌手を夢見る、第一歩について、加藤いずみさん本人は、こう振り返ります。
1968年7月、愛媛県松山市に生まれた加藤いづみは、彼女が小学生の時、エレクトーンを習い始める頃から、歌うことに夢中になっていきます。「エレクトーンにしても、歌うことにしても、特別上手という訳ではなかったんですけど、周りの人から「上手だね」って褒められて、子どもながら、「私には音楽の才能があるんだ」という変な自惚れを持っていたんです。でも、人前で歌う気持ち良さを感じたのは、高校時代にバンド活動を始めた時が、最初でした」。
1987年春、人前で歌う魅力に取りつかれた加藤いづみは、高校卒業後、アルバイトをしながら、地元・松山のライブハウスで歌う生活をスタートさせます。そしてある日、彼女の歌声に魅せられた、音楽事務所のスタッフから声を掛けられます。「いい声しているね。東京で音楽の勉強をしてみないか」。
加藤いづみは、東京で本格的な音楽の勉強をすることを決意し、1987年秋、上京します。
「上京して、ライブハウスで歌い続ける毎日が始まって、それまで、歌ったことの無い、シュープリームス、アレサ・フランクリン、ジャクソン５を中心に歌うようになったんです。初めは、慣れれば何とかなるだろう、という軽い気持ちでしたが、実際に歌ってみると上手く歌えない。歌を歌う難しさを感じました」。歌の難しさを、改めて感じた加藤いづみは、CDを聴いたり、ライブに足を運んで、歌の表現力について学びます。やがて、その成果は徐々に表れて、彼女の歌を聞くためにライブハウスに足を運ぶ人が増えていきました。こうして、1990年、加藤いづみは、レコード会社ポニーキャニオンと契約し、翌1991年5月、アルバム『テグジュぺリ』で、デビューします。
1991年５月、加藤いづみは、アルバム『テグジュぺリ』でデビューし、翌6月に、１stシングル「Zero」を発売します。「自分が歌った曲が、ＣＤになって発売されて、嬉しかったけど、それ以外、特別な感情はありませんでした。自分の中では、自分が一生をかけてできる仕事がやっと見つかった、という気持ちの方が大きかったんです」。加藤いづみさんは、デビュー当時について、こう振り返ります。
「レコード会社と契約が決まった直後に出会った、高橋研さんの存在も、私にとっては大きな出来事でした。事務所の社長から、高橋さんを紹介されて、加藤いづみの音楽スタイルを探すめに、音楽について、色々と教えてもらいました。そこから生まれたのが、アコースティックサウンドに乗せて、歌を歌うスタイルです。それから、高橋さんと、一緒に曲を作って、自分が歌っていく中で、常に心がけたのは、私の歌を聴いてくれる人に、はっきりと分かる言葉で、曲に込めた想いが伝わる曲を歌っていきたい、ということでした。メロディに乗った言葉は、聴く人によって、どんな風にでも感じてもらえる。だから、例えば、ラジオから曲が流れてきた時に、「この曲、いい曲だね。誰が歌っているの」と言われるよりも、「この加藤いづみの曲、いい曲だね」って褒めてもらえる歌を歌いたいな、って思ったんです」。
ゆっくり、自分のペースで曲を作って、歌を歌うことを模索しながら、加藤いづみは、11月に２ndシングル「雨が降る靴」を発売。11月下旬からは、同じレコード会社に所属していたアーティストと一緒に、全国７ヵ所を回るライブツアーをスタートさせます。翌1992年５月、加藤いづみは、６月に発売を予定していたアルバムに先駆けて、３枚目のシングル「髪を切ってしまおう」を発売します。
1992年5月に発売した、加藤いづみ３枚目のシングル「髪を切ってしまおう」。「デビュー以来、アルバムを中心に曲を作って、歌ってきたので、シングルに対しては、強い意識を持って、歌っていませんでした。この曲は、シンプルなメロディに乗せた、歌詞のリズムのとり方が難しく、歌うのに苦労したんです。曲が完成して、スタッフは初めて「いい曲ができたね」と褒めてくれ、その言葉を聴いた瞬間、「歌っていいな」と改めて自分でも思いました」。
翌6月、２ndアルバム『星になった涙』を発売した加藤いづみは、東京のライブハウス「日清パワーステーション」を含む全国３ヵ所で、初めてのソロライブツアーを行います。さらに10月に発売した、４枚目のシングル「美しすぎて」が、彼女にとって初めてセールスチャートにランクンインし、最高位100位を記録します。そんな時、加藤いづみの下へ、翌1993年、その年の夏に放送が予定されていた、ドラマの挿入歌提供の話が舞い込みます。
「ドラマの挿入歌提供の話をいただき、高橋さんと一緒に、まずはドラマのストーリーに沿って、曲のコンセプトを作って、歌の世界観を広げていきました」。
「曲のポイントは、“好きになって、よかった 初めてそう思った”という、サビの歌詞です。普通に聴くと、男性は、別れた彼女から、まだこんな風に思ってもらっているんだ、俺は何て幸せなんだろう、という、ハッピーなイメージを抱いてしまいがちですが、実は全く逆なんです。歌詞の裏に隠されているのは、主人公の女性が持つ、小悪魔的な部分です。別れた後になって、“初めてそう思った”って言われて、ショックじゃないですか。じゃあ、別れるまでは、好きではなかったの、って。女性が持っているしたたかさを、歌詞の中に、少しだけ加えるのが、私は好きなんですよ」。曲を作った時の様子について、加藤さん本人は、こう振り返ります。
1993年7月、フジテレビ系ドラマ『悪魔のKISS』の挿入歌として起用された、加藤いづみの６枚目のシングル「好きになって、よかった」は発売されます。
1993年7月に発売された、加藤いづみ６枚目のシングル「好きになって、よかった」は、セールスチャート最高位22位、４ヵ月近くに渡ってチャートにランクインし続け、約１９万枚の売上を記録します。
「大ヒットではなかったけど、自分にとっては、アーティストとして、その後も歌い続けていく、大きな自信となった曲です。最初の頃は、ステージの雰囲気、お客さんの顔、シチュエーションに合わせて、歌の雰囲気も変えていましたし、この曲を歌う事が嫌な時期もありました。しかし、今ではこの曲が大好きで、ライブでは欠かせない曲になっています。加藤いづみを代表する曲として、この曲を聴くためにライブに足を運んでくれる人もいるので、いつも同じ雰囲気で歌えるように、心がけています」。
女性POPSシンガーとして自立する、大きな自信を与えたJ-POPバラードの名曲の誕生の瞬間でした。
今日OAした曲目
M1.FRIENDS/レベッカ
M2.Zero/加藤いづみ
M3.髪を切ってしまおう/加藤いづみ
M4.好きになって、よかった/加藤いづみ
第８９回目の今日お届けしたのは、「尾崎豊/Ｉ ＬＯＶＥ ＹＯＵ」でした。
「１８歳でデビューした彼は、２０歳までの３年間に、３枚のアルバムを作って、およそ１００本近くのライブを行って短い時間の中を、走り続けるかのように歌い続けていました。そんな彼の姿は、彼と同世代のティーンエイジャーから共感を得て、圧倒的な支持を集めていました。しかし、走り続けていた彼は疲れ果て、次に自分は、何をしたらいいのか分からなくなったんじゃないでしょうか。」
尾崎豊のプロデューサーを務めた、須藤晃さんは、1986年１月に無期限休業を発表した、尾崎豊の当時の様子について、こう振り返ります。
1983年12月、１ｓｔアルバム『十七歳の地図』で、日本のロックシーンにさっそうと現れた尾崎豊は、1985年３月に、２ｎｄアルバム『回帰線』を、１１月には３ｒｄアルバム『壊れた扉から』を立て続けにリリース。２ndアルバム『回帰線』は、セールスチャート初登場１位を獲得、約27万枚の売上を記録して、尾崎豊を、一躍、日本のロックアーティストのトップクラスに仲間入りさせることになります。
しかし、サードアルバムをリリースした後の1986年1月、尾崎豊は福岡で行われたライブ終了後に、突然、無期限の活動休業を宣言して、単身ニューヨークへ旅立ちます。その後、およそ１年間日本の音楽シーンから、姿を消していた尾崎豊は、1987年に入って、所属レコード会社をCBSソニーから、マザー＆チルドレンに移籍することを発表します。
「休業期間中、ニューヨークに渡っていた尾崎とは、僕も何度か連絡をとっていました。彼と話をした時、毎回感じたのは、「何かに迷っているなぁ」という印象でした。僕は当時、レコード会社の、ひとりのサラリーマンでしかなかったので、彼から求められる事に関しては、アドバイスを送ることはできても、物事を決めてあげる権利は無かったんです。彼から寄せられた質問に、僕なりの意見を出して、最終的に決めるのは尾崎本人でした。彼も、彼なりに色々な問題を抱えながら、悩んで、その結果、レコード会社を移籍することになって、僕の手から離れることになったんです」。須藤さんは、当時についてこう振り返ります。
1987年７月にスタートした、活動再開後初の尾崎豊の全国ライブツアーは、途中、広島でのピースコンサートや、どしゃ降りの雨の中、８万人を前に歌った野外ライブイベント「熊本ビートチャイルド」を挟みながら、続いていきます。しかし、尾崎豊は、９月のライブ開演直前に倒れて、そのまま入院。そして、翌1988年１月には、覚醒剤使用で逮捕され、再び音楽活動をストップしていまいます。
多くの尾崎ファンが混乱する中、彼は６月に、１２インチシングル「太陽の破片」を発売して、活動を再開すると、９月には２年９ヵ月ぶりとなるアルバム『街路樹』を発売、９月には東京ドームでの復活ライブも行います。
「この頃、彼の音楽には、直接的に関わってはいませんでした。第３者として彼の曲を聴いた時、反戦、人間の生き方といった、人間の骨格になるようなことについて綴った歌詞が多くなって、必要以上に、物事をリアルに描写するようになっているなあ、と感じていました。彼はとても、真面目な人間なんです。だから、自分の作品が売れれば売れるほど、自分の音楽の方向性を考え過ぎて悩んでいたんでしょう。それが、この時期の曲に表れていると思います。彼が、誤ちを犯したのも、何かに寄り添っていたかったんでしょうね」。
須藤さんは、当時についてこう振り返ります。
1990年、尾崎豊は所属事務所をマザー＆チルドレンから、ロードアンドスカイに移籍して、再び須藤さんと一緒に曲作りに取り組んでいきます。
「ディレクターとして、久し振りに彼の曲を手掛けることになって感じたのは、1stアルバム『十七歳の地図』を作っていた時と、音楽に対する考え方が変わっていなかった点です。彼が日常生活を過ごしていく中で、彼の目にとまったもの、心にとまったものを歌詞に綴って、曲を作っていくスタンス――。メロディは、新しいものを取り入れて、進化させようとしていましたが、基本は１stアルバムを作っていた時と、変わっていませんでした」。こうして、尾崎豊と須藤さんが再び一緒に作ったアルバム『誕生(BIRTH)』は、1990年11月に発売されます。
尾崎豊と須藤さんが再び一緒に作ったアルバム『誕生(BIRTH)』がリリースされた翌年の1991年、
尾崎豊の１stアルバムに収録されていた、ある曲が、JR東海の春の新幹線キャンペーンソングとして起用されることが決まります。「１ｓｔアルバム『十七歳の地図』には、この曲と、「OH MY LITTLE GIRL」という２曲のバラードが入っています。「OH MY LITTLE GIRL」は、1stアルバムのレコーディングがスタートした時、あらかじめ彼が作って持ってきた曲の中にありました。1stアルバムのレコーディングが進む中で、僕は尾崎に、「バラード曲は「OH MY LITTLE GIRL」があるけど、アルバムの構成を考えたら、もう１曲バラード曲を書いて欲しい」と彼に伝えたんです。それから数日後、彼が持ってきたのが、この曲でした。曲の出だしを、彼が口ずさんだ時、僕は英語の歌詞が嫌いで、できれば英語を使わずに、日本語にしたいと彼に言ったんですが、結局彼は変更せず、曲の出だしのフレーズは英語になったんです」。
こうして、尾崎豊の1stアルバム『十七歳の地図』に収められたこの曲は、翌1984年3月東京・新宿のライブハウス「新宿ルイード」で行われたデビューライブでも演奏され、以降、彼のライブでは欠かせない曲となり、尾崎ファンの間でも重要な曲となります。
そして、この曲は、1987年3月、フジテレビ系で放送されたドラマ『北の国から ’８７初恋』の挿入歌として使われ、ドラマを見た多くの人たちに鮮烈な印象を残すことになります。
「ドラマを作る時、倉本さんが、主人公役の吉岡秀隆さんに「若者に人気のある歌手は誰なのか？」と聞いたとき、吉岡さんから勧められたのが、尾崎豊でした。倉本さんは、当時、尾崎豊の存在を知らなかったんですが、吉岡さんから送られたカセットテープを聞いて、尾崎豊を気に入って、ドラマの挿入歌として採用を決めました。その中でもこの曲は、主人公の恋愛を描く場面では欠かせない、象徴的な曲になりました」
この曲を起用したキッカケについて、倉本聡さんの事務所スタッフは、こう振り返ってくれました。
ドラマの挿入歌として起用され、尾崎ファン以外の多くの人々にも、その存在を知られるようになったこの曲
「Ｉ LOVE YOU」は、１stアルバム『十七歳の地図』で発表されてから、８年が経過した1991年３月、シングルとして発売されます。
1991年３月に発売された、尾崎豊のシングル「I LOVE YOU」は、セールスチャート最高位５位、約48万枚の売上を記録、約１年間に渡ってセールスチャートにランクインするロングヒット曲となります。
「尾崎豊の特徴であり、最大の魅力は、静と動の両面を持っていることです。激しく走り回るステージが動ならば、壊れそうで繊細な存在感は、静の方です。この「I LOVE YOU」は、その壊れそうで繊細な彼の存在感と相まって、聴く人達に哀愁を漂わせ、多くの人達の心を捉えて、共感を呼び起こしたんでしょう」。
最後に、須藤さんはこう語ってくれました。
伝説のアーティスト、尾崎豊の存在感を、語る上で欠かすことのできない
J-POPバラードの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．僕が僕であるために／尾崎豊
Ｍ２．ＣＯＯＫＩＥ／尾崎豊
Ｍ３．Ｉ ＬＯＶE ＹＯＵ／尾崎豊
第８８回目の今日お届けしたのは、「尾崎豊/卒業」でした。
「彼の歌声を初めて聞いたのは、1982年秋、当時、CBSソニーが主催していた「SDオーディション」の審査用ビデオでした。当時、16歳だった彼が歌っていた曲の歌詞が、妙に大人びているなぁ、というのが印象に残ったんです。これは、本人が書いた歌詞ではなく、別の誰かが書いたのではと思うぐらい、16歳という年齢とギャップのある歌詞が綴られていたんです。同じSDオーディションの参加者と比べても、彼の存在感は群を抜いていました」。
尾崎豊との初めての出会いについて、後に彼のプロデューサーを務めることになる、須藤晃さんはこう振り返ります。
1965年11月、東京都練馬区に生まれた尾崎豊は、小学４年生の時に、５歳年上の兄が買ったクラシックギターに触れ、音楽と出会います。やがてギターを弾くことに夢中になった尾崎豊は、中学に進学後、フォークソング・クラブに入部します。1980年、青山学院高校に入学した尾崎豊は、偶然耳にしたジャクソン・ブラウンのアルバム『RUNNING ON EMPTY』をキッカケに、作詞の魅力にとりつかれていきます。
そして、翌1981年12月、東京・新宿のライブハウス「新宿ルイード」で、高校生ばかりが出演したライブに、男女３人組ユニット「NOA」のメンバーとして出演した尾崎豊は、人前で歌うことの魅力にもとりつかれ、いつの間にか、彼の心の中に、「歌を歌っていきたい」というキモチが芽生えるようになります。
1982年秋、尾崎豊は、CBSソニー主催の「SDオーディション」と、ビクター主催のオーディションへ、彼がアコースティックギター１本で歌ったデモテープを送ります。しかし、尾崎豊は、ビクターのオーディションの２次審査の場で、彼が作った曲が評価されなかったことに腹を立て、SDオーディションも「同じように評価されるのでは」と思い、オーディション参加辞退を考えます。ところが、尾崎が歌った審査用ビデオを観て、彼が綴った歌詞の魅力に惹かれたSDオーディションのスタッフが尾崎を説得。結果、尾崎豊は、優秀アーティスト賞を受賞し、デビューに向けて制作ディレクターの指導を受けることになるのでした。
「彼は、大学ノートに歌詞を綴っていたんですが、その内容は、自分が抱えていたストレス的な事を、ただ書き殴っているだけ、という感じでした。僕は、大学ノートに綴られた歌詞を読んだ後、彼にこう言ったんです。「ただ自分が思っている、気持ちの表側だけを書くだけじゃなく、なぜそんな気持ちを持ったのか、気持ちの裏側にある物を整理して書いた方がいいよ。今のままでは、聞く人の心情に訴えかけるものが何もないから」と」。須藤さんは、当時についてこう振り返ります。
その後も、須藤さんは、尾崎と何度も打合せを重ね、曲を作っていくと同時に、曲のアレンジを、当時須藤さんが担当していた浜田省吾のバックバンドメンバーのひとり、町支寛二に依頼。さらに、佐野元春のバックバンドメンバーとして活躍していた、西本明にも依頼します。「当時、浜田省吾も、佐野元春も、アーティストとして一番のっている状態で、彼らのライブ感あるサウンドで、尾崎豊の曲をアレンジしていきたいと思い、二人にアレンジをお願いしました。７月に入って、尾崎は学校で問題を起こして、無期停学処分になったんですが、この時に、レコーディングを始めたんです」。
レコ―ディング開始から、約４ヵ月の時間をかけて作った、尾崎豊の１stアルバムは、プロデューサーの須藤さんが、小説家・中上健次(なかがみ・けんじ)の作品『十九歳の地図』に登場する、新聞配達の少年と、尾崎豊の姿を重ね合わせて、アルバムタイトルを『十七歳の地図』名付けて、1983年12月に発売されます。
1983年12月、1ｓｔアルバム『十七歳の地図』と、シングル「15の夜」でデビューした尾崎豊。
1stアルバム『十七歳の地図』は、わずか2000枚余りのプレスながら、音楽関係者の間で話題を呼び、翌1984年３月に、東京・新宿ルイードで行われたデビューライブには、彼の歌声を聞くためにライブハウスの定員の２倍にあたる、約600人が集まります。粗削りながらも、それまでのロックミュージシャンとは違った勢いで、狭いステージを走り回りながら歌う尾崎の姿に、詰めかけたファンは衝撃を覚えます。
さらに尾崎は、3月に、2ndシングル「十七歳の地図」を発売した後、６月から全国６ヵ所を回るライブハウスツアーをスタート。さらに８月に、東京・日比谷野外音楽堂で行われた反核ライブイベント「アトミック・カフェ」に出演した際、歌っている途中で、高さ７mの照明用機材の上から飛び降りて、左足を骨折し、入院します。
ライブの回数を重ねる毎に、より激しくなる尾崎のステージは、音楽関係者はもちろん、ファンの間で話題となっていきます。その後、退院した尾崎は、翌1985年春に発売を予定していた、２ndアルバムのレコーディングをスタートさせます。
「僕が、この曲を初めて聞いたのは、確か６月に行われたライブハウスツアーでした。1stアルバムを作る時には、無かった曲で、ライブで初めて聞いた時、「凄い曲だなぁ」と言う印象を受けました。そこで、僕は彼に「この曲は、ちゃんとレコーディングして、作品として発表しよう」と言う話をして、2ndアルバムに収める曲としてレコーディングをしたんです」。
「1stアルバム『十七歳の地図』を作っていた時も感じたんですが、彼が歌詞に綴る言葉の量はとても多く、この曲に関して言えば、原稿用紙で３枚近くに及ぶ言葉の量が詰め込まれていました」。
須藤さんは、尾崎豊が綴った歌詞を、彼と何度も議論を重ねて削り、短くシンプルにして、
よりリアルな情景描写と、尾崎豊が描いた世界を一体化させる作業を繰り返して、曲を作っていきました。
こうして、1985年1月、２ndアルバムに先駆けて、12インチシングル「卒業」は発売されるのでした。
1985年１月に発売された、尾崎豊の12インチシングル「卒業」は、彼のシングルとしては初めてセールスチャートにランクインし、最高位20位を記録。その後、約３ヵ月近くに渡ってセールスチャートにランクインし続けます。
「この曲は、一般的な社会の中でも、常に人は何か大きな物から支配されている。その支配されている物から、逃れるために、常に人は闘っているんだ。と言うイメージを持って、作ったのではないでしょうか。それが、この歌を聞いた多くの人から共感を呼び、尾崎豊を代表する曲となっている理由でしょう」。
最後に、須藤さんはこう語ってくれました。
世代を超えて歌い続けられる、日本のロックの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．孤独なランナー／ジャクソン・ブラウン
Ｍ２．１５の夜／尾崎豊
Ｍ３．十七歳の地図／尾崎豊
Ｍ４.卒業／尾崎豊
第８７回目の今日お届けしたのは、「岡本真夜/ＴＯＭＯＲＲＯＷ」でした。
「音楽との出会いは、私が小学校に入学して間もない頃です。当時、自宅にあったピアノを、私はおもちゃ代わりに触れるようになって、小学３年生からは、ピアノ教室に通って、バイエルから習い始めました」。
岡本真夜さんは、音楽との出会いについて、こう振り返ります。
1974年1月、高知県中村市、現在の四万十市に生まれた岡本真夜は、地元の中学を卒業後、高知県内の高校に進学します。そしてある日、岡本真夜がたまたまラジオのスイッチを入れた瞬間に流れてきた、ドリームズ・カム・トゥルーの曲が、彼女の運命の扉をノックします。
「小学３年生で、ピアノを習い始め、高校１年生までずっとピアノ一本に取り組んで、将来はピアニストを目指していたんです。それまでは、クラシックを中心に音楽を聴いていたんですが、ある日、ラジオから偶然流れてきたドリームズ・カム・トゥルーの「未来予想図�供廚鯆阿い申峇屐∋笋倭歓箸膨使�が立つような感覚に襲われたんです。「未来予想図�供廚龍覆離┘鵐妊�ングの部分、吉田美和さんが高音で歌う歌声を聞いて、「これだ！」って私は瞬間的に思ったんです。次の日、直ぐにＣＤショップに行って、「未来予想図�供廚�入ったアルバム『LOVE GOES ON』を買いました。この日から、それまでのクラシック一辺倒から、ドリカムに夢中の毎日になっていました」。
ラジオから流れてきたドリカムの曲をキッカケに、岡本真夜は、歌で人々を感動させる素晴らしさを覚え、ピアニストになるのではなく、歌手を目指すことを決意します。それからというもの、岡本真夜は、自分の部屋でラジカセから流れる音楽に合わせて歌ったり、週に何度もカラオケＢＯＸに足しげく通って、毎日歌い続けたと言います。
1991年の夏、岡本真夜は、自らが歌ったデモテープを音楽事務所に送ります。そして、そのデモテープを聞いた事務所からの誘いを受けて、翌年3月、高校を卒業した岡本真夜は、歌手を目指して上京するのでした。
1992年３月、歌手を夢見て上京した岡本真夜は、ヴォイストレーニングとアルバイトに明け暮れる日々を過ごすします。「上京するまでは、いろいろな作家の人達に曲を書いてもらって、単なるひとりの歌手になることを目指していました。ところが、上京して間もなく、スタッフは私にこう言ったんです。「自分で、曲を作ってみたら」って。
それまで、曲を作った経験は全く無く、スタッフの言葉に初めは戸惑いを感じましたが、直ぐに「書いてみよう」、というチャレンジ精神も生まれてきました」。岡本真夜は、当時についてこう振り返ります。
「曲作りの経験は全く無かったので、初めは曲の作り方が分からず、「作曲入門」という本を買ってきて、曲作りを始めました。ただ、本には、コード進行の事しか書いてなく、クラシックばかり聴いていた私にとっては、コード進行がさっぱり分からなくて、初めは「どうしようか」と、頭を悩ませていたんです。ところが、ある日、頭の中に自然とメロディが浮かんで、気がついたら私は鼻歌を歌っていました。その、鼻歌で歌ったメロディを、カセットテープに幾つも録音し、パズルのように組み合わせて曲を作っていったんです。
「それから、色んなシンガーソングライターの曲も聞いて、良い部分を吸収しようとしました。中でも、キャロル・キングは特別でした。彼女の声の存在感、ピアノの弾き語り、彼女の曲には惹かれる部分がたくさんあり、「彼女のようになりたい」という憧れを持つようになったんです」。
その後、ヴォイストレーニングと作曲の日々を送っていた岡本真夜へ、スタッフからシンガーソングライターとしてデビューするための条件が提示されます。
「スタッフは、私に「100曲作る」事を、デビューの条件として出してきました。試行錯誤しながら、曲を作り、結果的に60曲ほどしかできませんでした。しかし、スタッフは、私が頭を悩ませながら曲を作っている姿を見ていてくれたんでしょうね。シンガーソングライターとしての、デビューを認めてくれました」。
上京から、３年近く経った1995年。シンガーソングライターとして、念願のデビューが決まった岡本真夜は、デビュー曲として、彼女が上京して間もない頃に作った、ひとつの曲を選びます。
「この曲は、曲を作り始めた、最初の頃に作った曲です。上京する前、私が住んでいた高知の、仲の良かった友達が、仕事や家族、恋人の事など、色んな悩みを抱えていたんです。その話を聞いて、私はすぐに友達のそばに行って、励ましてあげたい気持ちでいっぱいだったんですが、私は直ぐに行くことはできない。じゃあ、「私は、何ができるんだろうか」と考えた時、「私は、私の歌で友達を励ましてあげたい」と思って、曲を作ることにしたんです。先にメロディを書き、その後、友達に対する想いを歌詞に綴っていきました」。
「実は、初め、この曲は、ミディアムバラードで作っていました。ところが、デビュー曲に選んだ後、TVドラマ主題歌のタイアップが決まって、テレビ局からの要望で、アップテンポの曲に変更することになったんです」。岡本真夜が、故郷高知に住む友達を励ます想い綴った曲、「TOMORROW」は、TBS系テレビのドラマ『セカンド・チャンス』の主題歌として起用され、９５年５月にリリースされました。
1995年5月に発売された、岡本真夜のデビュー曲「TOMORROW」は、セールスチャート初登場６位を記録した後、８週目に最高位１位を記録。その後も、約１年近くに渡って、セールスチャートにランクインし続け、約177万枚の売上を記録する、大ヒット曲となります。また、翌1996年3月に行われた、「第68回選抜高校野球大会」の入場行進曲にも起用されて、日本全国の、多くの人々に愛される曲となります。
「この曲があったから岡本真夜という存在を知ってもらうことができました。私から、この曲に対して“ありがとう”って、感謝を伝えたい曲ですね」。最後に、岡本真夜さんは、こう語ってくれました。
１人の友だちを励ましたいという想いが、日本中の人たちを勇気付けることになった、
J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．未来予想図�供織疋蝓璽爛此Ε�ム・トゥルー
Ｍ２．Ａ Ｎａｔｕｒａｌ Ｗｏｍａｎ／キャロル・キング
Ｍ３．ＴＯＭＯＲＲＯＷ／岡本真夜
第８６回目の今日お届けしたのは、「ＴＨＥ ＢＯＯＭ/風になりたい」でした。
バンドブーム真っ盛りの1986年11月、宮沢和史、小林孝至、山川浩正、栃木孝夫の4人が結成したバンド「THE BOOM」は、翌1987年夏から、東京・原宿で実施されていた歩行者天国での路上ライブ、通称「ホコ天ライブ」から、本格的に活動をスタート。翌1988年には、「CBSソニーオーディション」に見事合格し、その翌年の、翌1989年5月、シングル「君はTVっ子」、アルバム『A Peacetime Boom』でデビューします。
「デビュー当時のTHE BOOMは、「自分達はこんな音楽をやりたい」とか、「こんなバンドになりたい」と言う目標はなく、その時彼らが感じた音楽を、形にしていただけでした」。事務所のスタッフは、当時をこう振り返ります。
その後も、THE BOOMは、ホコ天出身バンドの中では個性的と言える、叙情的なメロディと歌詞で、幅広い音楽ファンから注目を集めていきます。
ただのタテ乗りバンドとは一線を画した音楽性をデビュー当初から発揮していたTHE BOOM。その音楽性をさらに拡げるきっかけとなったのが、1990年9月にリリースされたサードアルバム『JAPANESKA』のアルバムジャケット撮影のために訪れた沖縄でした。沖縄音楽の魅力に引き付けられた彼らは、その後も度々沖縄を訪れるようになります。
1991年冬、宮沢和史は、初めて「ひめゆり平和祈念資料館」へ足を運び、そこで「ひめゆり学徒」の生き残りだという、一人のおばあさんと出会います。本土決戦を引き伸ばす為の「捨て石」となった沖縄地上戦の事実を、おばあさんから初めて聞かされた宮沢は、沖縄の戦争の歴史に衝撃を受け、そんな事実も知らずに生きてきた自分へ怒りさえ覚えて、涙が止まらなかったといいます。宮沢和史が、資料館から一歩外に出た時、彼の目に飛び込んできたのは、静かな風に揺れるウージ(さとうきび畑)の風景でした。「おばあさんに聞いてもらいたい」という願いが込められた曲「島唄」は、1992年1月に発売された、5枚目のアルバム『思春期』に収められます。
1992年1月に発売された、THE BOOM５枚目のアルバム『思春期』に収録された「島唄」。同じ年1992年12月には、「沖縄の人に聞いてもらいたい」と言うバンドの願いを込め、沖縄の方言で歌ったウチナーグチ・ヴァージョンが、沖縄地区限定で発売されます。この「島唄(ウチナーグチ・ヴァージョン)」は、泡盛のCMソングとして起用されて、沖縄地区で大ヒット。翌1993年6月には、標準語で歌った「島唄」のオリジナル・ヴァージョンを、11枚目のシングルとして全国発売し、セールスチャート最高位4位、およそ91万枚の売上を記録。音楽ファン以外の多くの人にも、THE BOOMを認めてもらうキッカケとなります。
「“島唄”が、話題になり始めていた1992年8月から、約半年近く、THE BOOMとしては、バンド活動を休止していました。この活動休止期間中、メンバーは、それぞれソロ活動を行っていて、宮沢は、シンガポールのミュージシャン、ディック・リーからの誘いで、シンガポール、香港、日本で上演されたミュージカル『ナガランド』に、日本人唯一のキャストとして出演したんです。短い期間でしたが、宮沢が『ナガランド』に出演して吸収した、インドネシアの伝統的な器楽合奏音楽「ガムラン」などのアジア音楽は、THE BOOMの次のアルバム作りに大きな影響を与えました」。事務所のスタッフは、当時についてこう振り返ります。
翌1993年2月、THE BOOMは、全国ライブツアーから活動を再開。そして、宮沢がロックオペレッタ『ナガランド』に出演して影響を受けた、アジア音楽を中心に、沖縄音楽、ロック、ファンク、ゴスペルなど多種多様な音楽要素を詰め込んだ6枚目のアルバム『FACELESS MAN』を８月に発売します。また、アルバムに先駆けて7月には、ディック・リーが手掛けた、華やかなコーラス・ワークが印象的な、シングル「真夏の奇蹟」が発売されます。1993年7月、アルバム『FACELESS MAN』に先駆けて発売された、THE BOOM12枚目のシングル「真夏の奇蹟」は、セールスチャート最高位16位、約17万枚の売上を記録します。
同じ年の1993年、宮沢和史は、アルバムレコーディングの合間をぬって、以前から宮沢が大好きだった音楽「ボサノヴァ」に触れることを目的に、ボサノヴァの発祥の地ブラジルを、初めて訪問します。そこで宮沢は、「僕ら日本人の手で、日本で響かせられるサンバを作ってみたい」と思いを抱くようになり、彼自身が、自らの肌で感じたブラジルを、音で表現した、ひとつの曲を書き下ろします。
「THE BOOMとしては、初めて南米のリズムを取り入れた曲です。レコーディングの際、メンバー自身も使い方が分からないような物を含めて、様々な打楽器をスタジオに集めて、色々と試しながらレコーディングを進めていきました」。事務所のスタッフは、当時についてこう振り返ります。
延べ100人にものぼる大編成のパーカッション隊による演奏が圧巻のこの曲は、翌1994年11月に発売が予定されていた、THE BOOMの次のアルバムに収められることになります。
「ロックバンドとしてデビュー後、音楽活動していく中で、宮沢は「日本人である自分の音楽は、何だろうか」と考えていた時に、沖縄音楽と出会いました。そして、その沖縄音楽との出会いをキッカケに、今度はキューバやジャマイカなどへも旅に出掛け、現地で色々な音楽を吸収し、その吸収したものをTHE BOOMの音楽に取り入れてきました。どの場所との出会いも、THE BOOMにとってすべて音楽の魅力がキッカケです。「どうやって、この音楽が生まれたのか」。宮沢は、常に彼自身が旅をして、肌で感じたことを、音にするというスタンスを続けています」。
宮沢和史が、ブラジルを旅し、自分の肌で感じたことを音で表現したこの曲は、1994年11月に発売された、THE BOOM9枚目のアルバム『極東サンバ』に収録され、アルバム発売と同時にスタートした、ライブツアーでも、多くのファンから支持を集めていきます。そして、翌1995年3月、ファンの声にも後押しされて、THE BOOM17枚目のシングルとして「風になりたい」は、発売されるのでした。
1995年3月に発売された、THE BOOM17枚目のシングル「風になりたい」は、セールスチャート最高位19位、約26万枚の売上を記録します。
「この曲は、ステージ上で演奏するメンバーだけが主役になれる曲ではなく、ライブに参加しているお客さんも含め、みんなが主役になれる曲です。ライブでは、お客さんに手作りのシェイカーなどを持ち寄ってもらい、一緒に演奏したこともありました。THE BOOMのメンバーはもちろん、ファンのみんなにとっても、メンバーと一体となって楽しめる曲です」。最後に、事務所のスタッフはこう語ってくれました。
宮沢和史自身が肌で感じた音が、大きな風となって広がっていった、J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．君はＴＶっ子／ＴＨＥ ＢＯＯＭ
Ｍ２．島唄（オリジナル・ヴァージョン）／ＴＨＥ ＢＯＯＭ
Ｍ３．真夏の奇蹟／ＴＨＥ ＢＯＯＭ
Ｍ４．風になりたい／ＴＨＥ ＢＯＯＭ
第８５回目の今日お届けしたのは、「花＊花/あ〜よかった(setagaya mix)」でした。
「おのまきことは、神戸の音楽専門学校「甲陽音楽学院」で出会いました。入学直後のオリエンテーションの日の朝、体調が悪く、不機嫌な顔をしていた私を見て、彼女は「こんな人とは、絶対に友達になりたくない」と思ったそうです。でも、いつの間にか二人は仲良くなって、気がついたら、ユニットを組んで音楽をやっていました。不思議な関係ですよね」。もう一人のメンバー、おのまきこ、との初めての出会いについて、花花のメンバーこじまいづみさん本人は、こう振り返ります。
1995年4月、専門学校で出会った、おのと、こじまの二人は、「音楽」を通して、交流を深めていきます。
「私は、中学時代に、近所の教会で生のゴスペルを聞く機会があったんですが、「何てカッコイイんだろう」って思って、それからソウルミュージックや、R&Bが好きになりました。おのは、高校時代にジャズバンドのピアノを担当していて、流行りの歌謡曲も聞くけど、もっぱらJAZＺを聞いていたそうです」。
二人が大好きな「音楽」をキーワードに、意気投合したこじまとおの。やがて二人は、学校主催のスクールコンサートにユニット「RINCE」を結成し、出演。温かみのある二人の声を耳にした周囲から、高い評価を集め、いつの間にか、二人の活動の場は、学校から近隣のライブハウスへと広がっていきます。
「当時、音楽だけで生活することは考えていなかったので、その後、二人とも別々に就職し、仕事の合間に、神戸のライブハウス「チキンジョージ」など、京阪神のライブハウスで、月１回だったり、週に１回だったり、自分達のペースで、ライブを行っていました」。こじまいづみさんは、こう振り返ります。
1997年、二人が定期的にライブを行っていた、兵庫県尼崎市のライブハウス「ブラントン」が、彼女達の曲２曲を収めたオムニバスCD『CRYSTALS OF DREAM vol.2』を発売します。そのＣＤが、複数の人を介して、インディーズレーベル「エイジップミュージック」のスタッフの手に渡り、二人のユニットRINCEはインディーズレーベルからデビューの誘いを受けます。「最初は、怪しいと疑ったけど、CDを作って発売することは悪い話じゃないし、やってみようか！」。二人はそんな軽い気持ちで、1998年11月、ユニット名を「花花」と改め、インディーズ１ｓｔシングル「こたつと毛ガニの巻」を発売します。
「こたつと毛ガニの巻」でインディーズデビューした花花は、京阪神のライブハウスでの演奏活動や、CDショップでのインストアライブを中心に、活動の場を広げていきます。「インディーズとはいえ、自分達のCDが初めて完成して手元に届いた時は、あまりにも嬉しくて、両親、親戚はもちろん、友達にも配って、レコード会社の人から笑われました。まさか、自分達がプロになるんて夢にも思っていなかったし、CDを発売するなんて、考えてもいなかったので、嬉しくてはしゃいでいたんですね」。こじまいづみさんはこう振り返ります。
「CDショップで、インストアライブを行った時、自分達の演奏を聞いてくれたお客さんが、目の前でCDを買って帰ってくれる風景を見た時、改めて自分達がCDを発売したんだ、と言う実感を覚えました。と同時に、使い捨てのように曲を作って売るだけではない、どの時代になっても変わらない、普遍的で、スタンダードな曲を作っていくことを心がけよう、と心に誓いました」。
花花は、インディーズ1stシングルを発売した後も、翌年、1999年の1月、3月、4月と、ほぼ毎月のペースで曲を発売。６月には、１stアルバム『11songs』も発売、積極的な活動を続けていきます。
「アマチュア時代から、二人の曲作りの基本的な考え方は変わっていません。それぞれが別々に、曲を作って、ある程度曲が貯まった段階で、まず二人だけで曲の発表会を行って、曲を絞ります。その後、スタッフに聞かせて、曲を完成させるんです。歌詞も、特別な事ではなく、二人が普段生活している、半径５m以内で起こっている出来事をそれぞれが歌詞に綴っています」。1999年６月、花花はアルバム『11songs』と5枚目のシングルをリリース。そして11月には、６枚目のシングル「ずっと一緒に」を発売します。
1999年11月に発売した、花花のインディーズ６枚目のシングル「ずっと一緒に」。毎日放送の情報番組『ちちんぷいぷい』のエンディングテーマ曲として起用されたこの曲が、毎日TVから流れ始めた頃、花花に、ある話が舞い込みます。「シングル「ずっと一緒に」の発売直後に、ワーナー・ミュージック・ジャパンから、メジャーデビューの誘いがありました。実は、６月に発売した、５枚目のシングルが、FM802のヒットチャートで２位になったんですが、ラジオで頻繁に流れる来るこの曲を聴いた、ワーナー・ミュージック・ジャパンの担当者が連絡をしてきたんです」。
インディーズでありながら、FMラジオ局のヒットチャートを賑わし、関西では一躍注目を浴びる存在となっていた花花。突然舞い込んだメジャーデビューの話に、花花は、戸惑いもなくメジャーデビューの話を受け入れます。「インディーズデビューの時ほど、驚きはありませんでした。ただ、活動の場が関西から、全国へ広がっていくんだな、というぐらいの感覚でしたね」。
翌2000年、花花メジャーデビューに向け準備がスタート。花花は、1stシングルとして、メジャーデビューのキッカケを作った曲を、1stシングルとして選びます。「レコード会社のスタッフも、この曲を1ｓｔシングルとして発売することに賛成でした。「ラジオで多くの人たちの支持を集めたこの曲は、一度聴いた人を引き付ける力を持っている。デビュー曲は、絶対この曲しかない」と、賛成してくれました」。
「この曲は、専門学校を卒業した年、私の友人が結婚することになって、その御祝のために作った曲です。かわいいファンクを作ってみたいと思い、プチ「Jackson5」風で作った曲です。歌詞は、「こんな恋愛がしてみたいな」と言う、自分の恋愛願望を綴っています。歌詞のサビの部分は、歌った時に、その場に居る人達みんなが、合唱できるように作りました」。曲を作った時の様子について、こじまいづみさんは、こう振り返ります。
曲のアレンジを、より多くの人達に聴いて受け入れてもらうために、POPＳ調にアレンジし直した、花花のメジャー1stシングル「あ〜よかった(setagaya mix)」は、2000年7月発売されます。
2000年7月に発売された、花花のメジャー１ｓtシングル「あ〜よかった(setagaya mix)」。オリコンセールスチャート最高位5位を記録、およそ半年近くに渡ってチャートにランクインし続けるロングヒット曲となります。
「二人が作った曲は、この「あ〜よかった(setagaya mix)」以外にも、まだまだ沢山ありますが、この曲は、かわいい自分の子どものような感じがします。自分達がライブで歌うのはもちろんですが、aikoさんがラジオ番組の中でこの曲をカバーしてくれたり、他のアーティストの方々も、カバーしてくれています。みんなに愛され続けられているこの曲へは、嬉しくて何とも言えない親心がいっぱい詰まっていますね」。
最後に、こじまさんはこの曲について、こう振り返ってくれました。
女性の素直な恋愛願望が生んだ、J-POPラブソングの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ナチュラル・ウーマン／アレサ・フランクリン
Ｍ２．こたつと毛ガニの巻／花＊花
Ｍ３．ずっと一緒に／花＊花
Ｍ４．あ〜よかった（setagaya mix）／花＊花
第８４回目の今日お届けしたのは、「尾崎紀世彦/また逢う日まで」でした。
「彼と初めて出会ったのは、確か1966年、四国で行われたライブだったと思います。当時彼は、カントリー・ウエスタン・バンド「ジミー時田とマウンテン・プレイボーイズ」のメンバーで、僕は、コーラスグループ「ザ・タドポールズ」のメンバーでした。お互いのバンドと、佐良直美を加えた３組が共演したジョイントライブでした」。尾崎紀世彦との初めての出会いについて、後に彼の制作ディレクターを務める小栗俊雄さんは、こう振り返ります。
ジョイントライブで出会った尾崎紀世彦と小栗俊雄の二人は、小栗が在籍していた「ザ・タドポールズ」の、もう一人のメンバー朝紘一が、尾崎紀世彦と同年代だったことから、すぐに打ち解けます。それぞれ立場は違うものの、尾崎紀世彦と小栗俊雄、そして朝紘一の３人は、「音楽」と言う共通のテーマを通して意気投合、３人で新しいグループの結成を決意します。
「在籍していた、「ジミー時田とマウンテン・プレイボーイズ」、「ザ・タドポールズ」に、３人とも不満はありませんでした。しかし、将来の事を考え、自分達で何か新しい事にチャレンジしてみたくなったんですね。３人で何度か話をし、出した結論が、新しいグループの結成でした」。当時について、小栗さんはこう振り返ります。
1967年1月、尾崎紀世彦、小栗俊雄、朝紘一の３人が結成した、コーラスグループ「ザ・ワンダース」。ザ・ワンダースは、銀座「タクト」や新宿「アシベ」と言ったジャズ喫茶や、全国各地の米軍基地での演奏を中心に音楽活動をスタートさせます。当初はザ・ウォーカー・ブラザーズ、ビートルズなどのカバー曲を中心に歌っていたザ・ワンダースでしたが、8月に、シングル「明日への道」とアルバム『ニューカマー・ザ・ワンダース』でレコードデビューします。そして、同じ年の10月に、ザ・ワンダースがバンド名を変えて発売したある曲が、後に彼らの存在を大きくクローズアップさせるキッカケとなるのでした。
1967年10月、ザ・ワンダースが、グループ名を「ジ・エコーズ」と改名して発売した「ウルトラセブンの歌」。「この「ウルトラセブンの歌」は、当時、僕らが契約していた事務所「日音」が、TBSテレビの仕事に携わることが多く、その関係で歌うことになりました。しかし、僕らが契約していたテイチクレコードとの契約上の問題で、ザ・ワンダース名義では曲を発売できないという話になり、急遽、グループ名を変えて発売することになったんです」。小栗さんは、曲を発売する時の経緯について、こう振り返ります。「曲の頭、「セブン、セブン、セブン、セブン」と言う歌詞の、３番目のセブンを歌っているのが尾崎紀世彦です。また、曲のメインボーカルを務めているのも、尾崎紀世彦です。当時から、尾崎紀世彦の声の張り、力強さなどボーカルとしての素質は際立っていましたね。ザ・ワンダースとしては、中々ヒット曲を出すことはできませんでしたが、後にジ・エコーズ名義でTV主題歌やCＭソングを歌った話が世の中に知られるようになった時、ザ・ワンダースも再評価されるようになったんです」。その後も、ザ・ワンダースとしてライブ活動を行い、ジ・エコーズ名義でTV主題歌やCMソングを歌っていた尾崎、小栗、朝の３人は、1969年の秋、「日音」の村上プロデューサーから、ある提案を受けます。「村上さんからの提案は、「ザ・ワンダースを結成して２年半。思うように結果も出ないから、グループを解散し、それぞれ別々の道を歩んではどうか」ということでした。突然の話でしたが、３人は将来を考え、ぞれぞれ別々の道を歩むことを決めました」。
村上プロデューサーからの提案に、小栗は制作スタッフ、朝は作詞家への道を歩むことになります。そして、尾崎紀世彦は、彼が持つ声の太さ、張りに魅力を感じていた村上プロデューサーが、ソロボーカリストとしての道を歩むことをすすめ、翌1970年8月、シングル「別れの夜明け」でソロデビューします。
1970年8月、シングル「別れの夜明け」でデビューした尾崎紀世彦。本格派ボーカリストとしてソロ活動を始めた尾崎紀世彦の評価は、音楽関係者の間で話題となります。翌1971年、尾崎紀世彦２枚目のシングルを作るにあたって、村上プロデューサーは、彼の頭の中で気になっていた、ある曲を、尾崎紀世彦に歌わすことを考えます。「村上プロデューサーが、尾崎紀世彦に歌わそうとしていた曲は、もともと作曲家の筒美京平さんが、三菱電機のＣＭソングとして作った曲でした。しかし、曲を作ったものの、スポンサー側の都合で土壇場でキャンセル。日の目を見ることなく、消えていく運命にあった曲だったんです。ところが、その後、作詞家の阿久悠が歌詞を書き直し、1970年2月に、GSグループの「ズー・ニー・ヴー」が「ひとりの悲しみ」というタイトルで発売することになるんです。」
「ズー・ニー・ヴーの「ひとりの悲しみ」は、日米安保で挫折した青年の孤独をテーマに描いたものでしたが、残
念ながら、ヒットはしませんでした。しかし、村上プロデューサーは、「メロディは問題ない。聴く人が分かりやすく歌詞を書き直し、尾崎の力強い声で歌えば、この曲が持っている良さは、必ず聴く人の心を掴み、ヒットする」、と考えていたようです。」「そこでまず、ズーニー・ヴーの曲を、尾崎がテスト録音したんですが、そのテスト録音を聞いた瞬間、村上プロデューサーも、僕も「これだ。絶対売れる」と確信しました。それで村上さんは、「ひとりの悲しみ」を作詞した阿久先生に、改めて歌詞を書き直してくれるように頼みに行ったんです」。小栗さんは、当時についてこう振り返ります。村上プロデューサーの、度重なる依頼に、「ひとりの悲しみ」を作詞した阿久悠は、歌詞を書き直すことを了承します。「歌詞は書き直しましたが、メロディアレンジは「ひとりの悲しみ」と同じです。唯一こだわった点は、曲のイントロに使われた、太鼓です。曲にダイナミックなスケール感を出すため、この部分は、太鼓の音の大きさにこだわり何度も録り直しました」。「尾崎が歌う、ボーカルパートも完成し、最後に曲のサビに、コーラスを加えることになりました。コーラスは、尾崎、僕、そして朝の３人、つまりザ・ワンダースの元メンバー3人が担当しました。曲をよく聞くと分かりますが、サビの部分は３人のコーラスを重ねているんですが、やはり尾崎の声が強く、まるで一人が歌っているようにしか聞こません。可笑しいですよね」。小栗さんは、レコーディングの時の様子について、こう語ってくれました。こうして、1971年3月、「ひとりの悲しみ」改め、「また逢う日まで」は、発売されます。
1971年3月に発売された、尾崎紀世彦２枚目のシングル「また逢う日まで」は、セールスチャート最高位1位を９週連続で獲得、約96万枚の売上を記録します。また、この年の日本レコード大賞と日本歌謡大賞も受賞します。「この曲は、尾崎紀世彦を代表する曲であると同時に、彼がもつ声の強さ、張り、艶。ボーカリストとしては申し分の無い彼の魅力が、最大限詰まった曲です」。最後に、小栗俊雄さんはこう語ってくれました。
尾崎紀世彦のボーカリストとしての魅力を最大限に引き出した、日本歌謡界に燦然と輝く名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ダンス天国／ザ・ウォーカー・ブラザーズ
Ｍ２．ウルトラセブンの歌／ジ・エコーズ＆みすず児童合唱団
Ｍ３．別れの夜明け／尾崎紀世彦
Ｍ４．また逢う日まで／尾崎紀世彦
第８３回目の今日お届けしたのは、「ＳＯＦＦet/Ａｎｓｗｅｒ」でした。
「YoYoと初めて出会ったのは、小学５年生の時。転校してきた彼と、同じクラスになり、一緒にバスケットボールをして遊ぶようになりました。その後、当時流行っていたNBAのビデオを見て、BGMで流れるラップやヒップ・ホップを耳にし、「自分達も、こんな音楽を歌えたら格好いいな」と思い始めたんです。その後、僕らが中学に進学した頃、日本でもスチャダラパーや下町兄弟などのラップやヒップ・ホップミュージシャン達の存在感が出始め、僕もYoYoと一緒に、最初はお互いの家の中で、ギター片手に、ラップやヒップ・ホップを歌い始めました」。
ふたりの出会い、そして音楽と出会ったキッカケについて、GooFさん本人はこう振り返ります。
1995年、中学３年生になったGooFとYoYoのふたりは、ますますラップとヒップ・ホップの魅力に取りつかれ、独学でオリジナル曲を作るようなり、地元東京・吉祥寺のライブハウスで、ワンマンライブを行うようになります。翌1996年には、すでに、ライブハウスに200人近くを集める、ラップ・ユニットとして、地元では、一躍注目を浴びる存在になっていきます。しかし、1999年、YoYoがアメリカ・バークリー音楽院に単身留学。その間、GooFは、ひとりで音楽活動を続けます。
「2000年に、YoYoがアメリカから帰国したんですが、確か、その翌年2001年だったと思います。二人で作ったデモテープが、複数の人の手を介して、今の事務所のスタッフの手に渡っていったんです。ある日、デモテープを聞いた事務所のスタッフから、「デモテープを聞いたんだけど、ウチの事務所に入って、デビューしないか？」と連絡がありました。その後は、自分達でも驚くぐらいのスピードで、デビューが決まっていきました」。
GooFさん本人は、デビューが決まる時の様子について、こう振り返ります。
2002年7月、SOFFetはインディーズレーベルからミニアルバム『ソッフェのぽかぽかミュージック』を発売。インディーズ盤として、好調なセールスを記録したことで、SOFFetは音楽関係者の間で話題を呼び、翌2003年3月、注目が集まる中、SOFFetはシングル「君がいるなら☆」で、メジャーデビューします。
2003年3月、1stシングル「君がいるなら☆」でメジャーデビューした、SOFFet。
「デビュー当時、YoYoと僕は、他のラップやヒップ・ホップミュージシャンと同じスタイルで音楽をやっても、SOFFetとしての個性が無かったら、ダメだと考え、SOFFetの音楽に取り込もうとしたのが、YoYoがバークリーに留学した時に学んだJAZZでした。ラップとJAZZを融合させることで、SOFFetならではの、個性的な音楽スタイルが確立できるのではないかと考えたんです」。GooFさん本人は、デビュー当時についてこう振り返ります。
2003年3月に発売した、SOFFetの1stシングル「君がいるなら☆」は、チャート最高位50位、11週間にわたってセールチャートにランクインします。「メジャーデビューし、まずまずの結果が出て、とくに根拠は無かったけど、インディーズ時代には思わなかった「俺達はやれるぞ！」と言う自信が、不思議と湧いてきました」。デビューシングル発売から、２ヵ月後の５月、そして７月と立て続けにシングルを発売したSOFFet。8月には、1stアルバム『Carnival』を発売。アルバム『Carnival』は、セールスチャート初登場15位を記録し、SOFFetが感じていた、「プロの世界でも通用する」、と言う自信は、確信へと変わっていきます。
2003年11月、SOFFetは、デビューからわずか9ヵ月目にして、早くも4枚目となるシングル「人生一度」を発売します。
2003年11月、SOFFet４枚目のシングル「人生一度」。「この曲は、発売直後から、SOFFetのホームページのBBSに、曲に対しての賛否両論のメッセージが100通近く寄せられたんです。曲を作ったのは、2000年、デビュー前の大学生の時です。人生は、一度キリしか無い。やりたい事が見つかっている今、それを生涯貫いてやり通したい。簡単な道でないことは分かっているけど、必ずモノにしてやる。そんな気持ちから作った曲です。最初に、私小説的なシナリオを書き、最初から最後までしっかりとした時間軸を追って作ったのは、この曲が初めてで、この曲の具体的なストーリー展開が、ファンの間で賛否両論の評価に繋がっていったんでしょうね」。
SOFFetにとって、意義深い曲となった4枚目のシングル「人生一度」。その後も、順調に活動を続けるSOFFetは、2004年8月に、2ndアルバム『SWINGIN’ BROTHERS』を発売。ジャズ、クラシック、ロックと様々なジャンルの音楽の要素を取り入れ、歌とラップを自由に作りあげた音楽は、SOFFetのクオリティの高さを示すアルバムとして、音楽関係者から高い評価を得ます。2006年8月、SOFFetは、レコード会社をワーナーミュージック・ジャパンかえらrhythm zoneに移籍。同じ8月に発売した、移籍第１弾シングル「everlasting one」は、発売直後にFM各局で
支持を集め、週間OAチャートの１位を獲得します。
翌2007年1月、約2年半ぶりにアルバム『ココロフィルムノート』を発売。佐藤竹善、スキマスイッチなども参加したアルバム『ココロフィルムノート』は、SOFFetの個性溢れる音楽性の進化を感じとった、ファンのみならず、音楽関係者からも高い評価を得ます。そして、2007年5月末から６月にかけて、SOFFetと同じ事務所に所属するヒップ・ホップ・グループ「エイジアエンジニア」と、全国19ヵ所を回るライブツアーを終えた７月に、次のシングルを発売します。
「この時までに発表した曲で、SOFFetらしさは、ある程度完成された、と思っていました。そこで、敢えてもう一度「SOFFetの音楽とは？」という事を、世の中に問いただしてみたかったんです。GooFとYoYo、二人のスタイルから、世間では、SOFFetは若いミュージシャン、と言うイメージを持たれていると思ったので、そのイメージを払拭するためにも、新しい大人の音楽を作ってみたかったんです」。曲を作るキッカケについて、マネージャーの溝口さんは、こう振り返ります。
「この曲は、“偽りのこの世界 どこにも答えはない でもそれが答えじゃない”と書かれた曲のサビの歌詞がポイントです。一見、歌詞だけを読むと、ネガティブに捉えられますが、本当の意味は、閉塞感のある世の中だけど、世間で言われていることが、決して正しい答えではないんだよ。というメッセージを込めています」。
「また歌詞が、英語と日本語のミックスになっているのは、SOFFetらしさを出すためでもありました。YoYoは、留学経験もあり、日常会話なら、全く困らないほど英語を喋ることができます。日本語では巧く表現できない歌詞も、英語で表現すれば巧く表現できることだってあるんです。だったら、英語と日本語を巧くミックスした歌詞にすれば、SOFFetらしさが表現された曲になるし、より深いメッセージを発信できるのではと、考えたからです」。マネージャーの溝口さんは、こう語ります。
2007年7月、SOFFetが新たなチャレンジとして取り組んだ11枚目のシングル「Answer」は、発売されます。
2007年7月に発売された、SOFFet11枚目のシングル「Answeｒ」。力強さ・メッセージ性のある歌詞で、話題を呼び、USENへの問い合わせが殺到。発売直後から、約３ヵ月に渡ってUSENチャートのTOP20上位にランクインし続けるロングヒットとなります。「曲を作る、産みの苦しみはもちろんですが、それまでオリジナリティを追求し続けてきたSOFFetの音楽を、どうPOPＳに昇華させるか、最後の最後まで悩んだ曲です。ライブでお客さんがこの曲を聞いた時に見せる反応が、本当に、僕らの悩み抜いた気持ちを救ってくれました。SOFFetを次のステージへ導いてくれた曲です」。
最後に、GooFさん本人はこう語ってくれました。
SOFFetの音楽が、POPSのステージへ昇った、J-POPバラードの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ミモザの咲く頃／笹本安詞＝下町兄弟
Ｍ２．君がいるなら☆／ＳＯＦＦet
Ｍ３．人生一度／ＳＯＦＦet
Ｍ４．Ａｎｓｗer／ＳＯＦＦｅｔ
第８２回目の今日お届けしたのは、「ＡＳＫＡ/はじまりはいつも雨」でした。
「もともと僕は、ソロとして音楽活動を始めたんですが、ポプコンに出場するときに、ヤマハのディレクターからの提案で、チャゲとユニットを組んで出場することになったんです。それで、気がつくと「チャゲ＆飛鳥」としてデビューが決まっていました。その後、チャゲ&飛鳥として活動していくわけなんですが、当初から「ソロとしての活動もしたい」と、何度となく事務所に話をしていました。しかし、周囲に誤解を与えてはいけない…という理由で、その頃は、却下されていたんですね。その後、ASKA個人名義で他のアーティストに提供した曲も増え始め、そろそろソロ活動してもいいんじゃないかと、改めて事務所にお願いしたんです」。1987年、ソロアーティストとしてデビューするキッカケについて、ASKAさん本人はこう振り返ります。
1958年2月、福岡市博多区に生まれたASKAは、17歳の時、同郷のミュージシャン井上陽水のアルバム『氷の世界』を聴き、音楽が持つ表現力の素晴らしさに感銘を受け、自らもギター片手にオリジナル曲を作り始めます。1976年、ASKAは7人組バンド「葡蘭湖」(ぶらんこ)のメンバーのひとりとして、ヤマハのアマチュアバンドコンテスト「第13回ポプコン」福岡大会に出場しますが、予選で敗退。その後ASKAは、バンドではなく、ソロアーティストとして、大学の学園祭やイベントで歌い始め、1978年春には、高校の同級生のチャゲも出場した「第15回ポプコン」福岡大会で、最優秀歌唱賞を受賞。チャゲとASKA、それぞれの歌唱力に注目したヤマハのディレクターからの提案で、ユニット「チャゲと飛鳥」として本選に出場し、優秀曲賞を受賞。翌1979年春の「第17回ポプコン」にも2人で出場、入賞したチャゲ＆飛鳥は、終にデビューが決まります。
1979年8月、チャゲ&飛鳥は、シングル「ひとり咲き」でデビュー、ライブを中心に活動の場を全国に広げていきます。翌1980年9月、チャゲ&飛鳥３枚目のシングル「万里の河」が、セールスチャート最高位6位、半年近くに渡ってセールスチャートにランクイン。約53万枚の売上を記録するロングヒット曲となり、チャゲ&飛鳥は、当時のいわゆるニューミュージック代表するユニットとして、人気を集めていきます。
その後、ASKAは、チャゲ&飛鳥として活動する一方で、ソングライターとして、他のミュージンシャンへ曲提供を始め、1987年には、光GENJIに提供した「STAR LIGHT」「ガラスの十代」が、2曲連続でセールスチャート１位を獲得。ASKAは、ソングライターとしての才能を開花させていきます。
そして、1987年9月、ASKAは自らも俳優として出演したテレビ朝日系ドラマ『新撰組』の主題歌「MY Mr.LONELY HEART」で、ソロデビューします。
1987年9月、ASKAソロ1stシングル「MY Mr.LONELY HEART」は、セールスチャート最高位16位、約2万8千枚の売上を記録。翌1988年7月には、CHAGE&ASKAの活動と並行しながら、2枚目のソロシングルとして、
シブがき隊に提供した曲「MIDNIGHT 2 CALL」を、セルフカバーします。
「CHAGE&ASKAは、アルバムを作る時、まずCHAGE、ASKAそれぞれが、ある程度まで曲が完成した段階で、お互いの曲を持ち寄り、それから、ボーカル、コーラスの分担を決め、曲を仕上げていきます。ユニットと言えども、どちらかと言えば、それぞれのソロワークの延長線上にユニットがある、そんな感じですね。だから、ASKAが、彼自身のソロの曲を作る場合も、作業はほぼ同じです。曲作りの最終作業までを一人でやる、違いはそれだけです。ただ、ソロの場合、曲を作る時、歌う時の世界観も、ASKA自身の中で想像し、やりたいことを作って歌っていくので、CHAGE&ASKAの曲とは、自由度が全く違いますね」。
「それから、ASKAは、曲を作るとき、歌詞ではなく、メロディを先に作ります。まず曲のテーマを作って、そこからイメージ広げてメロディを作っていきます。そして、曲が完成した段階で、歌詞を書いていきます。歌詞も、一語一句、丁寧に言葉を選び、曲を聞いたみんなに歌詞の内容を理解してもらえるように、分かりやすい言葉で書いていきます。たとえ曲が８割近く完成し、残り２割になっていたとしても、ただその２割を埋める作業ではなく、完成していた８割を壊してでも、彼はいい曲を作ろうとしています。それだけ、ひとつの曲を作る作業に、こだわって作っているんです。いつも、「人間に喜怒哀楽があるように、言葉にも無限の広がりがあるから、これで終わり、と思ったらいけない」って、言ってます」。プロデューサーの越前さんは、ASKＡの曲作りの特徴について、こう語ります。
1988年8月、ASKＡは、ソロとしては初のアルバム『SCENE』を発売します。
「僕自身、それまでCHAGE&ASKAの一人としてしか見ることができなかった音楽を、ソロアーティストASKAとしても見ることができるようになり、音楽をより多面体的に見られるようになりました。それまでCHAGE&ASKAの音楽しか聞かなかったファンの人達も、色々な角度から僕の音楽を聞いてもらえるようになったと思います」。ソロとして初のアルバム『SCENE』を発売した当時の、自身の音楽観の変化について、ASKAさんはこう振り返ります。
ASKAが他のアーティストに提供した曲をセルフカバーした曲や、子どもの頃から大好きで、よく歌っていた「蘇州夜曲」も収められた、１ｓｔソロアルバム『SCENE』。このアルバムは、セールスチャート最高位３位、約11万枚の売上を記録します。
1990年の秋、引き続きCHAGE&ASKAとして活動するASKAの下へ、「ソロとしてTVCMソングを提供してもらえないだろうか？」という話が、舞い込みます。
「この曲は、TVCMソングとして作った後、シングル化するという話もありましたが、CHAGE&ASKAの活動中だったので、一度は断ったんです。しかし、再度依頼され、TVCMに使う、曲のサビ部分だけを作ることにしました」。
「実は、高校生の頃、父親が買った『映画音楽大全集』をいつも聴いていたんですが、この曲を作るときに、映画音楽をモチーフに曲を作ったら、どんな形で曲が流れていくのかって考えて、 映画音楽をよく聞いていた当時を思い出しながら、メロディを作っていきました」。
「曲が完成して、次に歌詞を作る時、雨をテーマに書いてみようと思いました。普段、人が生活する中で、「肝心な場面で、雨が降ったら嫌だなぁ」、って思う時がよくありますよね？ そのシーンを頭の中でイメージし、歌詞を綴りました。CMで曲が流れ始めると、「だれの曲」って問い合わせが数多く寄せられたそうです。そこで、改めて曲のAメロ、Bメロを作っていきました。実際に作りだすと、あっという間、数日で完成しました」。
ASKAは、曲を作った当時の事についてこう振り返ります。
1991年3月、その夏に発売を予定していた２枚目のソロアルバムに先駆けて、ASKA３枚目のシングル「はじまりはいつも雨」は、発売されます。
1991年3月に発売された、ASKA３枚目のシングル「はじまりはいつも雨」。パナソニック「HALF(は-ふ)コンポ」のTVCMソングとして起用されたこの曲は、セールスチャート最高位2位を記録。また1991年5月に公開された映画『おいしい結婚』の主題歌にも起用され、発売から半年後の1991年9月には、ミリオンセラーともなり、現在までに約116万枚の売上を記録するヒット曲となりました。
「それまで、数多くの曲を作ってきたけど、この曲は、自分の中で、初めてイメージ通りに作ることができた曲です。そして、その曲が、ヒットし、世の中の人にも認めてもらうことができた。いい仕事ができたな、って納得できた曲です」。
ソロアーティスト、ASKAが本当の意味で独り立ちした、J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．氷の世界／井上陽水
Ｍ２．ＭＹ Ｍｒ．ＬＯＮＥＬＹ ＨＥＡＲＴ／ＡＳＫＡ
Ｍ３．蘇州夜曲／ＡＳＫＡ
Ｍ４．はじまりはいつも雨／ＡＳＫＡ
第８１回目の今日お届けしたのは、「森山直太朗/生きてることが辛いなら」でした。
母親は歌手・森山良子、父親は元歌手のジェームス滝、そして祖父はジャズトランペッターの森山久、と言う音楽一家のもとに生まれた森山直太朗。直太朗は、小学校に入学すると、音楽ではなく、サッカーに夢中になります。それは、音楽の素晴らしさを、普通の人以上に知り、肌で感じていながらも、それ以上に音楽の仕事の難しさを、家族の背中を見て育った、森山直太朗自身がひしひしと感じていたからでした。
その後、テレビを通して、世界の一流選手の華麗なプレーに憧れた森山直太朗は、中学・高校では、サッカー部の主将を務めるほど、サッカーにのめり込みます。そんな中、直太朗の一年後輩、現在の御徒町凧との交流が、森山直太朗を音楽の世界へ引きずりこむキッカケとなります。
「きっかけは、文化祭とか学園祭があるじゃないですか。その時に、彼が「のど自慢大会に出るんだけど、みんなはカラオケを使って歌うけど、僕はみんなと違って自作の曲を作って出場したい」と言って、ある種みんなのやり方とは違う、逆手にとったやり方をしたい話になりました。そこで、「じゃあ何か曲を作ってみる？」という話になりました。御徒町凧は、サッカー部の一年後輩で、その前から、我が家に入り浸るようになっていました。僕の母親・森山良子の事も全然分かってなく、いつも夜、うどんを作ってくれる、優しいおばさんぐらいしか認識してなく、それぐらいあっけらかんとしていました。その流れで、「今度文化祭で歌うんだよね」「そうなんだ」「じゃあ、曲を作ってみようか？」というのが、キッカケだったような記憶がおぼろげながらあります。
その後、森山直太朗は、成城大学に進学後も、プロのサッカー選手を夢みて、毎日サッカー漬けの日々を過ごします。しかし、大学２年生の時、「同じ環境にずっと居座り続けると、いつか煮詰まってしまう。サッカーを嫌いになったわけではなく、向き合えば向き合うほど、同じ環境にいちゃいけない」という彼自身の考えから、サッカーと決別。“プロのサッカー選手”という目標を取り下げた森山直太朗は、「母・森山良子に歌ってもらいたい」という思いから、ある曲を作ります。それが、森山直太朗初期の代表曲「高校３年生」でした。
「情景としては、高校3年生の自分の事を回想しながら作ったのを覚えています。非常にオーソドックスだけど、ベタな設定ですよね。自分が初めてギターを奏でたような感覚、曲を作ることの響きに酔いしれながら作っていたちょうな気がします」。
「高校三年生に関しては、できあがった曲を御徒町凧と、一番最後に、この曲はどういう形がいいんだろうか、と話し合いをしましたが、しかし、その時御徒町凧は、「自分は手をつけられない。逆を言うと、責任がもてない。かかわりたくない」と言いました。もうこれは君のアルバム、いわゆる卒業写真達の並びだから、俺が手を加えて楽曲のクオリティはあがるかもしれないけど、曲が持っているピュアネスが失われた時に、音楽を失ってしまうものがあるかもしれない、という判断で、この曲だけ僕のクレジットです」。
2001年3月、森山直太朗は、「高校３年生」を含むミニアルバム『直太朗』を、本名ではなく、“直太朗”名義で発売、インディーズデビューします。翌2002年10月、本名の森山直太朗名義で、ミニアルバム『乾いた唄は魚の餌にちょうどいい』でメジャーデビュー。翌2003年3月に発売した、シングル「さくら(独唱)」が、セールスチャート最高位1位、120万枚の売上を記録、セールスチャートに２年半近くもランクインし続ける大ヒット曲となります。
その後も、森山直太朗は、叙情的な詞の世界と、独特な歌声で注目を集め、日本を代表するシンガーソングライターとなっていきます。そして、2007年秋のある日、御徒町凧の部屋を訪れた森山直太朗は、一編の詩に出会うことになります。
「御徒町凧の家に遊びに行き、僕がポエムを見ました。１枚の紙に縦に書かれたそのポエムは、考え抜いてもたどり着けないような圧倒感がありました。山を見るような感じがありましたね。僕らが生まれる前から、あったような宇宙がその詩の中にはあったような感じで。そこそこ生きてきたけど、こんな気持ちになったことはない。と感じました」。
御徒町凧が綴った、その詩の存在感に圧倒される森山直太朗。森山直太朗から歌が流れだします。
「その詩を読んだ後に、曲はできていました。口には出していないけど、曲が歌っているから、後は、メロディを吸い上げるだけ、という感じでした。詩が歌われようとしている、と言うような。これは歌詞ではなく、じゅんぜんたるポエムですから。そこにメロディをつけるという事は、おこがましく、出しゃばったことなんです。
ただ歌っているんです。また違う形に変え、キャッチしようとしているのが自分で分かったので、自分が聞いたことを形にして、聞いてもらうことにしました。「ちょっと聞いてみて」と。できた瞬間に、世に出すつもりはありませんでした。そこで、またひとつ不思議な歌ができたなぁ、って感じました。そんな気持ちで、他の人に聞かすつもりはなかったし、自分達のストックができた、というだけで。他の人に聞かそうとする気持ちが、この曲にとっては邪魔な事だったと思います。だから、そっと閉まっておきました」。
二人の中で、そっとしまっておくはずだったこの曲。しかし、TVCMへの曲提供の話から、この曲は世の中の人々の前に出ていくことになります。
「医療専門学校のTVCMの話があった時、候補曲へのスタッフの反応は今ひとつで、僕も森山直太朗も困り果て、「もう曲ないね」と悩んでいた時、忘れかけていたこの曲の事を思いだしたんです。「歌詞の中に“死ぬ”、という言葉があったし、医療専門学校のTVCM曲としてはどうなんだろかと思ったんですが、デモテープを聞いた、クリエイティブディレクターが「申し分ありません」と言ってくれたんです」。詩を書いた、御徒町凧さんは、こう振り返ります。
「申し分ありません」。ＣＭディレクターのこのひと言で、TVCM曲として起用されたこの曲は、リリース日が決まっていない段階で、今度は、この曲を聞いた番組制作プロデューサーの強い要望で、NHKの音楽番組で、はじめて多くの人たちに披露されることになります。
「NHKの番組で、歌わせていただいたのが最初で、その時初めて世界に溶けた…感触がありました。歌う曲の候補を挙げた時、「とにかくこの曲を歌って欲しい、この番組で」、と言われました」。
2008年6月8日、森山直太朗がこの曲を歌ったNHK『SAVE THE FUTURE エコうた』が放送された当日、秋葉原であの通り魔事件が起こります。「生きてることが辛いなら、いっそ小さく死ねばいい」と歌い始められる「生きてることが辛いなら」。様々なメディアで賛否両論の反響が飛び交う中、2008年8月、シングルとして発売されます。
2008年8月に発売された、森山直太朗16枚目のシングル「生きてることが辛いなら」。リリース当初は物議を醸したこの曲も、その歌の真意が少しづつ広まるにつれ、歌の評価は高まって生き、2008年の「日本レコード大賞」作詞賞を受賞。そして、大晦日に行われた「第59回NHK紅白歌合戦」で森山直太朗は、アコースティックギター１本弾き語りで、この歌を歌いあげます。
「この曲を歌う時は、いついかなる場所でも、己を消して歌わないといけないんです。聞いてくれ、と思って歌うと、曲の純度を低くしてしまうような気がします。だから、できるだけ、「光れ、響け」と思いながら歌っています。僕は肝っ玉が小さい人間なので、紅白のような大きな舞台に立った時、どこかで、挫けないように、凛として、寄りかからないように、曲を歌おうとしています。でも、紅白の映像を見直してみると、結構てん張っていますよね。でも、歌い手はてん張ってなんぼだと思います。そこを乗り越えて、どうやって歌を伝えようかという所に、作品にリアリティが交わり、曲に息吹、血が入るような気がします。自分が精いっぱい頑張っても、手が届くか、届かないか？という作品。この作品が、まさにそんな曲です。僕は、こんな歌に支えてもらって、成長してきたような気がします」。
1人のシンガーソングライターが１つの曲と真剣に向かい合った、Ｊ−ＰＯＰの名曲の誕生の瞬間でした。
今日OAした曲目
M1.高校三年生/直太朗
M2.生きてることが辛いなら/森山直太朗
第８０回目の今日お届けしたのは、「勝て勝てカープ/それ行けカープ〜若き鯉たち/燃える赤ヘル僕らのカープ」でした。
「カープの応援歌第１号は、球団誕生の翌年1950年1月に発表された『我れらのカープ』という曲だと言われています。歌詞は、一般から募集され、3753通の応募作品の中から、河西新太郎さんが書いた、「アトム広島、平和の空に」という、平和をイメージさせる歌詞が選ばれました。時代を感じますね」。広島東洋カープ球団誕生30周年を記念し、1980年に出版された『カープ30年』の著者、中国新聞社の冨沢佐一さんは、こう語ります。
1953年3月、第１号の応援歌『我れらのカープ』誕生から４年後、再び一般から募集された歌詞を使った新
たな応援歌が作られます。「この歌の歌詞も、266人が応募した作品の中から選ばれました。入選したのは東京
都江東区に住んでいた池田真琴さんという方でした。実は後でわかったことなんですが、池田真琴という名前はペンネームで、本名は池田誠一郎さんと言います。彼は、椿三平という別のペンネームで、巨人軍の応援歌『闘魂こめて』も作詞していて、広島やカープの事については、全く知らないままに歌詞を作って応募し、その作った歌詞が、入選作として選ばれたそうです」。中国新聞社の冨沢さんは、『カープ30年』を書くにあたって、取材した内容について、こう振り返ります。
球団創設4年目の1953年3月、池田真琴が書いた歌詞に、広島高等師範学校で音楽を教えていた山本寿が、躍動感溢れるメロディを綴った応援歌『カープの歌』。『カープの歌』は、その後、長年にわたって、多くのカープファンに親しまれ、歌い続けられます。
1975年8月、『カープの歌』として親まれてきたこの歌は、新しいカープの応援歌が発売される時に、球団職員のアイディアで、曲名を『勝て勝てカープ』と変えて、レコード発売されます
球団創設期から歌い継がれ、多くのカープファンに愛され続けた応援歌『勝て勝てカープ』。1975年8月、タイトルを変えて、発売される時に、レコードのA面には、新しく作った応援歌が収録されます。
「1975年5月、CBSソニー広島出張所の三野所長から、「ルーツ監督から、古葉監督へ代わり、チームも勢いに乗って調子がいい。カープの応援歌を作って、もっと応援しましょう」という話がありました。最初は、「カープ球団の了解も取っている」と言う話だったので、私は球団への挨拶と打合せを兼ねて、広島に向かいました。ところが、三野が「球団の了解を取っている」、と言っていたのは、嘘で、結局、私が改めて球団と交渉、応援歌制作の了解を取りました」。当時、ＣＢＳソニーで制作ディレクターを務めていた、市橋茂満さんはこう振り返ります。
1975年6月、新しいカープの応援歌作りは正式にスタートします。「作詞は、山口県防府市出身で、南沙織の「17歳」の作詞者、有馬三重子にお願いしました。有馬さんは、当時東京で結成されていた後援会「広島カープを優勝させる会」のメンバーのひとりで、二つ返事で作詞の話を受けていただきました。また、有馬さんは、六大学野球のファンでもあったので、他の球団の軍歌のような歌詞の応援歌とは違う、六大学野球の爽やかな応援歌のようなイメージで、とお願いしました。有馬さんは、完成した歌詞について「大好きな思いを綴った私から、“カープへのラブレター”です」と話されていました」。
有馬三重子さんが書いた「カープへのラブレター」を乗せる曲を、市橋さんは、当時コカ・コーラやネスカフェなどのTVCM曲を手掛けていた作曲家の宮崎尚志に依頼します。
「カープの応援歌は、流行歌のひとつとして作るのではなく、聞いた人の耳にずっと残るCMソングのイメージで作りたいという思いがあったので、当時、アメリカナイズされたTVCMソングを数々手掛けていた宮崎さんにお願いしました。有馬さんが書いた歌詞の思い、イメージを伝え、曲調はリズム感のある曲で、とお願いしました。宮崎さんが作ってきた曲は、１発OKでしたが、曲に１ヵ所だけ工夫を加えました。当時、カープで主力選手になりつつあった、山本浩二選手の母校・法政大学の応援歌を真似て、曲のサビのフレーズを、曲の冒頭にも使ったんです。この曲を聞いて、選手に奮いたってもらえれば、と思いました」。制作ディレクターの市橋さんは、こう振り返ります。
1975年7月、曲は完成し、市橋さんは古葉監督、球団関係者に聞いてもらいます。
「古葉監督はじめ球団の関係者は、「躍動感があり、今のチームの勢いにピッタリだ！」と、OKしてくれました。歌い手も、「選手はファンの身近な存在になるべきだ」、と言う理由でレコーディング直前までは古葉監督が歌う予定でした。ところが、土壇場で古葉監督から、「やはり、私が歌うと、その時は流行るかもしれない。しかし、この歌はずっとカープファンに歌い続けられるべき歌だから、ちゃんと歌手に歌ってもらった方がいい」という意見で、当時CBSソニー専属の歌手で、広島でラジオ番組のDJを務めていた塩見大治郎が選ばれたんです」。
1975年8月、球団創設期に発売された、『カープの歌』改め『勝て勝てカープ』を、B面に収めた新しい応援歌「それ行けカープ〜若き鯉たち」は発売されます。念願の初優勝に向け、カープの快進撃が続く中、応援歌『それ行けカープ〜若き鯉たち』も、中国地区だけで30万枚の売上を記録するヒット曲となります。
「躍動感溢れる応援歌となった、『それ行けカープ〜若き鯉たち』は、カープの活躍と重なり、多くの人たちに愛され歌い続けられる、広島を代表する歌になったと思います」。当時の制作ディレクター、市橋さんは、こう語ってくれました。
そして、1975年の初優勝から２年が経過した、1977年3月。当時、次々と、プロ野球チームをテーマにしたり、選手が歌った曲が発売される中、再びカープをテーマにした曲作りが企画されます。
「プロ野球の応援歌が数多く作られ、当時、カープをテーマにした曲だけでも、20曲近くあったのではないでしょうか。私は、当時の古葉監督のファンだったので、カープの曲担当になりました。まず、歌詞も、曲も、広島出身者で作ることを考え、歌詞は、懇意にしていた広島出身の作詞家石本美由起にお願いしました」。当時、コロムビアレコードでディレクターを務めていた、矢部さんはこう振り返ります。
曲は、広島出身で、TVドラマなどで使う、シンフォニック調のメロディを作っていた作曲家横山菁児が手掛けます。「歌詞、曲、共に二人にお願いしたテーマは、「球場で誰もが歌えるような、スタンダードな応援歌を作って欲しい」という内容でした」。
曲が完成し、歌手は、オーディションの中から、広島出身の事崎正司が選ばれます。「レコードのB面には、冠二郎が歌う「広島じまん」の収録が決まっていたので、Ａ面は、聞く人が元気が出るような、たくましい歌い方をする歌手がふさわしいと思っていました。オーディションで選ばれた事崎は、もともとスポーツマンで、歌声からたくましさを感じられ、歌で、チームを奮い立たせるにはピッタリだと思い、彼を選びました」。
1978年5月、カープの黄金期の開幕を告げる応援歌、『燃える赤ヘル僕らのカープ』は、発売されます。
「先に発売されていた２曲と一緒で、曲の歌いやすさ、親しみやすさで、多くのカープファンに受け入れてもらえたのが、歌い続けられている最大の理由でしょう。チームも曲のリズムに乗って、強くなっていく。この相乗効果もありましたね」。当時の制作ディレクター矢部さんは、最後にこう語ってくれました。
世代と時代を超えてカープファンに愛され続ける、３つの応援歌が生まれた瞬間でした。
今日OAした曲目
M1.勝て勝てカープ/塩見大治郎
M2.それ行けカープ〜若き鯉たち/塩見大治郎
M3.燃える赤ヘル僕らのカープ/事崎正司
第７９回目の今日お届けしたのは、「荒井由実／海を見ていた午後」でした。
「彼女は、カトリック系の幼稚園に通った経験や、その後進学した立教女学院中学も、プロテスタントのミッションスクールだったためか、教会音楽に何らかの影響を受けていたと思います。実際、私は、彼女から、「中学時代に流行った、プロコル・ハルムの「青い影」を聞いて、「この曲は、教会音楽と似ているなぁ。こんな感じの曲なら自分も作れる」と思って、曲作りを始めた…」、と言う話を聞いたことがあります」。
デビュー直後から、10年以上にわたって、彼女の担当ディレクターを務めた、下河辺さんは、荒井由実の、ソングライターとしての原点についてこう振り返ります。
1966年4月、立教女学院中学に入学した荒井由実は、横田や立川の米軍基地へ遊びに行き、当時流行っていたロックの輸入盤を買って聴くようになります。そして1968年、荒井由実は、ロック・ミュージカル「ヘアー」の関係者や、当時、彼女が頻繁に通っていた麻布台のイタリアレストラン「キャンティ」のスタッフを通して、グループサウンズ関係者と知り合います。
音楽の素晴らしさを、様々な角度から吸収していった荒井由実は、やがて彼女自身も作曲家を目指すようになります。一方で、彼女は、中学２年の時から習い始めた日本画を本格的に学ぶために、美術大学の受験を決意。音楽と美術、ジャンルは異なるものの、厳しい受験勉強を通して、荒井由実は創作に対する強い気持ちを養っていきます。
そして1971年5月、荒井由実が作った曲に目を留めた、「タイガース」の元メンバー加橋かつみは、彼女が作った曲を、シングル「愛は突然に…」として発売。荒井由実は、プロの作曲家として、音楽の世界に第一歩を踏み出すのでした。
1971年5月、荒井由実が17歳の時に作った、加橋かつみのシングル「愛は突然に…」。作曲家として音楽の世界に足を踏み入れた荒井由実は、同じ71年７月、ロック・ミュージカル「ヘアー」に出演した、小坂忠のデビューアルバム『ありがとう』に、「はっぴえんど」のメンバー細野晴臣、松本隆、鈴木茂らと共に、ピアニストとして参加します。
翌1972年4月、荒井由実は、多摩美術大学美術学部絵画学科に進学、本格的に日本画を学び始めます。その一方で、イタリアンレストラン「キャンティ」の常連客のひとり、アルファレコードの社長村井邦彦から「これからの時代、作曲家ではなく、シンガーソングライターの方が活躍できる」とアドバイスされ、歌手としてデビューすることを決意。1972年７月、シンガーソングライター荒井由実は、シングル「返事はいらない」でデビューし、翌1973年11月には、1stアルバム『ひこうき雲』を発売します。
「荒井由実が、1stアルバム『ひこうき雲』を作る時に、村井邦彦の紹介で出会った、松任谷正隆、細野晴臣、鈴木茂、林立夫による音楽ユニット「キャラメル・ママ」(後の「ティン・パン・アレー」)の存在は、その後の彼女の音楽活動にとって欠かすことのできない、大きな財産となったはずです。特に、キーボードを弾き、アレンジャーとして彼女を支えた松任谷正隆の存在は格別でした」。
「教会音楽の影響からでしょうか。彼女は、ヨーロッパ志向の音楽を好んで聞き、フレンチポップスのようなコードを使って、曲を作っていました。そして、彼女が作った曲に、ウエストコースト系のサウンドを好む、アレンジャーの松任谷正隆が、コードについてアドバイスを送り、手を加えました。レコーディングの段階で、曲のコードが変わることも、頻繁にありましたが、結果的にコードが変わることで、音の幅が広がり、曲が進化を遂げていくんです」。下河辺さんは、荒井由実の曲作りの特長について、こう振り返ります。
「私が初めて制作に携わった、２枚目のアルバム作りも、アルバムの基本コンセプトは、1stアルバム『ひこうき雲』と変わらず、サウンド面にどれだけのプラスαを加えて、曲を進化させるかが、課題でした。曲のアレンジを、どう進化させるかですね。そこで、「キャラメル・ママ」改め、「ティン・パン・アレー」のメンバーに加えて、パーカッションの斉藤ノブと、さらに、バックコーラスに山下達郎や大貫妙子らがメンバーだった「シュガー・ベイブ」をレコーディングに参加させました。
ティン・パン・アレーとシュガー・ベイブという、卓越したミュージシャンたちが荒井由実をバックアップすることで、曲のアレンジが、より進化しました」。
荒井由実の２ndアルバムのレコーディングは、ティン・パン・アレー、シュガー・ベイブらが参加して、1974年7月中旬から行われます。そして、そのアルバムの中に、荒井由実が描き出す歌詞の世界観を象徴する曲が、収録されることになります。
「この曲は、荒井由実が書いた曲に、松任谷正隆がアレンジを加えて生まれる、独特のコード使いが特徴的になっています。それから、歌詞についても、彼女ならではのものです。彼女は、誰もが日常的に使う言葉を使い、しかも短い言葉で歌詞を綴ることが多いんです。2nｄアルバム用に書かれた、この曲も、彼女が紙に書いた歌詞をスタジオに持って現れた時、余りにも短く歌詞が綴られていることに驚いたことを覚えています」。
アルバムのレコーディングが全て終了し、10月の発売を待つばかりとなった、夏も終わりに近づいたある日。下河辺さんは、偶然、この曲の歌詞に綴られたカフェレストランに立ち寄ります。
「横浜での仕事の帰り道、この曲に綴られた歌詞のことを思い出し、横浜・山手公園の丘をあがった場所にある、「ドルフィン」という店名のカフェレストランに足を運びました。すると、本当に、歌詞の通り、窓越しに海を見渡せる席があったんです」。
「店のオーナーは、彼女の事を知っていました。そして、話してくれたんです。店の常連客のひとりに、必ず窓越しに海を見渡せる席に座る女性客がいて、ある日、何気なしに彼女の顔を覗いた時、彼女が泣いていたんだそうです。彼女は海を眺めて、手元のノートに歌詞を書きながら、時折思いだすように、涙をこぼしていました。歌詞の世界に、感情が入りこんで、泣いていたんですね。その後、彼女が泣きやみ、落ち着いた時、オーナーが声を掛け話をすると、彼女は自分の事を話してくれたそうです。それが、荒井由実だったんですね」。
「その話を、レストランのオーナーから聞いた瞬間、僕は彼女の情景描写能力の高さに驚きました。“ソーダ水の中を、貨物船がとおる”という歌詞も、まさに彼女がソーダ水を飲みながら海を眺めていた時、目の前の海を、貨物船が通っている様子を描いているんです。目に映る出来事や、風景を、歌詞の主人公の気持ちとシンクロさせて綴る、彼女の独特の歌詞の作り方は、誰にも真似ができないと思いました」。
荒井由実独特の歌詞を、象徴する曲、「海を見ていた午後」は、1974年10月にリリースされたアルバム『MISLLIM』に収録されます。
1974年10月に発売された、荒井由実2ndアルバム『MISSLIM』に収録された「海を見ていた午後」。
「アルバム『MISSLIM』以後、彼女は数多くの曲を作ってきました。サウンド面は、松任谷正隆というパートナーによって、進化し続けています。そして、歌詞は、海や山、季節の移ろい、季節にちなんだ行事などをテーマや背景にして、数多くの世界を描いてきました。ユーミンの曲の良さは、曲と歌詞のバランスの良さ。これにつきるでしょう」。最後に、ディレクターの下河辺さんは、こう語ってくれました。
日本のポップスシーンに唯一無二の、ユーミンワールドが誕生した瞬間でした。
今日OAした曲目
M１.青い影/プロコル・ハルム
M2.愛は突然に…/加橋かつみ
M3.ソバカスのある少女/ティン・パン・アレー
M4.海を見ていた午後/荒井由実
第７８回目の今日お届けしたのは、「松任谷由実／最後の春休み」でした。
「彼女がデビューした1972年は、日本の音楽の中心が、“フォークソング”から、“ニューミュージック”に移り変わろうとしていた時でした。アメリカでも、リンダ・ロンシュタット、ジェームス・テイラーなどウエストコースト系のシンガーソングライターが活躍し始めていた時代です。アメリカから始まった新しい音楽の流れが、日本に辿り着き、時代が彼女のような、シンガーソングライターを求めていました」。デビュー直後から、10年以上にわたり彼女の担当ディレクターを務めた、下河辺さんは、当時をこう振り返ります。
1954年1月、東京・八王子の「荒井呉服店」の次女として生まれた荒井由実は、小学校で習い始めた、ピアノ、三味線を通して音楽に親しむようになります。その後、立教女学院中学に進学した荒井由実は、友人達と、横田や立川の米軍基地で、ジミ・ヘンドリックス、クリーム、ジェファーソン・エアプレインなどの輸入盤レコードを買って聴いたり、六本木や麻布台などで遊ぶようになります。
1968年、荒井由実は、翌1969年に上演が予定されていたロック・ミュージカル「ヘアー」の関係者、そして当時、彼女が頻繁に通っていた麻布台のイタリアレストラン「キャンティ」のスタッフを通して、ゴールデンカップス、モップスなどのグループサウンズ関係者と知り合います。学生でありながらも、様々な角度から音楽の影響を受け、作曲家を目指すようになった荒井由実は、やがて彼女自身も見よう見真似で曲を作り始めます。
その後、荒井由実が作った曲に目を留めた、「タイガース」の元メンバー加橋かつみが、彼女の作曲でシングル「愛は突然に…」を1971年5月に発売。
荒井由実は、まずは作曲家としてデビューします。
翌1972年、荒井由実は、レストラン「キャンティ」の常連客のひとり、アルファレコードの社長村井邦彦から、曲作りの才能を評価され、「これからの時代、作曲家ではなく、シンガーソングライターの方が活躍できる」というアドバイスで、歌手としてデビューすることを決意。
1972年7月、シンガーソングライター荒井由実はデビューシングル「返事はいらない」を発売します。
1972年7月、シングル「返事はいらない」でデビューした荒井由実。翌1973年11月には、“魔女か！スーパーレディーか！新感覚派・荒井由実登場”をキャッチフレーズに、1stアルバム『ひこうき雲』を発売します。
「彼女の歌声を初めて聞いたのは、1stアルバム『ひこうき雲』のテスト盤でした。彼女の個性的な声が印象に残り、日本の歌手にも、こんな歌い方で表現できる人が出てきたんだ、と思いました」。
下河辺さんは、荒井由実との出会いについてこう振り返ります。
1974年10月、荒井由実は、松任谷正隆、細野晴臣らが参加していた音楽ユニット「ティン・パン・アレー」の全面サポートの下で作った、2枚目のアルバム『MISSLIM』を発売します。「私が、制作スタッフとして関わり始めたのは、この『MISSLIM』からです。この『MISSLIM』は、1stアルバム『ひこうき雲』に続き、「はっぴいえんど」の流れを組むティン・パン・アレーが、バックバンドとして全面サポートしました。自由自在に音を奏でる、洗練されたティン・パン・アレーの演奏は、荒井由実にとって大きなプラス材料となり、彼女は余計な事を考えず、安心して、歌を歌うことだけに専念することができました。その後も、ティン・パン・アレーは、彼女にとっては欠かせない存在になりました」。
1975年2月、荒井由実は次のアルバムに先駆けて、シングル「ルージュの伝言」を発売。この曲は、初めてセールスチャートにランクインし、最高位45位を記録。彼女をシンガーソングライターとして音楽ファンに認知させるキッカケとなります。そんな中、荒井由実は、6月に発売した3枚目のアルバム『COBALT HOUR』に、他のアーティストのために作ったある曲を、アレンジを変えて収録します。
1975年6月に発売された、荒井由実３枚目のアルバム『COBALT HOUR』に収録された「卒業写真」。「この曲は、彼女と同じレコード会社で、同じ村井邦彦プロデューサーが担当していたグループ「ハイ・ファイ・セット」のデビュー曲として書いた曲です。ハイ・ファイ・セットが歌い、高い評価を受けたので、アレンジを変えて、改めて彼女のアルバムにも収録することになりました」。下河辺さんは、当時をこう振り返ります。
1976年11月、荒井由実はアルバム『THE 14th MOON(14番目の月)』を発売。発売直後には、デビューから、音楽面で荒井由実をサポートしていた、松任谷正隆と結婚します。「実は、結婚直後、家庭と歌手活動の両立の難しさから、彼女は歌手活動引退を考えていました。しかし、周囲のスタッフの説得もあり、彼女は歌い続けることを決意したんです」。
1978年3月、松任谷由実名義としては初のアルバム『紅雀』を発売します。「結婚して環境が変わったせいか、結婚前と比べて表現力豊かな歌い方に変わってきたのを感じました。『紅雀』は、音楽関係者の評判は良かったのですが、セールスは、前作の『THE 14 th MOON1(14番目の月)』と比較し、伸び悩みました。それで、8ヵ月後の11月に発売したアルバム『流線形’80』では、再び荒井由実時代を彷彿させるような曲作りに取り組みました。また、アルバム発売に合わせて、久し振りに本格的なライブツアーも行いました。彼女自身、ライブで歌う姿をお客さんに見てもらうことが、大きな刺激になり、その刺激が新たな曲作りや、歌うことに生きてくる、と言ってました」。
全国20ヵ所でのツアーを終えた松任谷由実は、翌1979年に発売を予定していたアルバムの制作に取り組みます。「この曲は、ほぼ完成された状態で初めて聞きました。メロディを聞き、歌詞を読んだ時、彼女が以前に書いた「卒業写真」の続編に近い、イメージを受けました。彼女は、彼女自身の身近な人達から聞いた話をモチーフにイメージ、ストーリーを膨らませて歌詞に綴るケースが多いんです。この曲についても、女子校出身の彼女が、頭の中で思い描き、憧れた学生生活について、描いたのではないでしょうか。「卒業写真」が、中学生の卒業式の様子を描いているなら、この曲は、「卒業写真」で中学を卒業した子が成長し、高校を卒業する際に感じた世界を描いていると思います」。下河辺さんは、こう振り返ります。
松任谷由実が頭の中でイメージし膨らませた、１シーンを綴った曲、「最後の春休み」は、1979年7月にリリースされたアルバム『OLIVE』に収録されます。
「彼女が、シンガーソングライターとして高い評価を得ているのは、曲・歌詞の完成度が50%。そして残りの50%は、彼女ならではの個性的な声だと思います。普段、会話する時は、男性と喋っているような印象を受けますが、歌を歌う時は、優しさ溢れる女性の声に戻るんです。この不思議な彼女の声が、聞く人を引き付ける最大の魅力だと思います。この曲が、何年経っても色褪せることなく、聞くことができるのは、それが最大の理由でしょう」。最後に、ディレクターの下河辺さんは、こう語ってくれました。
松任谷由実ならでは、唯一無二の魅力が詰まった、J-POPの名曲が誕生した瞬間でした。
今日OAした曲目
M1.Fire and Rain/James Taylor
M2.返事はいらない/荒井由実
M3.卒業写真/荒井由実
M4.最後の春休み/松任谷由実
第７７回目の今日お届けしたのは、「リンドバーグ／every little thing every precious thing」でした。
「「バンドをやりたい！」。1987年、アイドル歌手としてデビューし、３枚のシングルをリリースした渡瀬麻紀ですが、いつの間にか、彼女の心の中には、アイドル歌手として成功をおさめるのではなく、“バンドのボーカリストとして活躍したい”、と言う気持ちが、芽生え始めます。
渡瀬麻紀の、バンドをやりたいと言う思いは、周囲を動かし、翌1988年、アイドル時代に彼女のバックバンドを務めていたギターの平川達也と、平川の音楽仲間でベースの川添智久、さらに、cherryことドラムの小柳昌法の４人で、バンド「リンドバーグ」を結成します。
“大きな夢に向かって前向きに進んで行く”をコンセプトに結成したバンド「リンドバーグ」。彼らは、ビートルズなどのUKロック好きの平川達也と、エアロスミスなどのアメリカン・ロックが好きの川添智久、ふたりが中心となって、とにかく元気キャラクターの渡瀬麻紀にふさわしい、躍動感溢れる音楽を生み出していきます。
彼らは、1989年4月、シングル「ROUTE 246」、アルバム『LINDBERG�機戮妊妊咼紂爾靴泙后�
同じ年の89年11月、2枚目のアルバム『LINDEBERG �供戮鯣�売したリンドバーグは、関東、関西を中心としたライブハウスツアーを行います。アイドル・渡瀬麻紀の華やかなステージを降りて、地道な音楽活動をスタートしたかに見えた彼らですが、翌1990年2月、その後の彼らのバンド人生を大きく変える、２枚目のシングル「今すぐKiss Me」を発売します。
「世界が一変する。まさに、この言葉がピッタリ当てはまる状況だった。とメンバーは言っていました。デビューから、この曲を発売するまでは、収容人数100人ほどのライブハウスで月1回ライブを行うのが、精一杯だったのに、この曲を発売した直後に行った、100人ほどしか入らない渋谷のライブハウス「TAKE OFF ７」でのライブでは、お客が会場に入りきらず、急遽翌日、隣の渋谷公会堂(現在の渋谷C.C.Lemonホール)でライブを行ったそうです」。後に、リンドバーグの担当ディレクターを務める、茂田さんはこう語ります。
1990年2月に発売された、リンドバーグ２枚目のシングル「今すぐKiss Me」。フジテレビ系ドラマ『世界で一番君が好き!』の主題歌として起用されたこの曲は、セールスチャート最高位1位を3週連続で記録。61万枚の売上を記録するヒット曲となります。また同じ1990年に発売した、4枚のシングルも全てセールスチャートのベスト10にランクイン。リンドバーグは一躍人気バンドへと成長していきます。
「当時彼らは、まだ別のレコード会社に所属していたバンドでしたが、外から見て感じたのは、まさに飛ぶ鳥を落とす勢い、バンドブームの象徴的存在でしたね」。茂田さんは、当時をこう振り返ります。
翌1991年7月、フジテレビ系バラエティ番組「夢で逢えたら」のオープニングテーマ曲に起用された、8枚目のシングル「BELIEVE IN LOVE」も、セールスチャート最高位2位、約40万枚の売上を記録。翌1992年4月には、コカ・コーラのCMソングに起用された、10枚目のシングル「恋をしようよ Yeah! Yeah!」を発売します。
1992年4月に発売された、リンドバーグ10枚目のシングル「恋をしようよ Yeah!Yeah!」は、リンドバーグにとって、２曲目のセールスチャート1位を獲得、約40万枚の売上を記録します。その後もリンドバーグは、数々のTV主題歌やCM曲を続々と発売します。
「後にリンドバーグの担当になって、メンバーと色々話をして分かったことは、彼らは求められた音楽に対して柔軟な対応ができる、ということでした。デビューするまでに、メンバーそれぞれスタジオミュージシャンやサポートミュージシャンとして、苦労してきたので、その経験が大きい分、レコード会社からの曲作りの要望を、素直に受け入れることができたわけですし、どんな曲がヒットするのか、音楽のアプローチ方法を理解していました」。茂田さんは、こう振り返ります。
1995年秋、リンドバーグは、10年近く在籍した徳間ジャパンから、テイチクレコードへ、レコード会社を心機一転移籍します。「彼らは、彼らなりに音楽に対して悩んでいたのではないでしょうか？バンドブームの申し子的存在だった彼らは、アルバム毎に色々なコンセプトを持ち、試行錯誤しながら曲を作っているなあ、と感じていました。その悩みを振りはらう意味で、環境を変え、何かを変えていこうとしていたのだと思います」。
1995年11月、移籍後初のシングル「もっと愛しあいましょ」を発売したリンドバーグは、翌1996年春、移籍後初のアルバム制作に向けて楽曲を作っていく中で、あるひとつの曲を生みだします。
「歌詞のモチーフとなったのは、渡瀬マキがが偶然見た、日本の陸上短距離、高野進選手を取り上げたテレビのドキュメント番組でした。彼女は、その番組で、スポーツ選手を一生懸命に支える奥さんの姿に感銘を受け、自分がアスリートの奥さんの立場なら、どんな気持ちになるんだろうか？ その一心で歌詞を綴ったそうです」。
渡瀬マキが綴った歌詞に、他のメンバーが作っていたデモテープの中からメロディを重ねて曲は完成。この曲は、アルバム収録曲としてではなく、次のシングル候補曲となります。
「リンドバーグが発売したシングルで、過去にバラードは幾つかありました。ただ、いずれもTV番組やCMのタイアップ絡みで発売したものでした。しかし、この曲は、スタッフみんなが高い評価で、「リンドバーグは元気なロックを歌うバンド」というイメージを崩すことのできる勝負曲にしようということで、シングル発売が決まったんです」。
アスリートを支える人達の一生懸命な思いを渡瀬マキが歌詞に綴った、リンドバーグ25枚目のシングル「every little thing every precious thing」は、1996年7月に発売されます。
1996年7月、リンドバーグ25枚目のシングルとした発売された「every little thing every precious thing」は、セールスチャート最高位５位、約31万枚の売上を記録します。
「この曲がリリースされた時、当時の所属事務所の社長と話をした言葉が、強く印象に残っています。「リンドバーグは、デビュー2曲目で大ブレイクして、その後は勢いで突っ走ってきたけど、この曲で、バンドとしてひと皮剥けた感じがする。元気溢れるナンバーは、メンバーみんなが年を取ると、歌いづらいものがあるけど、この曲は10年経っても、歌い続けられる、リンドバーグにとってかけがいのない曲になるでしょう」と言ってくれたんです」。最後に、ディレクターの茂田さんは、こう語ってくれました。
いつの時代になっても色褪せることのない、J-POPバラードの名曲が誕生した瞬間でした。
今日OAした曲目
M1.Dude(Looks Like A Lady)/エアロスミス
M2.今すぐKiss Me/リンドバーグ
M3.恋をしようよ Yeah! Yeah!/リンドバーグ
M4.every little thing every precious thing/リンドバーグ
第７６回目の今日お届けしたのは、「ジッタリン・ジン／夏祭り」でした。
「「イカ天」出身バンド。彼らは、こう呼ばれることが、あまり好きではなかった、と思います。確かに彼らは、「イカ天」に出場し、キングに輝き、音楽ファンから注目を浴びましたが、実は彼らは、「イカ天」に出場する前の年の1988年に、当時TBS系のラジオ局が主催していたアマチュアバンドコンテスト「サウンドウイズコーク」に出場し、金賞を獲得していて、独創的な彼らの音楽は、すでに音楽関係者の中では評判をよんでいたんです」。
デビュー当時のレコード会社担当ディレクターは、当時をこう振り返ります。
1986年、ギターの破矢ジンタ、ボーカルの春川玲子を中心に、4人で結成されたロックバンド「ジッタリン・ジン」。ジッタリン・ジンは、バンド結成後、地元奈良を中心に関西で活動。1988年に「サウンドウイズコーク」で金賞を獲得したジッタリン・ジンには、複数のレコード会社からデビューの話が持ち掛けらるようになります。
1989年5月、ジッタリン・ジンは、TBS系音楽テレビ番組「いかすバンド天国」に出場し、イカ天キングに輝いた後、日本コロムビアと契約しデビューが決まります。「60年代音楽のエッセンスと、歌詞に綴られた叙情的な世界観、その独特のバンドスタイルは、アイドル全盛の、当時の音楽シーンの中では、まれな存在でした」。
地元奈良から上京したジッタリン・ジンは、東名阪を中心としたライブハウスツアーを行いながら、デビューに向けた本格的な準備を経て、1989年10月、1stシングル「エブリディ」をリリースします。
デビューシングル「エブリデイ」は、セールスチャート最高位9位、約5ヵ月近くもセールスチャートにランクインするロングヒット曲となります。
「ジッタリンジンは、パンクと、ロカビリーサウンドを混ぜ合わせたいわゆる“パンカビリー”のスタイルをベースに、彼らと同世代の人達にも親しみを持ってもらえる音楽を目指していました。デビュー曲では、初めてジッタリン・ジンの曲を聴く人にインパクトを与え、次のシングルでは、新鮮さを打ち出す。そして３枚目は、アップデートな曲で攻める。そんなシングルリリース計画を決めていました」。当時のレコード会社担当ディレクターは、ジッタリン・ジンのデビュー当時を、こう振り返ります。
ジッタリン・ジンは、デビューシングル発売の翌月の11月に、デビューアルバム『DOKI DOKI』を発売。同じ時期に行われた、日本青年館2daysライブのチケットは、即日完売します。翌1990年2月に、2枚目のシングル「プレゼント」と、アルバム『Hi-King』を発売したジッタリン・ジンは、3月、デビューわずか半年で、日本武道館でのライブを行います。
「とにかく、ジッタリン・ジンの曲を、ヒットさせたい。そのためには、どんな手段でも使いたい。その願いだけでした。TVを使った宣伝手法に摩耗されない、個性的なバンドを目指すために、ライブを通して彼らの良さを知ってもらうことに力を入れていました」。日本武道館に続いて4月には全国10ヵ所を回るツアーを成功させたジッタリン・ジンは、6月に3枚目のシングル「にちようび」を発売します。
3枚目のシングル「にちようび」はチャート初登場1位を記録し、その後も４ヵ月近くもセールスチャートにランクインし、約32万枚を売上を記録するヒット曲となります。
「東京・世田谷のスタジオで、次のシングルのプロモーションビデオ撮影をしていた時に、、「にちようび」がセールスチャートで1位を獲得した知らせを聞きました。売れると信じて発売した曲だったので、メンバー、スタッフみんなが大喜びしました」。当時のディレクターは、当時をこう振り返ります。
初めてセールスチャート1位を獲得したジッタリン・ジンは、続いて8月に、4枚目のシングルを発売します。
「基本的に、彼らは完成していない曲をスタッフに聞かせることは、あまりしないタイプのバンドです。しかし、この曲に関しては、曲が完成する前に、ジンタがギター1本で、「こんな感じの曲です」とメロディを聞かせてくれました。歌詞も、まだ全てが完成していませんでした」。
ジンタが、頭の中でイメージし描いた、どこか懐かしさを思い出させる歌詞の内容、そして祭りをイメージさせる躍動感溢れるメロディ。日本の夏の風景を歌詞に綴った、ジッタリン・ジン4枚目のシングル「夏祭り」は、1990年8月に発売されます。
1990年8月、ジッタリン・ジン４枚目のシングルとして発売された「夏祭り」。夏も終わる8月末に発売されたこの曲は、セールスチャート最高位3位、約15万枚の売上を記録。また、2000年には、Whiteberryがカバーし、こちらは約64万枚の売上を記録するヒット曲となります。
「日本人が持つ独特の風情と文化が在り続ける限り、ジッタリン・ジンのこの曲は忘れ去られることのない、音楽の歴史のどこかに刻み込まれる曲になるでしょう。時が経ち、彼らに影響を受けたアーティストも音楽シーンに登場。ジッタリン・ジンの音楽が改めて評価され、彼らにとっても新しい音楽の活動の場ができたことは、楽曲作りに携わってきた僕らにとっても、本当に嬉しい限りです」。最後に、当時のディレクターは、こう語ってくれました。
子どもの頃の思い出の中の祭りばやしのように、日本人の心の奥底に響くJ-POP名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．涙のラナウェイ・ボーイ／ストレイ・キャッツ
Ｍ２．エブリデイ／ジッタリン・ジン
Ｍ３．にちようび／ジッタリン・ジン
Ｍ４．夏祭り／ジッタリン・ジン
第７５回目の今日お届けしたのは、「ＦＵＮＫＹ ＭＯＮＫＥ ＢＡＢＹＳ／Ｌｏｖｉｎ’ Ｌｉｆｅ」でした。
「僕は、中学から高校にかけてBOOWYのコピーバンドでボーカルを務めていたほどのバンドマンでした。ただ、その一方で、長渕剛などのフォークも聴いたり、色んなジャンルの音楽も聴いていました。モン吉は、高校時代にHIPHOPに目覚め、ラップやトランスミュージックをよく聴いていたそうです。DJのケミカルは、10代からDJとしてクラブに出入りするほどのクラブミュージック好きです。つまり、3人とも、好みの音楽はバラバラです。でも唯一、3人が共通で影響を受けたのは、サザンオールスターズです。」
FUNKY MONKEY BABYSのMC、ファンキー加藤は、メンバーそれぞれが影響を受けた音楽についてこう語ってくれました。
2003年12月、東京都八王子市を中心にソロラッパーとして活動していたファンキー加藤は、クラブイベントを通じて知り合った、同じ八王子出身のMCモン吉、さらに、モン吉の友人DJケミカルをメンバーに加え、HIPHOPグループ「FUNKY MONKEY BAYBYS」を結成します。「FUNKY MONKEY BABYSの結成前、僕は紙芝居ラップをやりながら、自分はこれからどんな音楽をやればいいのか、心の中で迷っていました。しかし、同じ街の出身で、プライベートでも仲良かったモン吉、ケミカルと一緒にグループを作ったことで、「とりあえず２年間、やりたい音楽をがむシャラにやって、もっと上のレベルを目指してみよう」と決めることができました」。
グループ結成翌年の2004年、FUNKY MONKEY BABYSは、関東地方のクラブを中心に精力的な活動を続け、4月にはフランスで行われたイベントにも出演。さらに、翌年の2005年3月、FUNKY MONKEY BABYSは、イベントで出会った「ケツメイシ」のDJ KOHNOのすすめで、彼らのFMラジオ番組『ナイトレンジャー』のデモテープオーディションに応募、準優勝に輝きます。「オーディションで準優勝し、プロデビューしたいという気持ちが高まりましたね。出演依頼があれば、あらゆる場所でライブパフォーマンスを行い、沢山の音楽仲間を作っていきました。そして、横浜のクラブ「LOGOS」に出演した時に、今の事務所のスタッフと出会い、デビューが決まりました」。2006年1月、ファンキー加藤が決めた、2年という期限が終わるタイミングで、FUNKY MONKEY BABYSは、シングル「そのまんま東へ」でデビューします。
2006年1月、シングル「そのまんま東へ」でデビューしたFUNKY MONKEY BABYS。タレント「そのまんま東」(現：東国原宮崎県知事)をジャケット写真に起用したシングルは、音楽ファンの間で話題を呼びます。
「デビュー曲の発売日、僕ら３人は、地元八王子のタワーレコードへ、自分達のCDが、ちゃんとお店に並んでいるか、買ってくれる人はいるのか、確認に行きました。CDを買ってくれた人を見つけた時、何とも言えない嬉しさが込み上げてきました。昔と比べ、HIPHOPと言う音楽ジャンルの認知度は高くなっていたけど、他のグループと同じ事をやっても、FUNKY MONKEY BABYSの存在感は薄れてしまう。僕らの存在・音楽を知ってもらうには、まずはCDを買ってもらわないと始まらない。そのために、何をすれば良いのか考え、出した答えが、インパクトあるCDジャケットで、ファンの心を掴もう、ということでした」。
HIPHOPやラップをベースに、自分達の好きな音楽を融合させ、特定の音楽ジャンルに縛られることないオリジナルのサウンドで勝負することを決めた、FUNKY MONKEY BABYS。続けて彼らは、4月に2枚目のシングル「恋の片道切符」を、6月に３枚目のシングル「ALWAYS」を発売します。
「メジャーデビューし、右も左も分からない世界で、スタッフに言われるがままに、無我夢中で仕事をしました。アマチュア時代と比較して、演奏してきた音楽に変化はなく、唯一変わったのは、ライブを行う場所でした。
アマチュア時代は、とにかく人が集まる場所ならどこでもライブを行っていましたが、メジャーデビュー後は、ショッピングモールのイベント広場、小さなホールなど、アマチュア時代よりも、多くの人達が集まる場所でライブを行えるようになりました」。こうして2006年7月、FUNKY MONKEY BABYSは、1stアルバム『ファンキーモンキーベイビーズ』をリリースします。
2006年7月、1stアルバム『ファンキーモンキーベイビーズ』を発売したFUNKY MONKEY BABYSは、
休むことなく、秋に発売を予定していた４枚目のシングル制作に取り掛かります。
「アルバムを作って、次のシングルの制作に入る時、メンバー、スタッフでミーティングを行い、次のシングルは、今まで敢えて作ることを避けてきたラブソングを、曲を聞いた人が、ハッキリ、これはラブソングだ、と分かる、王道のスタイルの曲を作ろう。という話になりました」。ファンキー加藤は、当時をこう振り返ります。
「FUNKY MONKEY BABYSの曲は、まず曲の大まかなコンセプトを決め、次にメロディを作ります。そして、完成したメロディに歌詞を載せ、メロディと歌詞が巧く合わない箇所は、メロディを直すスタイルで曲を作っていくんですが、この曲を作る時は、幾ら考えてもメロディが浮かんできませんでした。悩めば悩むほど、自分の頭の中で色々なことが混乱し、曲の軸となるコードさえ決めることができなくなり、時間だけがどんどん過ぎていきました。本当は、11月発売予定で制作スケジュールが進んでいたのに、締切に遅れてしまい、曲の発売を延期しなければならなくなりました」。「悪戦苦闘しながら、メロディを作り、何とか曲が完成。曲の頭の部分には、曲を覚えてもらうために、リフレインを使うことにしました。そのリフレイン部分のメロディに載せる歌詞(言葉)を考えた時、曲を聞いた日本人みんなが分かりやすい言葉は何だろうか？と考えて、浮かんだ言葉が、「さくら、さくら」という言葉だったんです」。
「曲が完成して、事務所のスタッフ、レコード会社のスタッフに聞いてもらうと、これまでに発売していた、どの曲よりも完成度は高いと言われたんです。」ファンキー加藤自身も、充実感を覚えたFUNKY MONKEY BABYSの4枚目のシングル「Lovin’ Life」は、当初予定していた発売日から、約２ヵ月遅れの2007年1月に発売されます。
2007年1月に発売された、FUNKY MONKEY BABYS４枚目のシングル「Lovin’ Life」。セールスチャート初登場21位からスタートしたこの曲は、発売６週目にセールスチャート最高位10位を記録します。
「デビューから約１年。まだまだ発展途中の僕らが、この曲をキッカケにして、小さな子どもから年配の人まで、FUNKY MONKEY BABYSの音楽を知らなかった多くの人達に、存在を知ってもらうことができた、印象深い曲ですね」。最後に、ファンキー加藤さんは、こう語ってくれました。
親しみやすい言葉のリフレインが生んだ、J-POP春の名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．希望の轍／FUNKY MONKEY BABYS
Ｍ２.そのまんま東へ／FUNKY MONKEY BABYS
Ｍ３．ＡＬＷＡＹＳ／FUNKY MONKEY BABYS
Ｍ４．Ｌｏｖｉｎ‘ Ｌｉｆｅ／FUNKY MONKEY BABYS
第７４回目の今日お届けしたのは、「山崎まさよし／One more time,One more chance」でした。
「自分がミュージシャンとして、人前で歌いたい。そんな気持ちを持ち始めたのは、19、20歳ぐらいの時。地元のライブハウスで、週に一度、歌うようになってからです。それまでは、人前で歌う機会も無かったし、今みたいに、ハードディスクに自分の歌を録音して、人に聞かせるようなことも無かったので」。山崎まさよしは、彼自身がミュージシャンになる夢を持ち始めた時期について、こう振り返ります。
1971年12月、滋賀県草津市に生まれた山崎まさよしは、８歳の時に山口県防府市に移り住み、地元の中学、高校へ進学します。
「小学生の頃は、歌謡曲を聞く、どこにでも居るような普通の少年でした。中学生の時、親からドラムを買ってもらい、友達と見様見まねでバンドを結成。高校に進学後、エリック・クラプトン、ロバート・ジョンソン、マディー・ウォーターズなどのブルースを聞きはじめ、自分もギターで曲を作るようになりました」。
1990年春、山崎まさよしは高校を卒業後、アルバイト生活をしながら、毎週土曜の夜は、地元山口県周南市のライブハウス「ブギーハウス」に出演。ギター１本、弾き語りで、自分が作詞・作曲した歌を人前で歌うようになります。翌1991年、山崎まさよしは、偶然目にした雑誌に掲載されていた「キティ・グループ」の新人オーディションの記事を見つけ応募。山崎まさよしは、千人以上の応募者の中から、審査を通過し、最終審査に進む10数名に残ります。しかし、東京で行われた最終審査直前に、山崎まさよしは、このオーディションが新人歌手募集のオーディションではなく、新人俳優募集オーディションであることに気付きます。
しかし、山崎まさよしは自分の勘違いにも負けず、最終審査の場でギターを弾きながら、自分が作った歌を歌い、審査員を唸らせ、審査員特別賞を受賞。そのオーディションに、審査員として参加していた音楽プロデューサーの目に止まり、山崎まさよしは、ミュージシャンとしてデビューするために、1992年10月、上京するのでした。
「デビューするために上京し、約2年間は、東京や横浜のライブハウスで歌ったり、事務所の先輩、杏子さんなど他のアーティストへ楽曲を提供したり、CM音楽を作ったりしていました。もちろん、自分の曲も作っていましたが、この２年間は色々な音楽経験を積んでいました。正式にデビューが決まっても、自分の曲がCDとなってお店で発売されるまでは信じられず、店頭に並んでやっとデビューの実感が湧いてきたのが、正直な気持ちです」。デビュー当時にことについて、山崎まさよし本人はこう語ってくれました。こうして、1995年5月、“天才より凄いヤツ”をキャッチフレーズに、山崎まさよしは、シングル「月明かりに照らされて」でデビューしました。
その後、山崎まさよしは、「四谷フォーバレー」「原宿ルイード」などのライブハウスで、定期的にライブを行いながら、アルバム制作に打ち込み、シングルデビューから約1年後の1996年4月、２年間かけてじっくり制作したデビューアルバム『アレルギーの特効薬』を発売します。こうして、聞く人を、ノスタルジックで切ないメロディと声で魅了する山崎まさよしの歌は、少しずつ音楽ファンの心を掴んでいきます。
「僕は、曲はインストゥルメンタルでもいいと思うんですが、作ったメロディに歌詞を乗せ、より具体化された“歌”と言う表現方法を使えるチャンスがあるのなら、シンプルだけども、聞いてくれた人の心に響く、そんな歌を作って歌っていきたいと思っていました」。山崎まさよしは当時をこう振り返ります。
ライブハウスから、ホールクラスへ。山崎まさよしのライブ動員は、着実に増え続け、1996年夏には、全国各地で行われたライブイベントにも出演し、多くの観客をまた魅了していきます。そして9月には、後にSMAPがカバーしてヒットする楽曲「セロリ」を、３枚目のシングルとして発売します。
1996年9月に発売された、山崎まさよし３枚目のシングル「セロリ」は、彼にとって、初めてセールスチャートにランクイン、最高位68位、約3万5000枚の売上を記録します。しかし、山崎まさよしは、その直後の10月から、自らが主演を務めることが決まっていた映画『月とキャベツ』の撮影のため、一時音楽活動を休止します。
「映画『月とキャベツ』に主演として出演して欲しい、という話は、偶然、ライブを見た、映画監督・篠原哲雄さんが、僕を気に入ってくれ、話を持ってきてくれたものです。役者として出演するだけでなく、映画の主題歌、サウンドトラックも手掛けて欲しい、という話でした。96年の10月から、映画の撮影が本格的に始まり、約１ヵ月、群馬県に作られたセットに籠り、撮影しました。籠る、と言うよりも、まるで長いプロモーションに出掛けている、そんな感じでした」。
約１ヵ月の映画のロケが終わった後、山崎まさよしは、映画の主題歌として、彼が山口から上京して間もない頃に作った、ある曲を起用することを決めます。
「この曲は、僕が山口から上京し、横浜・桜木町に住む場所を構えた時に作った曲です。当時、夜は（横浜の）ライブハウス「横浜ビブレ」などで歌っていましたが、生活するために昼間は東京でアルバイトをしていました。毎日、横浜・桜木町から電車に乗って東京へ通う電車の中から、窓越しに見た街の情景。デビューするために上京したのに、なかなかデビューが決まらない日々。悶悶とした自分の気持ちを綴っています」。
「デビュー前に、曲は完成していました。ただ、スタッフはこの曲について、「この曲は歌詞、メロディ、どちらからも、強い力を持ったメッセ―ジを感じることができる。デビュー間もない時期ではなくて、ミュージシャン山崎まさよしの存在感が認められ、勝負を賭けるタイミングでリリースしよう」という考えで、しばらくは眠らせることになったんです。 映画『月とキャベツ』に主演することが決まったとき、映画のストーリーと、この曲の歌詞の一部が重なる部分があることが分かり、スタッフに相談すると、スタッフも同じ意見で、この曲を映画の主題歌として使うことを決めました」。
1996年12月に公開された、山崎まさよし主演映画『月とキャベツ』。隠居生活を送るミュージシャンと、ダンサー志望の少女との、出会いと別れを描いたラブストーリー映画の主題歌に起用された、山崎まさよし4枚目のシングル「One more time,One more chance」は、翌1997年1月に発売されます。
1997年1月、山崎まさよし4枚目のシングルとした発売された「One more time,One more chance」。発売と同時に、この曲はセールスチャート最高位18位、約31万枚の売上を記録、その後も、約半年近くに渡ってセールスチャートにランクインするロングヒット曲となります。
また、2005年大晦日に放送された「NHK紅白歌合戦」に山崎まさよしが初出場した際、彼はこの曲を、歌詞の中にも描いている横浜・桜木町からの中継で歌います。「人の心情を綴ったこの歌は、色々な場面で、色々な人達の前で歌い続けてきました。紅白でこの曲を歌うことになったのも、発売から年月が経つ中で、曲を聞いた人達の様々な想いが詰め込まれ、曲から、人の強い生命力を感じてもらうことができたからだと思います。曲に魂が宿っているんですね」。最後に、山崎まさよしさんは、こう語ってくれました。
歌に込められた、人の力強い生命力を感じることができる、J-POPバラードの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．コカイン/エリック・クラプトン
Ｍ２.月明かりに照らされて/山崎まさよし
Ｍ３.セロリ/山崎まさよし
Ｍ４.One more time,One more chance/山崎まさよし
第７３回目の今日お届けしたのは、「平松愛理／部屋とＹシャツと私」でした。
「彼女が３歳の時、隣の家に住んでいた仲の良かった女の子がオルガンを習っていた影響で、彼女もピアノを習い始めたそうです。小学生になると、彼女のお兄さんがよく聞いていたカーペンターズを一緒に聞きはじめ、やがて兄妹でギターとピアノを弾きながら、カーペンターズの曲を歌っていたそうです」。平松愛理の音楽との出会いについて、スタッフはこう語ります。
1964年3月、兵庫県神戸市に生まれた平松愛理は、地元の高校に進学。高校２年生の時に行われた学園祭で、軽音楽部のメンバーで結成したバンドで、初めて人前で歌を歌います。その時、「まるで雷に打たれたようだった」というほど、人前で歌を歌うことに快感を感じます。1982年4月、平松愛理は、神戸海星女子学院大学 文学部に進学。高校時代から始めたバンド活動も、地元神戸のライブハウス「チキン・ジョージ」を中心に、関西、そして東京のライブハウスなどに出演するほど本格的に取り組むようになります。
「高校の学園祭のステージで、人前で歌う気持ち良さに目覚めた平松愛理は、“私は絶対プロの歌手になりたい！と”思ったそうです。そして、プロになるためには東京に行かなければと、両親に相談すると、彼女の両親は、上京することにも、プロを目指すことにも反対でした。彼女は、何度も両親と話をして、結局最後は、大学の単位を一つも落とさずに卒業したら、東京に行っても良い、と言う条件で両親が折れたそうです」。
1986年春、両親との約束を果たして大学を卒業した平松愛理は晴れて上京。上京後は、デモテープを作り続け、神戸で活動していた時の知り合いを頼り、レコード会社にアプローチ。２年後の1988年、レコード会社ポニー・キャニオンが平松愛理の曲を評価し、女性シンガーソングライターとして契約。翌1989年2月、シングル「青春のアルバム」、アルバム『TREASURE』でデビューします。
1989年2月、平松愛理は、シングル「青春のアルバム」、アルバム『TREASURE』でデビューします。
「当時、日本の音楽シーンは、BOOWYをはじめとしたロックバンドブームの真っただ中で、女性シンガーソングライターが第一線で活躍するには、難しい時代でもありました。そんな中、平松愛理は、デビューするにあたって、“日本語をちゃんと使って、聴いた人に歌詞を理解してもらえる歌を届ける”ということをコンセプトに、曲作りをしていました」。当時のことについて、スタッフはこう振り返ります。
その年1989年、平松愛理は、７月にシングルを、11月にはシングルと２枚目のアルバム『とっておきの20秒』を発売。ラジオや音楽誌などでのプロモーションやライブなどを行い、多くの人々に、平松愛理の音楽を聴いてもらうための活動を続けていきます。
そして、翌1990年5月に発売された、平松愛理４枚目のシングル「月のランプ」が、フジテレビ系のバラエティ番組『ウッチャンナンチャンの誰かがやらねば！』のエンディングテーマ曲として起用されます。そしてこの曲「月のランプ」が、平松愛理の存在感を思わぬ形で広めることになるのでした。
1990年5月に発売された、平松愛理４枚目のシングル「月のランプ」。
「シングル発売ひと月に放送が始まった、フジテレビ系バラエティ番組『ウッチャンナンチャンの誰かがやらねば！』のエンディングテーマとして、この曲は起用されたんですが、平松愛理自身も毎週番組のエンディングに生出演したんですね。フジテレビ本社の屋上に組まれたセットで、雨の日も風の日も、平松の顔はほとんどTVに映らないのに、彼女は歌い続けました。このシングル「月のランプ」は、セールスチャートにこそランクインしなかったものの、番組のエンディングを観た人達が、確実に平松愛理の存在を知ってくれるキッカケになりました」。半年で終了した「誰かがやらねば」を引き継いでスタートした番組『ウッチャンナンチャンのやるならやらねば!』のエンディングテーマにも、再び平松愛理の曲が起用されます。1990年12月、エンディングテーマ曲として起用された５枚目のシングル「素敵なルネッサンス」は、平松愛理にとって、初めてセールスチャートにランクインし、最高位13位、約20万枚の売上を記録します。さらに、同じ12月に発売したアルバム『MY DEAR』は、シングルとの相乗効果もあり、アルバムとしては初めてセールスチャートにランクイン、最高位21位、約40万枚の売上を記録します。翌1991年、楽曲制作や、次に発売を予定していたアルバム『redeem』のプロモーション活動に追われていた平松愛理の元へ、前年1990年12月に発売したアルバム『MY DEAR』に収録されたある曲が、音楽業界、そしてファンの間で話題を呼んでいる、という話が届きます。
「スタッフから聞かされた話は、平松愛理も驚くような話しでした。約１年前に発売したアルバム『MY DEAR』が、発売から約１年近くたっても、セールスチャートにランクインし続けていること。そして、その原因は、有線放送へ、アルバムに収録されている、ある１曲へのリクエストが殺到しているからだということでした」。
「有線放送へリクエストが殺到したこの曲は、もともとアルバム『MY DEAR』の制作前、平松愛理の友人の結婚が決まり、その友人を祝福するために作った曲でした。1990年の夏頃から歌詞を作り始め、平松は２ヵ月近くに渡って自分の両親、友達に結婚について話を聞き、歌詞を書いたそうです。一番の歌詞は、平松の両親の話、そして二番の歌詞はスタッフの話がモチーフに書かれています。実は、曲が完成し、アルバム収録曲を決める時、この曲は、それまでの平松の音楽路線とは少し異なっていたので、スタッフのほぼ全員がアルバムに収録することについて反対しました。しかし、平松は「絶対にアルバムに収録したい！」と泣きながら、スタッフに訴え、最後は、スタッフが平松の訴えに折れて、収録が決まったものなんです」。
「アルバム『MY DEAR』が完成し、プロモーション活動をする時、平松自身は他の曲の完成度よりも、この曲に自信を持っていたのですが、メディアの人達の反応は今ひとつでした。平松はがっかりして、いつの間にか曲の事を忘れかけていたんですね。ところが、気がついたら有線放送から火がつき、スタッフも「ひょっとすると、この曲は売れるのでは？」と思い立ち、急遽シングルとして発売することを決めたんです」。
1992年3月、平松愛理８枚目のシングルとして、「部屋とＹシャツと私」は発売されます。
1992年3月、平松愛理８枚目のシングルとして発売されたシングル「部屋とYシャツと私」。アルバムに収録してから２年が経過し、改めてシングルとして発売されたこの曲は、発売後約10ヵ月に渡りセールスチャートにランクインし続け、最高位4位、約93万枚の売上を記録するヒット曲となります。
「セールスチャートにランクインする曲のほとんどがTVドラマや、CMなどタイアップ曲中心になり始めた時代、この曲はタイアップ無しで約93万枚という売上を記録することができました。正直、よくもまあここまで長期に渡ってひとり歩きして売れてくれたなぁ、というのが印象です。平松愛理にとって、この曲は、愛おしく想えると同時に、人生を変えた同志のような存在の曲ですね」。最後に、スタッフはこう教えてくれました。
女性シンガーソングライターとしての存在感を広めるキッカケとなった、J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．シング／カーペンターズ
Ｍ２．青春のアルバム／平松愛理
Ｍ３．月のランプ／平松愛理
Ｍ４．部屋とＹシャツと私／平松愛理
第７２回目の今日お届けしたのは、「今井美樹／PRIDE」でした。
「オーディオ専門店の一人娘として生まれた彼女は、JAZZが大好きだった父親の影響で、小さい頃から、いつもJAZZを聴いていたそうです。中でも、オスカー・ピーターソンやエラ・フィッツジェラルドが大のお気に入りで、その後、中学生になって、松任谷由実や矢野顕子の音楽に目覚め、JAZZと合わせて彼女達の音楽も夢中になって聴いていたようです」。
長年、今井美樹を見守り続けているスタッフは、彼女の音楽との出会いについてこう語ります。
1963年4月、宮崎県高鍋市に生まれた今井美樹は、地元の高校を卒業後、フライトアテンダントを目指し、東京の専門学校に進学します。そして専門学校に在学中の1982年の秋、女性ファッション誌『an・an』の読者モデルを務めたのをキッカケに、今井美樹は、『mc Sister』など数々の女性ファッション誌のモデルを務めるようになります。そして1984年5月には、TBS系テレビで放送されたドラマ『輝きたいの』で女優デビュー飾ります。
フライトアテンダントになる夢から一転、モデル、女優としての道を歩き始めた今井美樹は、こんどは、食品メーカー・ハナマルキや、本田技研工業『today』などのCMにも出演。一躍人気者となって行きます。
1986年４月、今井美樹は、映画監督井筒和幸(いづつ・かずゆき)が手掛けた映画『犬死にせしもの』で、スクリーンデビュー。さらに、その直後の86年5月、日本テレビ系ドラマ『妻たちの初体験』の主題歌として起用された『黄昏のモノローグ』で、今度は歌手としてデビューするのでした。
1986年5月、今井美樹は、彼女の声に聞き惚れた周囲のスタッフの勧めもあり、シングル「黄昏のモノローグ」でデビュー。セールスチャート最高位37位、約3万枚の売上を記録します。その後も今井美樹は、女優、モデルとしての活動と並行して、歌手としての活動を始め、毎年シングルを２〜３枚、アルバムを１枚発売していきます。87年に発売したアルバム『elfin』、88年に発売したアルバム『Bewith』が、２年続けて日本レコード大賞優秀アルバム賞を獲得。また88年8月に発売した４枚目のシングル「彼女とTIP ON DUO」は、今井美樹自身もキャンペーンモデルとして出演した秋の資生堂キャンペーンソングに起用され、セールスチャート最高位8位、約14万枚の売上を記録します。
女優、モデル、歌手、それぞれの分野でトップスターとしての道を歩き始めていた今井美樹は、1991年10月からTBS系で放送されたドラマ『あしたがあるから』に主演。翌11月には、このドラマの主題歌に起用された、シングル『PIECE OF MY WISH』が発売されます。
1991年11月に発売された、今井美樹７枚目のシングル「PIECE OF MY WISH」は、彼女自身がドラマの主人公を務めた相乗効果も重なり、彼女にとって初めてセールスチャート最高位1位を獲得、約125万枚の売上を記録する大ヒット曲となります。「歌手としてデビューして約５年。初めは、自分の意思で歌っていたのではなかったんですが、この頃から少しずつ、女優今井美樹としてよりも、歌手今井美樹としての活動に力を入れるようになってきました。彼女自身、歌い手としての面白さが、分かり始めたんでしょうね」。当時のことについて、スタッフはこう振り返ります。
その後も、94年7月に発売した10枚目のシングル「Miss You」が、日本テレビ系ドラマ『禁断の果実』のエンディングテーマとして起用され、今井美樹にとって２枚目となるセールスチャート１位を獲得、約80万枚の売上を記録します。しかし、翌95年アルバム『Love of My Life』リリースと共に行った全国ライブツアー終了後、今井美樹は１年間の休養を取ることを決めます。
「長年、走り続けてきた今井美樹は、リフレッシュするため、１年間の休養をとる予定でした。ところが、フジテレビから、翌96年の秋に放送が予定されていた、ドラマの主題歌提供の話が今井美樹の元に届き、休養を取るどころの話ではなくなったんです」。
フジテレビからのドラマ主題歌提供依頼に対し、レコード会社の担当プロデューサーは、約３年前から今井美樹の楽曲作りに携わっていた、布袋寅泰に曲作りを依頼します。
「約３年前から、今井美樹の曲を作ってくれていた布袋さんは、歌手今井美樹の素質を理解してくれていたんでしょう。ドラマのあらすじなど詳しいことを何も伝えないままに、曲作りをお願したのに、今井美樹の楽曲としても、ドラマの主題歌としても完璧な曲を作ってくれました。当時、今井美樹は休養中でしたが、完成したデモテープを聞いた時、彼女の心に何か響くものがあったんでしょう。ボロボロと、涙を流し続けました」。
「結局、今井美樹は、一年の休養を取る予定でしたが、わずか半年で休養を切り上げて、当時、布袋さんが、彼自身のアルバム制作のために滞在していたロンドンに向い、現地でレコーディングを行います。
ミディアムテンポの楽曲なのですが、バラード的なムードのある歌唱法ではなく、リズムを感じる事を意識して、彼女は歌っています」。
フジテレビ系ドラマ『ドク』の主題歌として起用された、今井美樹12枚目のシングル「PRIDE」は、ドラマがスタートして1ヵ月後の1996年11月に発売されます。
1996年11月に発売された、今井美樹12枚目のシングル「PRIDE」は、発売から約半年近くもセールスチャートにランクインし続け、チャート最高位1位、約162万枚の売上を記録するヒット曲となります。
「彼女の20代を代表する曲が「Piece Of My wish」ならば、30代を代表するヒット曲は間違いなく「PRIDE」です。
「PRIDE」が誕生するまで、彼女を代表する曲は「Piece Of My Wish」しかなく、一時期、彼女は、ファンからのリクエストがあっても、「Piece Of My wisｈ」を歌うことを苦痛に感じていた時期もありました。しかし、「PRIDE」がヒットしたことで、彼女自身もその苦痛を取り払うことができました。彼女の心の中で、何かが吹っ切れたんだと思います。この「PRIDE」は、今井美樹の、歌手としての過渡期を脱出するキッカケとなった曲です。
発売から10年以上たった今でも、彼女はこの曲、「PRIDE」を大切にしています。この曲を愛し続けてくれる数多くのファンがいる。彼女はその想いに応えるためにも、ライブでは必ず歌う曲になりました」。最後に、スタッフはこう教えてくれました。
今井美樹が女性シンガーとして、しっかりとした一歩を踏み出すキッカケとなった、J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日OAした曲目
M１．酒とバラの日々/オスカー・ピーターソン・トリオ
M2.黄昏のモノローグ/今井美樹
M3.PIECE OF MY WISH/今井美樹
M4.PRIDE/今井美樹
第７１回目の今日お届けしたのは、「ユニコーン／大迷惑」でした。
「アマチュア時代の彼らのサウンドは、どちらかと言えば重くビートを刻んでくるのに、メロディや歌は覚えやすくてポップでした。そんな彼らの音楽の好みは、バラバラ。奥田民生は歌謡曲、ベースの堀内一史はパンク、キーボードの向井美音里はクラシックがそれぞれ大好きでした。そしてヘビーなロックが大好きだったのが、ドラマ―の川西幸一。ギターの手島いさむは、T-REXなど、ギターを重視した音楽が大好きでしたね」。
デビュー前から、ユニコーンを見守り続けるスタッフは、当時をこう振り返ります。
1986年3月、当時広島のライブハウスを賑わしていたアマチュアバンド「ストリッパー」のドラマー川西幸一は、同じバンドのメンバーでギターの手島いさむ、他のバンドで活動していた、ベースの堀内一史、キーボードの向井美音里を誘い、新バンドの結成を決意します。そして川西は、新しいバンドのボーカルとして、川西が当時ライバル意識を燃やしていたバンド「レディ」の奥田民生に声をかけます。奥田は、川西の誘いを、一度は断りますが、川西の再度の説得に折れバンドに参加することを決意します。
ギターの手島いさむが大好きだったT-REXのアルバムからバンド名を取った「ユニコーン」。個性的な音楽で異彩を放つバンド「ユニコーン」の噂は、瞬たく間に音楽関係者の間で話題となり、ライブハウス「広島ウディストリート」で行われた彼らのライブを見た、後にユニコーンの全作品を手がけることになる、CBSソニーのディレクター、マイケル河合さんは、「キャラはバラバラながら、バンドとしてひとつの方向を向いている、スピード感のあるいいバンドだ」と、ユニコーンを高く評価。「CBS・ソニーオーディション」合格を経て、結成からわずか1年足らずで、彼らはプロデビューの扉を開けるのでした。
1987年3月、広島を離れ上京したユニコーンは秋に発売が予定されていたデビューアルバムの制作に取り組み、10月、1stアルバム『BOOM』を発売。アルバムのリード曲となったのが、この「MAYBE BLUE」でした。
1987年10月、アルバム『BOOM』でデビューしたユニコーン。アルバム『BOOM』は、セールスチャート最高位77位、約2万3000枚の売上を記録します。しかし、その売り上げ以上に、ユニコーンは、メロディセンスの良さと、奥田民生の書く少し野性的な詞が、当時主流だったビートパンクバンドとは一線を画し、メンバーの個性的かつ甘いルックスともに、女性を中心に幅広い層から人気を集めていきます。
翌1988年2月、バンド結成当時からのメンバーのひとり、キーボードの向井美音里が、体調不良を理由に、バンドから脱退。次のアルバム制作に取り掛かっていたユニコーンは、新たにキーボードとして、1stアルバム『BOOM』にマニュピュレーターとして参加していた、阿部義晴をメンバーに加えます。
1988年7月、ユニコーンは、阿部義晴が加わって初のアルバム『PANIC ATTACK』を発売、10月から、全国ツアー「PANIC ATTACKツアー」をスタート。アルバム『PANIC ATTACK』は、ライブで彼らの音楽を気に入ったファンの後押しもあり、セールスチャートの最高位は19位ながら、じわじわと売れ続け、発売から約１年に渡って、チャートにランクインし続けるロングセラーアルバムとなるのでした。
1989年1月、前の年1988年10月からおよそ３ヵ月に渡っての全国ツアーを終えたユニコーンは、次のアルバム制作に取り掛かります。「当時、民生は、ミュージカルのサントラ盤をよく聞いていました。特にその中でも、演奏しているオーケストラに非常に興味を持ち、何かオーケストラを使ったアイディアを活かすことができないだろうかと考えていました」。当時のことについて、スタッフはこう振り返ります。
「民生を中心に、普通にものを作るのは止めよう、という流れになっていく時期でもあったので、次は少しオーバーで面白い、コンセプト・アルバムを作ろうということになりました。たとえば、ミュージカルには、必ず序曲=overtureがあり、劇中の曲が少しずつ盛り込まれていますよね。それをユニコーンもやりたくて、アルバム１曲目の“ハッタリ”が生まれました」。そして、アルバムの制作中、メンバー、スタッフの間で、ユニコーン初のシングルリリースが決まります。「当時のマネージャーが「なんでユニコーンは、今までシングルがないの？」って質問をしたんです。それまでは、ロックは歌謡曲とは違うから、シングルなんて出さなくていい。アルバムの中で自己表現をすればいいんだ、と言う考え方で、発売していませんでした。でも、マネージャーの素朴な疑問ひとつで、シングルの発売が決まったんです」。
その後、曲作りが進む中で、ある1曲がシングル候補曲に選ばれます。
「当初、この曲もアルバムの中の１曲として作っていました。マイケル河合さんの同僚、“アベ”という制作スタッフが、会社の人事異動で地方に飛ばされたことが歌詞のモチーフになっています。歌詞の「お金なんかは、ちょっとでいいのだ」というフレーズは、昔、ファーファという柔軟剤のCMで、熊のぬいぐるみが「お金なんかちょっとでふわふわ」というフレーズがあり、それをモチーフに書いています。メンバー、スタッフみんなで、熊がお金のことを言うなんて、生意気だ、みたいなことを真面目に語っていました。その事と、給料が減ってもいいから、転勤はしたくない、という意味をかけて作られています。そんなくだらない事を、ロックバンドが追及していること自体が、今考えてみても可笑しいですよね」。
「あと、歌詞について言えば、曲の頭の部分「町のはずれでシュヴィ ドゥバー」と言う部分がありますよね。これもかなりいい加減な歌詞ですが、これは、今日中に歌詞を作らなきゃいけないという時に、民生がマイケル河合さんの家で、お酒を飲みながら一諸に歌詞を詰めていたんですね。また翌朝、「出来た！」と思ったら、民生が「まだ一ヵ所残っています。“町のはずれで”の次の歌詞がない」と言い出したんです。マイケルさんもビックリです。でも、もう二人とも疲れ果てていたんで、「もう、“シュヴィ ドゥヴァー”でいいんじゃない」って、適当に言ったのが、そのまま歌詞になっています」。
そのいい加減さも含めて、独創的な発想から、生まれたユニコーン初のシングル「大迷惑」は、1989年4月にリリースされます。
1989年4月、デビューして２年余りが経って初めてリリースしたシングル「大迷惑」。翌５月に発売された３枚目のアルバム『服部』に先駆けてリリースされた、シングル「大迷惑」は、民生のアイディアから生まれたオーケストラをプロモーションビデオにも起用。オーケストラと共に、合成ハメコミの観客の前で歌う奥田民生と、オーケストラの中に混じったメンバーもプロモーションビデオに出演。ユニークなプロモーションビデオ作品として、話題となったこともあり、セールスチャート最高位12位、約12万枚の売上を記録します。
“個性的”バンド、ユニコーンの存在を、音楽ファンの隅々に知らしめるキッカケとなった、J-ROCKの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ユニコーン／Ｔ-REX
Ｍ２．MAYBE BLUE／ユニコーン
Ｍ３．SUGAR BOY／ユニコーン
Ｍ４．大迷惑／ユニコーン
第７０回目の今日お届けしたのは、「広瀬香美／ロマンスの神様」でした。
「私は、４歳から、ピアノを習い始め、５歳で作曲の勉強もし始めました。どちらも、私自身が興味を持って始めたのではなく、両親の勧めで習い始めたのですが、抵抗感なくすんなりと習うことができました」。1966年4月、福岡県太宰府市に生まれた広瀬香美は、音楽とふれあうキッカケについて、こう振り返ります。
その後、広瀬香美は、地元福岡女学院音楽科を卒業後、国立音楽大学作曲科へ進学。クラシックの音楽家としての道を歩み始めます。「高校から大学、ずっと音楽を学び続けていましたが、大学に入学したある日、アメリカ・ロサンゼルスに旅行に行く機会がありました。そこで、マイケル・ジャクソン、ベビー・フェイス、ボビー・ブラウン、デヴィッド・フォスターなどのポップミュージックに出会い、私の音楽の世界観が変わりました。当時はポップミュージック全盛期で、ロサンゼルスの街の至る場所で、彼らの音楽が溢れていました。また、ちょうど同じ頃、大学の先生から「あなたはクラシックに向いていない」と言われ、悩んでいた時期でもあったので、余計に、ポップミュージックが、私にとって、刺激になりました」。
1988年、国立音楽大学を卒業した広瀬香美は、再びアメリカ渡り、マイケル・ジャクソンのボイス・トレーナー、セス・リッグスの下で、ボーカリストとしてのレッスンをスタートさせます。「学生時代、初めてマイケル・ジャクソンの音楽に触れた時、ポップスの魅力に取りつかれ、少しでも彼に近づきたいと思うようになりました。偶然にも、私の友人が、マイケル・ジャクソンのボイス・トレーナー、セス・リッグスを知っていたので、彼に会い、話をすると、「作曲家になりたいなら、ボーカリストとしてのトレーニングも受けておくべきだ」と、言われ、私は、セス・リッグスの下でボーカルレッスンを受けることにしたんです」。
約３年間、マイケル・ジャクソンのボイストレーナー、セス・リッグスの下でボーカル・レッスンを積んだ広瀬香美は、帰国後の1992年7月、ボーカリスト広瀬香美として、アルバム『Bingo!』でデビューを果たします。
1992年７月、アルバム『Bingo!』でデビューした広瀬香美。「元々私は、ボーカリストではなく、色々なアーティストの方々に、私が作った曲を提供し、歌ってもらうのが夢で、作曲家を目指していました。しかし、セス・リッグスに出会って、気がついた時には、私自身がボーカリストとしてデビューすることになっていました。人間、何があるか、分かりませんね。でも、自分がボーカリストとしてデビューすることが決まってからは、「自分の歌を聞いた人が元気になる、明るい曲を作り、歌いたい」、そんな気持ちになりました」。
アルバム『Bingo!』でデビューした広瀬香美は、12月に、1stシングル「愛があれば大丈夫」を発売。この曲は、12月に公開された映画『病は気から 病院へ行こう２』の主題歌として起用され、セールスチャート最高位42位、約11万枚の売上を記録します。
「デビューが決まった後から、ずっと、私は、自分自身に根拠のない自信を持つように心がけていました。
“私の歌で、世の中の人達を元気にしなくちゃ、いったい誰がみんなを元気にするの”、と、常に自分自身に言い聞かせていました」。
音域の広い歌声と、キャッチ―なメロディで、広瀬香美は次第に話題を集めるようになり、1993年3月リリースしたアルバム『“good luck”』は、初めてセールスチャートにランクインし、最高位50位、約２万6千枚の売上を記録します。そして、５月には、２枚目のシングル「二人のBirthday」を発売します。
1993年5月、デビューから約１年が経ってリリースされた、２枚目のシングル「二人のBirthday」。
「デビューから、１年が経ち、改めて振り返った時、私は、恵まれた音楽生活を過ごすことができているな、と思いました。自分がやりたいこと音楽に対して、スタッフから路線変更を命じられたり、反対された経験もほとんどありませんでした」。
そして、1993年、夏のある日、スポーツ用品専門店「アルペン」から、冬のキャンペーンソングへの曲提供の話が彼女の下へ舞い込みます。
「中学、高校時代、私は、メロディが頭の中に浮かんだ時、テストの答案用紙の裏側や、教科書、ノートはもちろん、喫茶店の紙ナプキンなど、とにかく目の前にある紙に片っ端から浮かんだメロディを書きこむ癖がありました。この曲は、中学時代、福岡の井尻交差点で信号待ちをしている時に浮かんだメロディでした。慌てて家に帰り、すぐに楽譜に書き留めました」。広瀬香美は、メロディが浮かんだ時の様子について、こう振り返ります。
「この曲もですが、中学時代に浮かんだメロディは、躍動的なものが多く、今でも、たまに引っ張りだして使うことがあります。この曲は、先に曲が完成。曲の中で、二回転調していますが、きれいに転調しているので、さらっと聴くと、あまり転調していない感じがするので、実は私のお気に入りの曲でもあるんです」。
「曲が完成し、次に歌詞を作る段階になった時。私は、あまり普通に人が使わないような、個性的な歌詞になるように気をつけました。例えば、サビの部分、「ロマンスの神様 ありがとう」という歌詞が浮かんだ時には、自分でも手応えを感じました。聴いた瞬間、耳に引っ掛かりのある歌詞にしたかったんです」。
広瀬香美自身も、曲の完成度に自信を掴んだ、３枚目のシングル「ロマンスの神様」は、1993年12月に発売されます。
1993年12月に発売された、広瀬香美３枚目のシングル「ロマンスの神様」。その年1993年、スポーツ用品専門店「アルペン」の冬のキャンペーンソングとして起用されたこの曲は、セールスチャートで５週連続１位を獲得、約１７５万枚の売上を記録するヒット曲となります。「デビューから約１年半。それまで広瀬香美の存在を全く知らなかった人にも、この曲「ロマンスの神様」で存在を知ってもらうことができました。また同時に、“広瀬香美＝冬”というイメージを定着させ、いつの間にか私は、「冬の女王」とまで呼ばれるようになりました。家族から、「電車の中で「ロマンスの神様」を口ずさんでいる人を見かけたよ」と言ってもらった時に、初めて実感として嬉しさがこみあげてきたのを今でも覚えています」。
聞く人に元気になってもらいたい、と言う彼女の願いが込められた、J-POPウィンターソングの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．今夜はビート・イット／マイケル・ジャクソン
Ｍ２．愛があれば大丈夫／広瀬香美
Ｍ３．二人のＢｉｒthday／広瀬香美
Ｍ４．ロマンスの神様／広瀬香美
第６９回目の今日お届けしたのは、「尾崎亜美／マイ・ピュア・レディ」でした。
「私が小学校に入学して間もない頃、姉がクラシックピアノを買ってもらい、ピアノを習い始めました。ピアノの先生が、我が家にやって来て、姉に教えていたのですが、いつも、姉のレッスンの準備ができるまで、私が、ピアノの先生に、ピアノで遊んでもらい、いつの間にか私も先生からピアノを習い始めていました。また、歌は、当時父親が、地元の合唱団の手伝いをしていたので、いつの間にか、一緒に歌うようになりました」。
1957年3月、京都府京都市に生まれた尾崎亜美は、こんなふうにして自然と音楽と触れ合うようになります。
尾崎亜美は、高校に進学すると軽音楽部に入部。女性３人組バンド「どん」を結成します。「「どん」では、オリジナルの曲を作り、学校の文化祭で演奏していました。また学校以外でも、レオン・ラッセル、カーペンターズ、セルジオ・メンデスなどをカバーする「おしんこペイション」と言うグループを友達と作り、活動していました」。
1974年、尾崎亜美が高校２年生の時、当時彼女が在籍していた３つ目のバンド「エンプラ・ストリート」は、KBS京都が放送していた、アマチュア音楽コンテスト番組「アクションヤング大丸」に出演します。
「コンテストに出場した目的は、ギターの弦を張り替える費用を捻出するため、参加賞の５千円の商品券が目当てでした。エンプラ・ストリートでは、審査員から高い評価をいただいて、週間チャンピオンに輝きました。実は、審査員の方は私の歌唱力を褒めてくれたのですが、バンドのメンバーひとりが、私だけが褒められたことが面白くないという理由で翌週の出場を辞退してしまったんです。仕方なく、翌週は、私を含め２人で出場することになりました。すると翌週も、審査員は、私だけを褒めたんです。結局、もう一人のメンバーも、月間チャンピンを決める時には出場辞退してしまい、最後には、私ひとりだけが出場して歌ったんです」。
コンテストで、審査員から高い評価を受けた尾崎亜美は、レコード会社、東芝エキスプレスのスタッフからデビューの誘いを受けます。「デビューの話を貰うまで、まさか自分がプロの歌手になるなんて、想像できませんでした。しかし、プロデビューの誘いを受け、話を聞いた時、私はアマチュアとプロの差を感じ、もし、自分がプロになれば、もっと色んなミュージンシャンと出会うことができて、自分にとって、もっと楽しい世界が開けるような気がして、プロデビューをすることを決めたんです」。
1976年3月、尾崎亜美は自らが作詞作曲したシングル「冥想」で、デビューします。
1976年３月、“第２のユーミン”をキャッチフレーズに、シングル「冥想」でデビューした、尾崎亜美。
「デビューが決まり、アレンジを誰にお願いするか、レコード会社のスタッフと話をしました。ピアノが弾けて歌が歌えるのであれば、同じタイプの人にアレンジを担当してもらうのが良いのではということで、白羽の矢が立ったのが、松任谷正隆さんでした。デビューの前の年の1975年の秋、松任谷さんが、荒井由実さんと婚約する直前に、レコード会社のスタッフから、松任谷さんを紹介されました。松任谷さんから、「歌謡曲とは違う、シンガーソングライター尾崎亜美のカラーを作ろう」と言われたのが印象的でした」。
シンガーソングライター尾崎亜美の、オリジナルカラーを作る。松任谷正隆から言われた言葉を胸に、尾崎亜美は、自分の音楽が、どうあるべきなのかを考え、ひとつの方向性を見つけ出します。「普通、ほとんどのミュージシャンは、子どもの頃に影響を受けた大好きなミュージシャンがいるんですが、私は、自分から積極的にレコードを買っていたタイプではなく、この人が好き、という特別なミュージシャンはいませんでした。だから、私、尾崎亜美の音楽は、その時自分が思った気持ちや想いを、歌詞に置き換える。そして、その歌詞を、今度は、メロディに乗せてみんなに聞いてもらう。ただその想いだけで、音楽を作ろう。そう考えました」。尾崎さんは、当時についてこう振り返ります。
その時々に感じた自分の想いを込めた曲作りで、シンガーソングライターとしての活動を始めた尾崎亜美。1976年８月には、尾崎亜美が高校時代に作詞作曲した曲を中心にした、1stアルバム『Shady』を発売します。
1976年8月、1stアルバム『Shady』を発売した尾崎亜美は、同じ月、東京・芝公園「ABCホール」、「新宿ルイード」で、立て続けにライブを行います。そして、11月に、2枚目のシングル「旅」を発売した尾崎亜美のもとに、翌1977年春の資生堂キャンペーンソングへの、曲提供の話が舞い込みます。
「デビューして１年足らず。まだヒット曲もなく、世の中に、どれだけ尾崎亜美の存在を知っている人がいるのか分からない時に舞い込んだ、CM提供の話だったので、スタッフから話を聞いた時には、「正直、どうしようか？」という、不安な気持ちが頭の中をかけ巡りました。しかも、予め決まっていたキャンペーンテーマを、曲のタイトルにして作って欲しい、という依頼だったので、考えれば考えるほど、自分の頭の中で煮詰まってしまいました」。
尾崎亜美は、スタッフと一緒に、ホテルの部屋に缶詰め状態で、曲を作りはじめます。
「当時私は、仕事がある度に、住んでいた京都から東京へ、新幹線で通っていました。この曲を作る時も、ホテルのスイートルームを貸し切ってもらい、曲を作りました。どう作ったらいいのか、半ばやけくそ状態になった時、曲のサビの部分、“たった今 恋をしそう”という歌詞とメロディが浮かびました。曲のサビが完成すると、残りの歌詞、曲も、さっとできたんです」。「“たった今 恋をしそう”と言う、非現実的な言葉。この非現実的な言葉だからこそ、聞く人の心を上手く掴むことができるのでは？と考えたことが、この歌の大きなポイントでした」。
土壇場まで追い込まれた状況の中から生まれた、尾崎亜美3枚目のシングル「マイ・ピュア・レディ」は、1977年2月に発売されます。
1977年、春の資生堂キャンペーンソングとして起用された「マイ・ピュア・レディ」は、発売から２ヵ月目の４月に、セールスチャート最高位３位を記録、約40万枚の売上を記録するヒット曲となります。「曲が売れ始めた頃、私は体調を壊して長期入院していました。ある日、病室のＴＶを見ていると、自分が歌っている曲が流れ、それまで私の存在を知らなかった、お医者さんや、看護婦さんが次々と病室にサインを求めに来たのが、思い出として残っています。シンガーソングライター、尾崎亜美の存在感を知ってもらうことができた曲ですね」。
最後に、尾崎亜美さんは、こう振り返ってくれました。
シンガーソングライターとして、彼女の音楽人生を切り開くキッカケとなった、J-POPの名曲の誕生でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．マスカレード／レオン・ラッセル
Ｍ２．冥想/尾崎亜美
Ｍ３．風の中／尾崎亜美
Ｍ４．マイ・ピュア・レディ／尾崎亜美
第６８回目の今日お届けしたのは、「スキップカウズ／赤い手」でした。
「僕は、中学生の頃、「有頂天」、「筋肉少女帯」といった、インディース系ロックバンドが大好きで、自分もバンドがやりたくてたまりませんでした。高校に入学し、同級生達と念願のバンドを結成。「SO-ON」を名付けたそのバンドは、大好きだったバンドのひとつ「ヴァン・ヘイレン」の「ユー・リアリー・ガット・ミー」「パナマ」といった曲をカバーしていました」。スキップカウズのボーカル、イマヤスは、ロックミュージックとの出会いについて、こう振り返ります。
1986年、イマヤスが当時住んでいた千葉県で結成された「SO-ON」は、その後も、メンバーの入れ替えを繰り返しながら、活動を続けます。そんな中、1988年、イマヤスは、高校３年生の秋、友人からの紹介で出会った、当時、茨城県つくば市を中心に活動していたビート・パンクバンド「少年倶楽部」のリーダー遠藤肇に、「ウチのバンドでもボーカルをしないか？」と誘いを受けます。イマヤスは、「２、３回ライブで歌うだけなら」と言う条件付きで、SO-ON、少年倶楽部、ふたつのバンドのボーカルを掛け持ちすることになります。
「初めの話では、“ボーカルが急に辞めたので、２、３回、ライブで歌って欲しい”と言うことでした。ちょうど、自分がバンドのリーダーとして活動することが嫌になっていたので、「いいですよ」と、軽い気持ちで引き受けたんです。その後、高校を卒業した時点で、SO-ONは解散し、僕は、ミュージシャンになるのではなく、お笑い芸人になりたくて、日本映画学校俳優科に進学しました。当時、日本映画学校は、ウッチャンナンチャンの師匠、内海好江さんが講師を務めていて、学校の漫才発表会で合格すると、卒業後、マセキ芸能社に入れるチャンスもありました。実は、僕は、その漫才発表会で合格したんですけど、そこでお笑い芸人になる夢に区切りをつけ、結局そのままボーカルとして参加していた、少年倶楽部での活動に本腰を入れるようになりました」。
「少年倶楽部で音楽をやり続けたのは、SO-ONと比べて居心地が良かったからです。SO-ONは、メンバーが同級生ばかりで、メンバー間の会話も、自然と愚痴が多くなり、メンバー間での人間関係に疲れるようになったんです。その点、少年倶楽部は、遠藤肇、小川雄二ら、リーダー的存在のふたりが僕より４歳年上で、僕はただ、歌っていれば良かったし、気持ち的に、すごく楽でした。」。
1991年、少年倶楽部は、ヤマハのアマチュアバンドコンテスト「バンドエクスプロージョン」関東甲信越大会に出場し、優秀賞を獲得。バンド・ブームとも重なり、少年倶楽部は、順調に活動していきます。
1991年、「バンドエクスプロージョン」で入賞を果たした少年倶楽部は、“プロになる”という目標を掲げ、心機一転、バンド名を「スキップカウズ」と改名します。同時に、新メンバーとして、ドラマーの大賀志健太が加入します。さらにスキップカウズは、音楽の幅を広げるために、スカやファンクと言った音楽ジャンルにもチャレンジ。11月にイマヤスの地元、千葉県で行われた「国民文化祭ちば ヤングミュージックフェスティバル」にも出場し、グランプリを獲得します。
その後、スキップカウズは、原宿のホコ天での路上ライブ、下北沢のライブハウス「屋根裏」などを中心に活動。1993年には、1stデモテープ「イイヤツ」を制作します。「当時、デモテープを１本作るために、10万円近く掛かりました。メンバーみんなが、費用を捻出するためにバイトをして、作ったデモテープ。想い出深いですね」バンドとして、軌道に乗りかけてきたスキップカウズでしたが、その年1993年に、ドラマーの大賀志健太が病で倒れ、2年後の1995年、帰らぬ人となってしまいます。メンバーを失ったスキップカウズは、一時活動を休止しますが、大賀志の入院中にサポートとしてドラムを叩いていた、直井茂雄が、新メンバーとして加入することが決まり、スキップカウズは、再び活動を再開します。
1996年、スキップカウズは、バンドコンテスト「ジャパンオープン’96」に出場、5曲入りミニアルバムを制作するなど、インディーズ・シーンで地道な活動を続けていきます。そんなスキップカウズを、1年前から見守り続けていた、ひとりのレコード会社のディレクターがいました。
「1995年暮れに行われたクラブイベントにスキップカウズが出演した時、ソニーレコードのディレクターと出会いました。挨拶をして、「いい音楽だね」と言われただけで、その時には、具体的なデビューの誘いはありませんでした」。
1996年秋、スキップカウズは、1年前に声を掛けられたソニーレコードのディレクターから、デビューの話を貰います。「ソニーレコードのディレクターは、初めて出会った後も、一年間ずっと僕らのライブを観に来てくれました。初めて出会ってから1年後に、デビューの誘いを受けた時、メンバーみんな純粋に嬉しく思いました。デモテープを作るのに、どれだけの苦労が必要なのか。メンバーみんな、その苦労が分かっているから、自分達のCDを発売できる。その喜びだけでも、とても大きな価値がありました」。
念願のデビューが決まったスキップカウズは、自分達がどのような音楽を目指すのか、担当ディレクターを交えての話し合いの末、「歌の歌詞に綴られている日本語を、聞く人がはっきりと理解してもらえる。そんなスタンダードな曲を作る」を合言葉に、プロとしてのキャリアをスタートさせます。
スキップカウズは、デビュー曲として、イマヤスが、その年1996年夏に書いた、ある曲に選びます。
「曲を書いた当時は、アルバイト無しでは生活していけないほど、生活は荒んでいました。そんな状態だから、人の心の奥に眠る、純粋な気持ちを忘れていました。歌詞を書いても、何かうまくまとまらない。なぜだろう、と考えていた時、自分の思う気持ちと、逆のことを書いたら、どう感じてもらえるだろうか？と浮かびました。もともと僕は、恋愛においても、人が来るのを待つタイプじゃなく、待たせるタイプ。
でも、本当は、逆に人を待つタイプなのでは、と考えて、歌詞を書いてみると、いい歌詞ができました。曲が完成しライブで歌うと、観客の反応も良かった。「これだっ！」、って思いました」。
イマヤスが、自分が思う気持ちとは、真逆の気持ちを綴った曲「赤い手」を、スキップカウズはデビュー曲として、1997年2月に発売します。
「2月にデビューシングルを。5月に２枚目のシングル「背筋」、6月にアルバム『バイソン』を発売しましたが、ＣＤの売上は今ひとつでした。しかし、ライブの動員は、アマチュア時代は20人前後だったのに、デビューすると100人から200人へと、目に見えて増えていました。10月にマキシシングル「そんなヤツ」を発売した後、レコード会社から、「ファンの反応も良く、ライブの動員も着実に増えてきている。この波に乗っていこう。ファンからのリクエストも多い、デビュー曲を、ジャケットを変えて、もう一度発売しよう」と言われ、この曲の再リリースが決まったんです」。
スキップカウズは、ジャケット写真のみを変更し、再び冬が巡ってきた12月に、シングル「赤い手」を再リリースします。
1997年2月にリリースされ、同じ年の12月にジャケットを変えて再リリースされたスキップカウズのシングル「赤い手」。再リリース後には、全国各地のローカルTV番組のエンディングテーマ曲として使われるなどして、オリコン有線チャート最高位26位を記録するなど、多くのファンからの支持を集めるヒット曲となります。
「正直、この「赤い手」がいい意味で目立ち、嫌で歌いたくない時期もありました。しかし、いつの間にかその気持ちが変わり、メンバーみんな、とても大切な曲に変わっていきました。歌が頻繁に流れる冬になると、作った時の純粋な気持ちを思い出させてくれます」。最後に、イマヤスさんは、こう振り返ってくれました。
人の心の奥に眠る素直な気持ちから生まれた、ラブソングの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ユー・リアリー・ガット・ミー／ヴァン・ヘイレン
Ｍ２．イイヤツ／スキップカウズ
Ｍ３．背筋／スキップカウズ
Ｍ４．赤い手／スキップカウズ
第６７回目の今日お届けしたのは、「Ｌ⇔Ｒ／KNOCKIN' ON YOUR DOOR」でした。
「僕が幼稚園の時、当時大学生だったふたりの従兄弟が、よく僕の家にレコードを持って遊びに来ていたんです。一人はビートルズ、レッド・ツェッぺリン、そしてプログレッシブ・ロックが大好で、もうひとりは、ビーチボーイズやイーグルスなど、アメリカンポップスが大好きでした。従兄弟達は、遊びに来る度にレコードをかけていたし、その従兄弟達が、僕を初めて映画に連れて行ってくれたんですが、子供向けのアニメではなく『ビートルズがやって来るヤァ！ヤァ！ヤァ！』『レット・イット・ビー』、そしてローリング・ストーンズの『ギミー・シェルター』の３本立を観に連れて行ってくれたんです。そんな感じだったので、歌謡曲よりも洋楽が自然と耳に入ってきました」。L⇔Rのメンバー、黒沢健一は、こうやって音楽と出会います。
1968年8月、茨城県日立市に生まれ、大学生の従兄弟たちによって、幼稚園時代から洋楽に目覚めさせられた黒沢健一は、高校に進学すると中学時代の同級生達とバンドを結成します。「中学生の時、従兄弟から貰ったギターを見様見まねで弾いていましたが、本格的に弾くようになったのは、バンドを結成してからです。結成当初は、メンバーのひとりの家に倉庫があり、そこを借りて練習していました。しばらくすると、もっと広い場所で大きな音を出してみたいなぁ、と思うようになり、じゃあ、自分達のオリジナル曲を作ってコンテストに出よう。そうすれば、大きな会場で、思いっきり音を出せる。そんな単純な思いで、コンテストに出ることを決めました」。
1985年、バンドの仲間達と初めてオリジナル曲を作り、コンテストに出場した黒沢健一は、偶然コンテストを見にきていた音楽事務所のスタッフに、「ボーカリストとしてデビューしないか」という誘いを受けます。高校卒業後の1988年、黒沢健一は、作曲家としての能力も評価され、南野陽子、島田奈美といったアイドル歌手への楽曲提供を行うようになります。
「僕は、元々、ボーカリストとして表に立つよりも、バックミュージシャンなど裏方の方が興味ありました。小学生の頃、『ザ・ベストテン』などの歌番組を見ていても、歌手よりもバックバンドの人たちの使っている楽器やアンプに興味が行くようなタイプでしたし、誰が歌っているかというより、この曲を誰が作ったのかという部分に目が行く変な子供だったので、人に曲を書く事はある意味とても自分で向いていると思いました」。しかし、彼のボーカリストとしての才能をあきらめきれない事務所は、1991年、黒沢健一の２歳年下の弟で、当時、別のバンドを組んでいた黒沢秀樹と一緒にバンドを組むことを提案。さらに、黒沢健一の友人から紹介された、ベーシスト木下裕晴を加えた３人で、バンド「L⇔R」(エルアール)を結成させます。
1991年11月、ポリスターレコードからミニアルバム『L』でデビューを果たしたL⇔Ｒ。「デビューの時、プロデューサーを務めてくれたのは、プログレッシブ・ロックバンド「四人囃子」の岡井大二さんでした。岡井さんと話をして、決めたのは、“自分達がやりたい、出したい音を曲にしよう。ジャンルは拘らなくてもいい”ということでした。だから、半年以上、ひたすらスタジオに籠り曲を作りました」。黒沢さんは、デビュー当時をこう振り返ります。
音楽ファンの反応を確認するため5000枚限定で発売されたミニアルバム『Ｌ』は、音楽ファンの間での口コミのみで話題を呼び、完売します。続く12月には、1000枚限定のプロモーションアルバム『R』を、音楽関係者に配布、これも好評を得ます。音楽関係者、ファンの反応の良さを感じたL⇔Rは、音楽性の幅を広げるために、女性コーラスメンバーとして嶺川貴子を加え、1992年4月、1stフルアルバム『LEFTY IN THE RIGHT〜左利きの真実』を、翌５月にデビューシングル「LAZY GIRL」を発売します。
その後、９月に2枚目のシングル「(I WANNA)BE WITH YOU」、11月にアルバム『LAUGH AND ROUGH』を立て続けにリリースしたL⇔Rは、翌1993年2月、全国５ヵ所を回る初のライブツアーを行います。「デビュー前から約２年間、とにかく曲を作ることが楽しく、没頭していました。そして、そろそろライブを…という話があり、本格的なライブとしては３〜４年ぶりにライブを行いました。元々、僕らはアマチュア時代から、ライブで育ってきたので、待ちに待ったライブでは、楽しくライブができました」。
その後もL⇔Rは、6月に両Ａ面シングル「恋のタンブリング・ダウン／君に虹が降りた」と、プロモーション用アウトテイク等を編集したアルバム『LOST RARERITIES』をリリース。さらに、11月には、初の海外レコーディングアルバム『LAND OF RICHES』、翌12月にはシングル「君と夏と僕のブルー・ジーン」と精力的に作品を発売しますが、コーラスの嶺川貴子が、音楽の方向性の違いから、脱退。再び３人となったL⇔Rは、翌1994年4月、心機一転、レコード会社をポニーキャニオンに移籍し、シングル「REMENBER」を発売します。
1994年4月に発売された、L⇔R５枚目のシングル「ＲＥＭＥＮＢＥＲ」は、初めてセールスチャートにランクインし、チャート最高位42位を記録します。「初めてセールスチャートに入って、嬉しかったですね。デビュー当初は、曲作りに夢中で、メンバー、そしてレコード会社も、僕らを支持してくれる音楽ファンがいるなら、それでいい。そんな気持ちだったので、作品を売らないといけない、というハングリー精神は欠けていたと思います。だから、セールスチャートに入り、評価されたのは、素直に嬉しく思いました」。黒沢健一は、当時についてこう振り返ります。
ただ、レコード会社を移籍してからは、ＴＶの音楽番組への出演、雑誌の取材などの依頼が増え、L⇔Rは多忙な毎日を送るようになります。そんな、Ｌ⇔Ｒの元に、1994年秋、フジテレビの大多亮プロデューサーから、ドラマ主題歌提供の話が舞い込みます。「10月に発売されたシングル「HELLO IT’S ME」のプロモーション活動の真っ只中に、翌95年の春に放送が決まっていたドラマ『僕らに愛を！』の主題歌を、Ｌ⇔Rにお願いしたい。という内容でした。プロデューサーの大多さんが、夏に、偶然、シングル「REMEMBER」を聴き、僕らを気に入ってくれて、話をくれたんです」。
「最初、僕らが次にリリースしようとしたミディアムテンポの楽曲に主題歌は決まったという話を聞いていたのですが、その後、再び大多さんから、「ドラマの収録が始まってみると、やはりアップテンポの曲がいい。作り直しをお願いできないか？」とスタッフに打診があったんです。最初、スケジュールの都合上、曲作りが難しそうだったので、スタッフは僕らにそのことを伝えるのをためらったそうですが、再度、大多いさんからお願いされて、結局もう一度トライしてみようという事になったのです」。
「作り直すことは決まったんですが、大多さんへの再プレゼンの日まで、残された時間はわずか２日間しかありませんでした。スタッフからも、初めて曲作りで急がされました。自宅で、悩んでいた時、昔よく聴いた、エディー・ホッジスの「恋の売り込み(I’M GONNA KNOCK ON YOUR DOOR)」という曲のメロディが浮び、その瞬間、サビの歌詞が出来たんです。すると、今度は、曲全体の歌詞、メロディが浮かび、わずか30〜40分で一気に曲を書き上げました。それから、近くに住んでいた弟の秀樹とベースの木下裕晴を急遽呼び、テープレコーダーを使って、デモテープを、朝６時ぐらいまで作りました。その後、少しだけ仮眠をとった後、スタジオで曲を仕上げました。翌日、大多さんにプレゼンしたら、一発ＯＫで、気分は最高でしたね」。わずか２日間。限られた時間の中から生まれた、Ｌ⇔Ｒ7枚目のシングル「KNOCKIN’ ON YOUR DOOR」は、1995年5月に発売されます。
1995年5月に発売された、L⇔Rにとって7枚目のシングル「KNOCKIN’ON YOUR DOOR」。発売に先駆けて、4月からスタートした、フジテレビ系ドラマ『僕らに愛を！』の主題歌として起用されたこの曲は、セールスチャート最高位１位、約134万枚の売上を記録するヒット曲となります。「この「KNOCKIN’ ON YOUR DOOR」のヒットで、それまでＬ⇔Ｒの存在を知らなかった人も、Ｌ⇔Ｒを知ってもらうことができました。実は、去年の12月に、シャ乱Ｑ結成20周年ライブにゲスト出演した時、つんくさんと一緒にこの「KNOCKIN’ ON YOUR DOOR」を歌ったんです。ライブで歌うのは、12年ぶりでしたが、観客の皆さんも、一緒に歌ってくれ、喜んでくれました。その表情を見ていると、僕も嬉しくなりました。自分にとっても、「メロディやアレンジにポップスの楽しさを詰め込んで作った出来た楽曲なので、とても大好きな曲です。」。
最後に、黒沢さんは、こう振り返ってくれました。
彼らにとっての音楽人生を切り開くキッカケとなった、Ｊ-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ビートルズがやって来るヤァ！ヤァ！ヤァ！／ビートルズ
Ｍ２．ＢＹＥ ＢＹＥ ＰＯＰＳＩＣＬＥ〜一度だけのＮＯ．１／Ｌ⇔Ｒ
Ｍ３．REMEMBER／Ｌ⇔R
Ｍ４．KNOCKIN’ ON YOUR DOOR／L⇔R
第６６回目の今日お届けしたのは、「鈴木祥子／優しい雨」でした。
「小学校３年生の時、両親が私にクラシックピアノを買ってくれました。それから、見よう見真似でピアノを弾いたり、クラシックのレコードを買ってもらい、聞いたりしていました。それが、音楽と私の出会いだと思います」。音楽との出会いについて、鈴木祥子さんは、当時をこう振り返ってくれました。
1965年8月、東京都に生まれた鈴木祥子は、中学に入ると、今度は洋楽に興味を持ち始めるようになります。「当時あった、『MUSIC LIFE』、『ROCK SHOW』といった洋楽音楽雑誌を買って、洋楽の事を知るようになりました。日本のアイドルのような感覚で、雑誌に、毎月載っていた、チープ・トリック、ベイ・シティローラーズ、クイーンが好きで、その中でも、一番憧れていたのが、クイーンのドラマー、ロジャー・テイラーでした。彼がドラムを叩く姿は、大好きでした」。
1980年4月、高校に入学した鈴木祥子は、同級生とレディースバンド「メルティーマーブル」を結成し、自らは、念願叶ってドラマ―として活躍します。「バンドを始めてしばらくする内に、プロになりたいなぁ、と思うようになりました。でも、プロミュージシャンと言っても、私の場合は、スタジオミュージシャンになりたいと思っていました。ちょうど、ボズ・スキャッグスのバックバンドを務めていたTOTOの曲がヒットし始めた頃で、やはり同じドラマー、パーカッションを務めていた、ジェフ・ポーカロに憧れていました。スタジオミュージシャンという仕事が、音楽業界の中で、確立し始めた頃です」
1983年、高校を卒業した鈴木祥子は、スタジオミュージシャンとしての仕事を始め、その評判はアーティストの耳にも届くようになり、1986年に行われた原田真二のライブツアーに、キーボード、パーカッションプレーヤーとして参加します。
そして、日比谷野外音楽堂で行われた原田真二のライブを見た、レコード会社のプロデューサーが、原田真二のマネージャーを通して、鈴木祥子をスカウトします。「ライブが終わって、原田さんのマネージャーを通して話がありました。楽器を弾けて、歌える女性ボーカリストを探している」と。
あくまでバックミュージシャンとしての活躍の場を夢見て、最初は自らが歌うことに戸惑いを感じていた鈴木祥子ですが、最後は自らも歌うことを決意。1988年9月、鈴木祥子はシングル「夏はどこへ行った」でデビューします。
1988年9月、シングル「夏はどこへ行った」でデビューした鈴木祥子。「元々、スタジオミュージシャンとして活躍したい、と思っていましたから、正直、まさか自分がデビューするとは思いませんでした。デビューするにあたり、プロデューサーから自分で曲を作ってみないかと言われ、それまで曲など作ったことはなかったのに、見よう見真似で、曲を作りました。テーマも無しで作った曲に、川村真澄さんが歌詞を書いてくれて、アレンジは佐橋佳幸さんが担当してくれました。ふたりには、本当に助けてもらいました」。
デビュー曲で、いきなり初めて曲作りに挑戦した鈴木祥子。
「私は、誰かに強制されてやるのが、苦手なタイプなんです。振り返ってみても、何でもやったこと、経験したことが無いのに、挑戦すれば、苦労するけど最後は何とかなる。それを繰り返していくことで、だんだんと挑戦することが楽しくなって、いつのまにか自然とできるようになっていくんです。自分の中で、自分のペースで物事を消化して、挑戦していくのが、私には似合っているんだと思います」。
1988年のデビュー後、鈴木祥子は１年に２〜３枚のシングルと、１枚のアルバムを順調にリリースしていきます。そして、1991年、アイドル歌手小泉今日子との再会が、鈴木祥子の音楽人生の扉を、大きく開くキッカケとなります。「小泉今日子さんとは、私がデビューする前年の1987年に、ライブのバックミュージシャンとしてお会いしたのが最初です。私がデビューしてしばらくした後、小泉今日子さんが所属していたレコード会社のプロデューサーの方から、今度発売するアルバムに曲を書いてもらえないだろうかという話がありました。それが、アルバム『afropia』に収録された「あなたがいた季節」という曲です。そして翌年の1992年に、もう一度、楽曲提供の話を貰って、書いたのがこの曲です」。
1993年2月、鈴木祥子が小泉今日子に書いた「優しい雨」は、シングルとしてリリースされます。
1993年2月にリリースされた、小泉今日子の34枚目のシングル「優しい雨」は、1月にスタートしたTBS系ドラマ『愛するということ』の主題歌に起用され、セールスチャート最高位2位、約95万枚を売るヒット曲となります。
「この曲を作る時、初めは、“シングルになるかもしれません。曲はドラマテックなバラードで、中山美穂の1988年のヒット曲「You’re My Only Shinin’ Star」のようなイメージでお願いします”というオーダーでした。私は、売れる曲を作りたい、というプレッシャーを背負いながらではなく、ただ、単純にいい曲を書きたい。その気持ちひとつで作りました。そして、私が作った曲に、小泉今日子さんが歌詞を書き、曲が完成しました。完成後、結果的にシングルとして発売されることになり、ドラマの主題歌としても起用され、ヒットしました。よどみのない気持ちで作った結果だと、その時、私は思いました」。
小泉今日子にとっても、1991年の「あなたに会えてよかった」以来のヒットとなった、「優しい雨」。その年1993年夏、鈴木祥子が所属するレコード会社エピックソニーは、鈴木祥子に、この「優しい雨」をカバーすることを提案します。「レコード会社のディレクターから、次のアルバムに収録する曲として、カバーをしてみないか、とリクエストされました。カバーすることに抵抗は無かったし、迷いもありませんでした」。
「ただ、自分がカバーレコーディングするにあたって、一つだけ気をつけたのは、小泉今日子さんが歌ってヒットしたこの曲のイメージを、壊さないことだけでした。あとは、いかに鈴木祥子らしく歌うことができるか、これだけに集中してレコーディングに取り組みました」。
鈴木祥子がカバーした「優しい雨」は、翌11月に発売されるアルバム『Radio Genic』に先駆けて、1991年10月に発売された、11枚目のシングル「ラジオのように」のカップリング曲として発売されます。
鈴木祥子11枚目のシングル「ラジオのように」のカップリング曲として収録された「優しい雨」。
「この曲「優しい雨」は、鈴木祥子のシンガーソングライターとしての道を、大きく切り開いてくれた曲です。自分の大きな自信にも繋がりました。去年の11月に、小泉今日子さんが久し振りに行ったライブでも、この曲を歌ってくれたんです。久しぶりに歌ってくれた、というその話を聞いて、改めて小泉今日子さんが、この曲を大事にしてくれているんだな、という気持ちが伝わってきました。作り手冥利につきますね」。鈴木祥子さんは、最後にこう語ってくれました。
彼女のシンガーソングライターとしての道を、大きく切り開くキッカケとなった、J-POPバラードの名曲の誕生でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．We Will Rock You／クイーン
Ｍ２．夏はどこへ行った／鈴木祥子
Ｍ３．優しい雨／小泉今日子
Ｍ４．優しい雨／鈴木祥子
第６５回目の今日お届けしたのは、「ふきのとう／白い冬」でした。
「僕と歌との出会いは、1962年(昭和37年)、小学４年生のある日、担任の先生に音楽室に呼び出されたのがキッカケです。呼び出しの理由が分からないまま音楽室に行くと、先生が、「オルガンの伴奏に沿って歌を歌って」と言いました。言われるがまま歌を歌うと、「細坪君、合格」と言われ、ビックリして理由を尋ねました。
すると、先生は、「道内で開かれる独唱コンクールに出場する生徒を選ぶため、生徒を順番に歌わせた」って言うんです。それで僕は、独唱コンクールに出場し、結果は地区予選２位で終わったんですが、その時初めて「僕は歌がうまいんだ」という自信を持ったんです」。元ふきのとうの細坪基佳さんは、歌との出会いについてこう振り返ります。
1952年10月、北海道に生まれた少年・細坪基佳は、中学に入るとエレキギターを購入、同級生とバンドを結成します。「当時、あこがれていた特定のバンドはありませんでした。友達同士、持っていたレコードをみんなで貸し借りして、それぞれがお気に入りの曲をカバーするんです。ローリングストーンズの「テル・ミー」をはじめ、ベンチャーズ、スパイダース、加山雄三など、とにかくジャンルはこだわず、カッコいいと思った音楽をカバーして楽しんでいました」。
その後、高校に入学した細坪基佳は、ラジオから流れてくるサイモン＆ガーファンクル、ＣＳＮ＆Ｙ（クロスビー、スティルス、ナッシュ＆ヤング）などの、アメリカのフォークソングにも興味を持つようになります。
1971年春、北海道学園大学に入学した細坪基佳は、ロックバンドに憧れ、大学のロックバンドサークルに入部しますが、サークル内の音楽に対する考え方の違いから、わずか数カ月で退部。同じ年の1971年10月、
今度は、大学のフォークソング研究会に入部します。そして細坪基佳は、そこで、ひとり先輩部員と出会うのでした。「フォークソング研究会には、部員全員が一堂に集まる総会が月に一度ありました。その総会に初めて参加した日、みんなに挨拶をした後、60人ぐらいいた部員全員がバンドごとに別れて練習をし始めたんですね。
まだ、僕はどのグループにも入っていないわけですから、どうしようかと戸惑っていると、ジローズの「愛とあなたのために」を演奏しているグループがいたんです。「この曲なら、僕も一緒に歌える」と思い、そのグループの元へ駆け寄り、ハーモニーに参加しました。でも、何度歌っても上手くいかず、困り果てていると、ひとりの部員が近づいて来て「オレと歌ってみよう」といってくれたんです。一緒に歌ってみると、完璧にハーモニーが重なるんです。２、３度歌っていると、いつの間にか他の部員が歌うのを止めて、みんな、僕らの歌に耳を傾けているんです。それが、２歳年上の山木康世との出会いでした」。
運命的な出会いを果たした細坪基佳と山木康世の二人は、翌1972年、山木康世の友人二人を含む４人で、バンド「マッド・スライド・スリム」を結成、北海道厚生年金会館で行われたチャリティーコンサートへ出演します。しかし「マッド・スライド・スリム」は、チャリティーコンサート出演後に解散、次に細坪基佳と山木康世のふたりは、ユニット「メロディー」を結成し、アマチュア音楽コンテストに出場するようになります。
その後、ユニット名を「ふきのとう」と変えた二人は、札幌市内のライブハウスなどにも度々出演するようになります。そして1973年のある日、彼らが出演していた札幌市内のライブハウスに、偶然立ち寄ったレコード会社のスタッフとの出会いが、「ふきのとう」の音楽人生を変えることになるのでした。
「コンテストに度々出場、入賞も果たし、「ふきのとう」の名前は北海道では少しずつ知られる存在になっていきました。コンテストで頻繁に歌っていた「夕暮れの街」の評価も、自分たちの周りでは高かったし。でも、この時は、僕らは、音楽では、生活できないと思っていたので、プロデビューするつもりは全くありませんでした。ある日、ライブハウスにやってきたエレックレコードのスタッフからプロデビューの誘いを受けるまでは」。
プロデビューするつもりが全く無かった「ふきのとう」のふたりは、エレックレコードからの誘いを一度は断ります。しかし、その数か月後、再びそのレコード会社のスタッフが、北海道を訪れて、再び「ふきのとう」にプロデビューの話を持ち掛けます。「２度目に会った時、その人はエレックレコードを辞め、新しい事務所を立ち上げる準備をしていました。今度は、「CBSソニーが、ふたりの東京での生活の準備もするから、プロデビューしないか」と言ってきたんです」。
一度は断ったプロデビューの話ですが、度重なる誘いに、「ふきのとう」のふたりは悩んだあげく、今度は応じることにします。「僕は大学卒業が迫り、就職の事を考えないといけない時期でした。山木さんは大学を卒業して就職した直後でした。元々プロデビューする考えは全く無かったふたりでしたが、生活の準備をしてくれるなら、３年ぐらいは、社会経験を積む意味でも、やってみようと考え、プロデビューの誘いを受けることにしたんです」。1974年3月、プロデビューを決めた「ふきのとう」のふたりは、デモテープ作りのために上京します。
「デモテープ作りのために上京し、どの曲をレコーディングするかを考えた時、コンテストで何度も歌っていた「夕暮れの街」、「帰り道」の２曲はすんなりと決まりました。スタッフから、もう１曲レコーディングしようという話が出て選んだのがこの曲です。この曲は、もともと大学時代に作られていた曲で、当時、同じフォークソング研究会に所属していた工藤忠行さんが作詞をして、山木さんが曲を作っていたものです。僕自身も、大学時代にほんの数度しか歌った経験はなく、曲の存在すら忘れていました。でも、このデモテープ作りの時には、「この曲にしよう」と偶然にも、ふたりの頭の中に出てきたんです」。
「僕らふたりは、コンテストで何度も歌っていた「夕暮れの街」がデビューシングルになると思っていました。すると、事務所のスタッフから「CBSソニーが、デビューシングルは３番目の曲にしたい、と言っている。これからの長い付き合いの事を考え、レコード会社の話を聞いておこう」と言われたんです」。
「実は、これには後日談があって、２、３年前に、何十年ぶりかに、当時の事務所のスタッフに出会った時、そのスタッフが謝りながら話をしてくれました。あの時、CBSソニーが「夕暮れの街」ではなく、3番目の曲にして欲しい、と言ってきたと話したけど、実はあれは嘘で、本当は、事務所の考えだったそうなんです。
「ふきのとう」がデビューする直前に、同じようなフォークソンググループ「グレープ」の「精霊流し」がヒットしたんです。それで、「精霊流し」と似たイメージの「夕暮れの街」をデビューシングルにするのは良くないと考えたそうなんですね。人生は分からないものですよね」。
1974年9月、「ふきのとう」のデビューシングルとなった「白い冬」は発売されます。
「ふきのとう」デビューシングル「白い冬」は、セールスチャート最高位14位、約18万5000枚の売上を記録します。「「ふきのとう」18年間の活動は、僕の人生の中で、大きな交差点でした。そして、このデビュー曲「白い冬」は、その大きな交差点で出会った、34年来の旧友のような感じがします。正直、歌いたくない時期もありましたが、頭の中では、片時も忘れたことはありませんでした。でも今は、違います。細坪基佳=ふきのとう。ふきのとう=白い冬、というイメージを抱く人も多いと思います。だから、敢えてアレンジを変えないで、当時のままの曲を、デビューから34年経った今の細坪基佳が歌うのも、味が出ていいと思うんです。さくらぴあのライブでも、もちろん歌うつもりです。」。細坪基佳さんは、こう語ってくれました。
彼らの音楽人生を変えるキッカケとなった、J-POPフォークソングの名曲の誕生でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ＴＥＬＬ ＭＥ／ローリング・ストーンズ
Ｍ２．愛とあなたのために／ジローズ
Ｍ３．夕暮れの街／ふきのとう
Ｍ４．白い冬／ふきのとう
第６４回目の今日お届けしたのは、「ＳＭＩＬＥ／ＩＮ ＥＶＥＲＹ ＰＬＡＣＥ」でした。
「小学生の頃、お小遣いを貯めては、TBSの音楽番組『ザ・ベストテン』で流れていた、歌謡曲、J-POP、ROCK…、ヒット曲のシングルレコードを買って聞いていました。その後、中学２年の時、小学校からずっと一緒だったクラスメイト5人で、サザンオールスターズ、RCサクセション、THE MODSの曲をカバーするバンド、「ビーフリー」を結成しました。その中でも、特によくカバーしていたのは、サザンオールスターズの「ミス・ブランニュー・デイ」です」。
自身の音楽との出会いについて、SMILEの元リーダーの浅田信一さんは、こう振り返りました。
1983年に結成された、ＳＭＩＬＥの前身バンド「ビーフリー」は、その後、メンバーチェンジを繰り返しながらも活動を続けます。「1986年、僕が高校２年生になった時、果たしてこんな状態でいいのか？と考えるようになり、僕は高校を中退しました。中途半端に音楽をやるのではなく、どこかで、プロを目指したい、という気持ちが自分の心の中に、芽生えてきたんでしょう。それからは、アルバイトをしながら、音楽活動を続けました」。
その後、地元静岡県浜松市のライブハウスを拠点に活動を続けていた「ビーフリー」は、1994年に静岡市で開かれたアマチュアバンドコンテスト「静岡フェスタ」に出場。会場で販売していた「ビーフリー」の自主制作カセットテープが、ひとりの音楽関係者の耳にとまります。
「偶然、ソニーSDオーディションのスタッフが「静岡フェスタ」を見に来て、僕らの演奏を聴き、自主制作カセットテープを買って、他のスタッフに聞かせ、興味を示してくれました。そこからデビューまでは、早かっような気がします。すぐに、「SDオーディション」のショーケースに出演して欲しい、と言う連絡があり、東京へ向かい、出演。すると、今度はそのショーケースを、僕らが後に所属することになる音楽事務所SMAと、ソニーレコードのスタッフが見て、「契約しよう」という話になりました。何か、信じられませんでしたね」。「ビーフリー」のプロデビューは、とんとん拍子に話がまとまり、翌1995年7月、「ビーフリー」はバンド名を
SMILEと変え、シングル「明日の行方」でデビューします。
1995年7月、SMILEはシングル「明日の行方」でデビュー、セールスチャート最高位39位、約12万枚の売上を記録します。「デビュー後は、TVの音楽番組に出演したり、雑誌の取材を受けたり、ライブを行ったりしていました。でも、どこか自分達の心の中では、釈然としないものを感じていました。僕らは、音楽活動をするためにプロデビューしたのに、何で音楽活動とは関係のないことをしないといけないんだろう、って。今は、自分が他のアーティストのプロデュースをすることもあり、音楽活動をする上で色んな場所へ露出することは、必要な事だと分かるんです。ただ、当時は若かったので、理解できなかったんですね」。浅田さんは、こう振り返ります。
音楽の世界で生き残っていくためには、商業的なプロモーション活動もしなければいけない。しかしそれが、自分達の音楽を作って、活動していく上で本当に、必要な事なのか？ SMILEのメンバーは、葛藤を抱えながらも、自分達のやりたい音楽を模索しながら、制作活動を続けていきます。
1995年は、デビューシングルを含むシングル２枚、アルバムを1枚リリース。翌1996年は、シングル２枚、アルバム１枚をリリースしたＳＭＩＬＥでしたが、1997年は、シングルを１枚リリースするのみに終わります。
「バンドの中で、それまでの葛藤が我慢しきれなくなりました。もう一度、自分達のやりたい音楽を見つめ直してみよう、とバンドのみんなで考え、スタジオワークを中心に過ごしました。結果的に、自分達が納得できる、シングルができたので、良かったと思います」。
翌1998年1月、SMILEは、メンバーみんなが納得し作りあげたシングル「DRIVE」をリリースします。
1998年1月、SMILE６枚目のシングルとして発売した「DRIVE」。「バンドのみんなは、自信を持って曲を作りましたが、残念ながら商業的には成功とは言えず、周りのスタッフからの評価も、今ひとつでした。結果も出ず、正直、僕らに対して反感を持つスタッフもいました。何で言うことを聞かないんだって」。
スタッフからの厳しい言葉を受けながらも、SMILEは2月に3枚目のアルバム『RUB OF THE GREEN』を、5月にはマキシシングル「BUTTERFLY」、8月には７枚目のシングル「クラゲ」を立て続けにリリースします。「前の年、1997年は、リリースを抑えてスタジオワークを中心に活動していたので、逆にこの年1998年はリリースを立て続けに行っていました。そんな中、確か７枚目のシングル「クラゲ」をリリースする直前の夏頃だったでしょうか。翌1999年の春に、４枚目のアルバムを発売しようと考えた時、何かアルバムを作るキッカケとなる曲が欲しかったんです。スタッフと色々話をしていた時、クリスマスをテーマにした曲を作ったら？と言う意見が出てきたんです。」
浅田信一は、クリスマスをテーマの曲作りを考えていたある日、ひとつの情景を思い出します。
「曲を作る、ちょうど前の年の1997年、それまで冬の風物詩だった東京・表参道のイルミネーションが、環境問題に配慮するなどの理由で中止になったんです。浜松から上京して以来、僕らも冬になるとずっとその景色を見てきたから、何か寂しいな、って思っていたので、それをヒントに歌詞を作っていきました」。
冬をイメージさせるキーワードを、数多く歌詞に綴ったSMILE ８枚目のシングル「IN EVERY PLACE」は、1998年11月にリリースされました。
SMILE 8枚目のシングルとして、1998年11月にリリースされたシングル「IN EVERY PLACE」。「翌1999年4月に、SMILEにとって最後のオリジナルアルバム『FOR YOUR SMILE』がリリースしますが、この「IN EVERY PLACE」は、そのアルバムを作る足がかりとなった曲です。僕たちSMILEが、持っていた力を、アルバム『FOR YOUR SMILE』で全て出し切ることができた。その意味では、僕にとってもこの曲はとても思い出深い曲です。12月21日、22日に行うソロライブでも、久し振りにやってみようかな、と思っています」。
最後に、浅田さんはこう語ってくれました。
自分達の音楽観を貫き通す中から生まれてきた、J-POPクリスマスソングの隠れた名曲の誕生でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ミス・ブランニュー・デイ／サザンオールスターズ
Ｍ２．明日の行方／ＳＭＩＬＥ
Ｍ３．ＤＲＩＶＥ／ＳＭＩＬＥ
Ｍ４．ＩＮ ＥＶＥＲＹ ＰＬＡＣＥ／ＳＭＩＬＥ
第６３回目の今日お届けしたのは、「カズン／冬のファンタジー」でした。
「カズンのもうひとりのメンバー、古賀いずみと再会したのは、本当に偶然の出来事でした。僕の母親と、彼女の母親が姉妹で、小さい頃はよく祖母の家で一緒に遊んでいましたが、ふたりともが学校に通うようになってからは、会うことも次第に少なくなっていたのに、まさか同じ音楽スタジオで、同じトレーナーからボーカルレッスンを受けているなんて…、考えてもみませんでした」。カズンのメンバー、漆戸啓さんは、もうひとりのメンバー、古賀いずみと、カズンを結成するキッカケとなった再会について、こう振り返ります。
1992年、当時高校生だった漆戸啓は、自らが通っていた音楽スタジオのボーカルレッスン教室で、同じトレーナーの生徒だった従姉の古賀いずみと、ボーカル教室がたまたま休講になったことで、再会を果たします。その後、漆戸啓と古賀いずみのふたりは、再会して間もなく、お互いの共通の趣味でもあった音楽について頻繁に話をするようになります。やがて、漆戸啓は、古賀いずみが数か月に一度、シンガーとしてライブを行っていた、浅草のバー「１２２９」に、一緒に出演するようになります。
「彼女のライブに、何度か顔を出すようになった時、どちらともなく、「一緒にやろう」という話になりました。再会した翌1993年に、ふたりでデュオ「イトコーズ」を結成、浅草の「1229」や、四谷の「フォーバレー」、原宿の「ルイード」でライブをするようになりました。元々僕は、80年代R&Bや、ブラックコンテポラリ―音楽をよく聞いていたのですが、デュオを結成してから、ふたりが歌い始めたのは、「美女と野獣」「アラジン」などディズニーアニメソングのカバーソング、ダイアナ・ロスとマーヴィン・ゲイのデュエットソングなどが中心でした。お互いのハーモニーを活かした歌が中心でしたね」。
翌1994年、漆戸啓と古賀いずみが結成したデュオ「イトコーズ」は、彼らの歌を聞いた人たちを中心に話題を呼び始め、ふたりの噂は、音楽関係者の耳にも届くようになります。そして、それまではカバー曲を中心に歌っていた「イトコーズ」は、メジャーデビューに向けて、初めてオリジナル曲作りにチャンレジします
「初めてオリジナルで作った曲は、「おばあちゃんの誕生日」という曲です。ちょうどふたりが「イトコーズ」を結成して一緒に活動を始めた頃に、ふたりが子供の頃大好きだった祖母が亡くなり、その祖母の想い出を残したい、という気持ちも強かったので、初めてのオリジナル曲にその想いを込めました。この頃になると、僕らふたりは、メジャーデビューしても絶対成功する自信を持つようになり、曲ができたら、すぐにデビューだ、と思うようになっていました」。漆戸さんは、当時をこう振り返ります。
オリジナル曲をレパートリーに加えたことで、ふたりの絶妙なハーモニーを聞ける「イトコーズ」のライブは、よりいっそう評判を呼ぶようになり、その話を聞きつけた数社のレコード会社の関係者が、メジャーデビューの話を持ち掛けます。「最終的にキューンソニーと契約しました。決めた理由は、単純です。僕の母親が、ソニーなら、大きい会社だから大丈夫だよって言ったからです」。
漆戸啓と古賀いずみのふたりは、当時ソニーが行っていた「ライブオーディション」を受けた後、キューンソニーと契約。翌1995年春のデビューが決まります。「デビューが決まった時は、正直、俺たちは上手いんだから、デビューして当たり前。当然売れるだろう。ぐらいにしか思っていませんでした。今、振り返ると生意気ですよね。 でも、そんな生意気な僕らに、レコード会社のスタッフは、デビューしてアルバム３枚出すまでは、売れなくても大丈夫だから、それまでは、じっくり時間をかけて、ゆっくりとやっていこうよ。と優しく言ってくれました」。
1995年3月、従姉弟同士の2人は、「イトコーズ」を英語に置き換えた「カズン」に改名し、シングル「愛なんて信じない」で、念願のメジャーデビューを果たします。
1995年3月、カズンはシングル「愛なんて信じない」でメジャー・デビュー。５月には、デビューまでに書き溜めておいた曲で構成された1stアルバム『彼と彼女の夏』を発売。続いて７月には、２枚目のシングル「ベルが鳴った」を発売します。
「シングルも、アルバムもセールスチャートには、全くランクインしませんでしたけど、デビュー前にスタッフが言ってくれた、アルバムを３枚発売するまでは、ゆっくりはやろう。と言ってくれた言葉が、ふたりの気持ちを楽にしてくれました。あと、デビュー後も定期的に行っていた対バン形式のライブで、お客さんの反応がそこそこ良かったので、まぁ、いつかは何とかなるだろうと、悲壮感はありませんでした」。
そして1995年7月、2枚目のシングル「ベルが鳴った」発売直後に、初のワンマンライブを大阪バナナホールで成功させたカズンの下へ、ひとつの知らせが舞い込みます。
「最初に話があったのは、デビュー直前の、その年の春のことでした。レコード会社のスタッフから、サッポロビール「冬物語」のCMソングのオーディションがあるから、カズンも一曲出しておこういわれたんです。「冬物語」のCMソングと言えば、過去に槇原敬之さんの「冬がはじまるよ」が起用され大ヒットしました。そのメジャーなＣＭソングに、まさか自分達の曲が選ばれるとは思いもせず、気軽な気持ちで曲のサビの部分を作り出しました」。「どうせ無理だろう、と考えて作った曲だったので、曲を出したことさえ忘れていました。大阪でのワンマンライブ終わり、少し落ち着いた時、「そう言えば、あのＣＭの話はどうなりましたか」とスタッフに聞くと、最終候補に残っています、と返事が返ってきたんです。じゃあ、せっかくだから、ＣＭソングへの採用がダメになっても、自分達の曲としてリリースすればいいや、ということで、曲のサビの部分しかなかったこの曲を、最後まで作り始めました」。
「曲のイメージは、もともと僕が、父親から聞かされていた話をモチーフにして作りました。青森県出身の僕の父親は、小学生の頃、体育の授業でスキーやスケートなどのウインタースポーツをしていた、という話を聞かされていて、その話を、頭の中で思い出して作りました。それから、歌詞のサビの部分「街の灯も、ざわめきも届かない」という部分は、一面の雪景色をイメージしています。一面が雪に覆われた世界は、静寂の世界でしょ。また、恋愛中のカップルが二人だけの世界に浸っている時は、周りでどんな事が起きていても、気にも留めない。その二つの世界観を重ね合わせているんです」。
冬の幻想的な世界観と、ふたりのためのラブソングを重ね合わせた、カズン３枚目のシングル「冬のファンタジー」は、1995年10月発売されます。
1995年10月に発売された、カズン３枚目のシングル「冬のファンタジー」は、セールスチャート最高位８位ながら、その後、半年近くに渡ってチャートにランクインするロングヒットとなり、約７０万枚の売上を記録します。
「デビュー直後、プロの音楽の世界を簡単に考えて、生意気だった僕らが、改めて歌を作ること、そして歌うことの素晴らしさを分かることができた、アーティストとして、気持ちの上で再スタートを切ることができた曲です」。
漆戸さんは、最後にこう話してくれました。
男女、ふたりの絶妙なハーモニーが奏でる、J-POP冬の定番曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ビューティ・アンド・ザ・ビースト／セリーヌ・ディオン ウィズ ビーボ・ブライソン
Ｍ２．おばあちゃんの誕生日／カズン
Ｍ３．愛なんて信じない／カズン
Ｍ４．冬のファンタジー／カズン
第６２回目の今日お届けしたのは、「辛島美登里／サイレント・イヴ」でした。
「私が、辛島美登里と、初めて直接会ったのは、1987年の夏のことです。当時、私は、永井真理子のレコーディングプロデューサーを担当していました。付き合いがあった音楽事務所の社長から、ソングライターとして辛島美登里を紹介されて、永井真理子の２枚目のシングルの曲作りを依頼。デモテープが完成し、辛島美登里本人が、スタジオにデモテープを持ってきた時に、初めて彼女と会いました。知的な人だなぁ…というのが、辛島美登里に出会った時の、第一印象です」。その後、辛島美登里のプロデューサーを務めることになる、金子さんは、当時をこう振り返ります。
1961年5月、鹿児島市に生まれた辛島美登里は、国立奈良女子大学在学中の1983年10月に行われた、「第26回ヤマハ・ポピュラーソングコンテスト」通称・ポプコンに出場し、グランプリを獲得します。その後、辛島美登里は、1986年に、ポプコンでグランプリを獲得したシングル「雨の日」でデビュー。翌1987年には、オリジナルビデオアニメの主題歌を自らが歌う傍らで、他のアーティストへ曲を提供するソングライターとしても活動し始めます。
「辛島美登里に初めて会った後、当時、彼女が所属していた事務所の社長から、彼女のライブに誘われて、見に行きました。永井真理子へ提供した曲を初めて聞いた時にも感じましたが、彼女が作った曲の中には、女性の心理的描写、心情が丁寧に綴られているのが印象的でした。ひとつの曲が、一つのストーリー、物語として完成されていました」。
辛島美登里が描く歌の世界に秘められた、アーティストとしての可能性を感じた金子さんは、ソングライターとしてではなく、シンガーソングライターとして辛島美登里をプロデュースすることを、事務所の社長に提案。
1989年6月、辛島美登里は、シングル「時間旅行」で、改めてデビューします。
1989年6月に、辛島美登里は、シングル「時間旅行」で再デビュー。続いて7月には、1stアルバム『Gently』を、9月には2枚目のシングル「黄昏を追い抜いて」を発売します。
「シングルは、セールスチャートにはランクしませんでしたし、アルバムも、最高位は96位でした。しかし、レコードが売れなくても、辛島美登里の曲がラジオでオンエアされる回数や、雑誌などの取材が徐々に増えていたので、少しずつですが、手ごたえを感じていました。音楽業界の関係者を中心に、辛島美登里を評価してくれる人も増えてきていたので、焦りみたいなものはありませんでした」。金子さんは、こう振り返ります。
実際、金子さんは、過去の経験をひとつの教訓として、辛島美登里のプロモーション活動にあたっていました。
「1979年(昭和54年)、当時私はCBSソニーで、デビュー間もない久保田早紀を担当していました。デビュー曲「異邦人」が、いきなり145万枚を売る大ヒットを記録したのですが、その後、ヒット曲が続かず、ライブの集客も伸び悩み、久保田早紀は、アーティスト活動を続けていくことができなくなりました。その時の教訓で、息の長いアーティストを育てるには、セールスと、ライブの集客。この二つのバランスが、うまくとれないと成功しないと感じました。デビュー当時の辛島美登里は、セールス的には今ひとつでしたが、曲を聞いた音楽業界の関係者の間での評価が少しずつですけど高くなり、ライブへの動員も少しずつ増えてきていたので、ひょっとしたら、うまく成長してくれるのではと、この時期から思い始めていました」。
1989年11月、辛島美登里は、当時、同じレコード会社ファンハウスに所属していた、小林明子、永井真理子、麗美の３人の女性ボーカリスト達と一緒に、クリスマスをテーマにしたコンピレーション・アルバム『MERRY CHRISTMAS TO YOU』を発売。アルバムタイトル曲「Merry Christmas To You」を、シングルとして発売します。
1989年11月に、小林明子、永井真理子、麗美、そして辛島美登里の４人の女性ボーカリストによって歌われたシングル「Merry Christmas To You」。この曲は、セールスチャート最高位51位、約1万8千枚の売上を記録します。そして、この曲を聞いたTBSテレビのプロデューサーが、TVドラマ主題歌の話を、金子さんに持ち込んだのでした。
「ある忘年会の席で、TBSテレビのプロデューサーと一緒になったんですが、その席で、「来年の冬に、クリスマスをテーマにしたドラマを作ることを考えているんですが、４人が歌った「Merry Christmas To You」を、辛島美登里が一人で歌ったバージョンとして、主題歌に使えませんか」と持ちかけられたんです。その話を聞いた時、私は、この曲もいいけど、せっかくのチャンスだから、辛島美登里に改めて、クリスマスをテーマにした新しい曲を書かせてもらえませんか？とお願いしました」。
TVドラマ主題歌制作の依頼を受けた辛島美登里は、曲の制作活動に取り組む一方で、２月にシングル「ツバメ」を発売。シングルとしては初めてセールスチャートにランクインし、最高位49位、約1万6千枚の売上を記録します。また５月には、2枚目のアルバム『Good Afternoon』を発売。アルバム『Good Afternoon』は、セールスチャート最高位12位、約11万枚の売上を記録し、辛島美登里のファン層が、着実に広がっているのを、本人、そしてスタッフは実感していきます。そして、辛島美登里が曲作りを始めて、半年近く経った1990年夏。その年の10月からスタート予定のTBS系ドラマ『クリスマス・イヴ』の主題歌は、遂に完成します。
「辛島美登里と、TBSテレビのドラマプロデューサーを交えて、何度か曲についての議論をかわしました、曲のテーマが、クリスマスという、ある意味単純で分かりやすかったので、辛島美登里が作ってきたデモテープに対して、大幅な修正はありませんでした。ただ、ひとつ、TVドラマの内容と、できあがってきた曲を、巧くリンクさせることができるのか。これが、一番のポイントでした」。
「曲が発売された当時は、バブル景気も終わりを迎えていましたが、まだまだその余韻に浸って、クリスマスを豪華に過ごす人が多かった時代。でも豪華にクリスマスを過ごす人がいる一方で、クリスマスを、アンハッピーに過ごす人だっている。このドラマは、どちらかと言えば、アンハッピーな内容だったので、主題歌も、いかに切ない女性の恋心を描くことができるかが、ポイントでしたね。曲のイントロ部分で、雪がしんしんと降り積もっていくような様子描き、切なさを表現していく。この部分のアレンジには、苦労しました」。
ドラマ『クリスマス・イヴ』の主題歌として起用された、辛島美登里のシングル「サイレント・イヴ」は、11月に発売されます。
1990年11月に発売された、シングル「サイレント・イヴ」。10月からスタートしたTBS系ドラマ『クリスマス・イヴ』の主題歌として起用されたこの曲は、ドラマが進むにつれてセールスチャートを上昇、発売から3週目には、辛島美登里にとって初のセールスチャート1位を獲得します。そして、一度は、1位の座を明け渡しますが、ドラマがクライマックスに差しかかった12月に、再び、今度は2週連続で1位を獲得、最終的に約80万枚のセールスを記録するヒットとなります。
切ない、女性の恋物語を綴った、クリスマス・ソングの名曲が誕生した瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．瞳・元気／永井真理子
Ｍ２．時間旅行／辛島美登里
Ｍ３．Merry Christmas To You／小林明子・永井真理子・麗美・辛島美登里
Ｍ４．サイレント・イヴ／辛島美登里
第６１回目の今日お届けしたのは、「鈴木康博／１億の夜を越えて」でした。
「レコードデビューが決まっても、正直、音楽だけで生活していけるとは思いませんでしたし、何より、ちゃんと音楽の基礎を勉強しないといけない、って思いました。だから僕は、アレンジや作曲の学校にも通いました。他のメンバーは、まだそれ程プロになりたいとは思ってはいなかったんではないでしょうか」。
1969年7月、鈴木康博は、高校時代から一緒に音楽活動をしていた小田和正、地主道夫らと、バンド「ジ・オフコース」を結成。「ヤマハ・ライトミュージックコンテスト」仙台地区予選に出場し、予選を勝ち抜いたジ・オフコースは、11月に行われた「ヤマハ・ライトミュージックコンテスト」全国グランプリ大会で、グランプリを獲得した赤い鳥に続き2位入賞、レコードデビューが決まります。
中学生の頃から、ピーター・ポール＆マリー、サイモン＆ガーファンクルといったアメリカンポップスの影響を受け、音楽にのめり込んでいった鈴木康博は、ジ・オフコースが、デビュー当時目指した音楽の方向性について、こう振り返ります。
「デビューが決まっても、僕らは自分達の中で、どんな音楽をやっていきたいのか、目指す音楽の方向性が、はっきり決まっていませんでした。ただ、その当時流行っていた“カレッジフォーク”的な音楽には、抵抗を感じていたので、それとは違う方向性にはしよう、とは思っていました」。
ジ・オフコースがデビューを目前に控えた1970年は、3月に吉田拓郎も参加した広島フォーク村のアルバム『古い船をいま動かせるのは古い水夫じゃないだろう』が発売されるなど、フォークソングが全盛期を迎えようとしていた時代です。そんな時代の流れに抵抗を感じていたジ・オフコースでしたが、自分達の音楽の方向性がハッキリと定まらないまま、1970年6月にシングル「群衆の中で」でデビューします。
1970年4月、シングル「群衆の中で」でデビューしたジ・オフコース。翌1971年2月に、結成以来のメンバーだった地主道夫が、音楽とは違う世界に進むことを目指し、ジ・オフコースを脱退。小田和正と鈴木康博のふたりになった、ジ・オフコースは、焦らず、まずは自分達のペースで音楽活動を続けることを決めます。翌1972年、グループ名をジ・オフコースから、オフ・コースへと改名し、9月に初めて単独ライブを行います。「デビューしてしばらくは、自分達はシンガーソングライターだという自覚はありませんでした。レコード会社が勧める音楽プロデューサーに、音楽の方向性を任せないといけない状態で、シングルのA面に収められる曲は、他の作詞家、作曲家が作った曲ばかりでした」。
1973年6月、オフ・コースはデビューから3年が経って、念願の1stアルバム『僕の贈りもの』を発売。「このアルバム『僕の贈りもの』は、叙情的な季節感を出したメロディと、僕と小田のコーラスが中心に作られたものです。オフ・コースとしての音楽の方向性を、初めて決めることができた作品ですね。売れる、売れないに拘わらず、自分達のやりたいこと、出来ることをやろう、と必死で作りました」。
その後も、オフ・コースは、小田和正、鈴木康博の二人でライブ活動を続けていきますが、次第に、5人組のチューリップ、３人組のハイ・ファイ・セットなどのバンドサウンドには、勝てないと感じるようになり、自分達もドラム、ベースを加えたバンドスタイルで全国を回ることを目標に活動を続けていきます。そして1977年4月、オフ・コースは、スタジオミュージシャンとしてオフ・コースのアルバム制作に関わっていた、大間ジロー、松尾一彦、清水仁の３人が正式メンバーに加入。5人組となったオフ・コースは、9月にアルバム『JUNKTION』を発売、全国を回るライブ活動を精力的に行い、ヒット曲が無くても地道に音楽活動していける自信を深めていきます。
1979年12月、オフ・コースは小田和正が、“売ることを意識して作った”というシングル「さよなら」を発売。シングル「さよなら」は、セールスチャート最高位2位を記録すると同時に、約71万枚の売上を記録します。それまでは、シングル1枚を10万枚を売るのがやっとだったオフ・コースとって、シングル「さよなら」は、彼らが一躍注目を浴びるキッカケとなります。翌1980年夏、オフ・コースは、当時、TOTOやボズ・スキャッグスを手掛けていたエンジニアと組み、海外レコーディングで11月に発売するアルバム『We Are』の制作に取り組みます。そして、このアルバム『We Are』に、元「紙風船」のあんべ光俊が作詞、鈴木康博が作曲を手掛けた曲、「一億の夜を越えて」が収録されます。
1980年11月に発売された、オフコース10枚目のアルバム『We are』に収録された、鈴木康博作曲の「一億の夜を越えて」。「作詞をお願いした、あんべ光俊は、彼が「紙風船」を解散した後、オフ・コースのライブのオープニングアクトを務めていた縁で、お願いしました。オフ・コースのそばにいる人間が、客観的に見たオフ・コースのイメージを作るのに、ピッタリだろうという考えからでした」。鈴木康博は、当時についてこう振り返ります。
アルバム『We Are』は、オフ・コースにとって初めてアルバムセールスチャートで1位を獲得。名実ともに、J-POPを代表するバンドへと成長を遂げていきます。「アルバム『We Are』が売れ、この曲も注目を浴びました。しかしこの「一億の夜を越えて」は、アルバムの中でというより、当時のオフコースのライブの中盤、お客を一気に盛り上げる、ライブには欠かせない重要な役割を持つようになりました」。
しかし、この1982年、オフ・コース結成当時からのメンバー鈴木康博は、6月に行われた日本武道館連続10日間公演終了後に、オフ・コースからの脱退を決意。翌1983年8月、アルバム『Sincerely』で、ソロアーティストとして道を歩んでいくことになります。
「オフコース=小田和正、というイメージが固まりつつある中で、その土俵の中にいて束縛されるよりも、新しい土俵を自分で作って活動をしようと思いました。そこからは、自分探しの旅です。今思えば、音楽の方向性も、何もかも漠然としてつかめなかったのが正直な気持ちです」。
ソロ・アーティストとしての活動をスタートさせた鈴木康博は、自身のアルバムの制作や、ライブ活動を続ける傍らで、コカ・コーラなど数々のCMソングも手掛けるようになります。そして1996年、鈴木康博はオフ・コース時代に、自分が手掛けた曲ばかりを集めたセルフカバーアルバムを作ることを決め、その中で、思い出深いこの曲を収録することを決めます。
「このアルバムは、初めてパソコンを使い、ホームレコーディングする形で作りました。今までスタジオでしか作れなかった音楽が、誰に気兼ねすることなくマイペースで作れるようになりました。この曲を選んだのは、オフ・コース時代から常に僕のそばにあり、ライブでは盛り上がる曲として欠かせない曲だったからです。実際、小田和正のカラーが強かったオフ・コースの音楽の中でも、この曲は鈴木康博の音楽として、ファンからも人気がありました。そんな理由もあって、僕はソロになっても、ライブでこの曲を演奏していたので、改めてセルフカバーすることに決めました。オフ・コース時代とは違って、思うがまま、気紛れな感じにアレンジしたので、ちょっと曲がカッコ良くなったかなと思います」。
1996年10月、鈴木康博がオフ・コース時代に作った曲ばかりをセルフカバーしたアルバム『BeSide』に収録された曲「一億の夜を越えて」は、リリースされます。
1980年に、オフコースのアルバム『We Are』に初めて収録されて以降、オフコース時代、そしてソロになってもライブには欠かせない曲となっている、この「一億の夜を越えて」。1996年10月に発売されたセルフカバーアルバム『BeSide』以降も、鈴木康博さんは何度もセルフカバーし、今年2008年に、還暦を記念して行われたライブでも演奏され、この模様を収録した最新のライブアルバム『Yasuhiro Suzuki Anniversary Live 1970-2008』にも収録されています。
長い音楽生活の中で欠かせない、彼を象徴するJ-POPナンバーが生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．風に吹かれて／ピーター・ポール＆マリー
Ｍ２．群衆の中で／ジ・オフコース
Ｍ３．１億の夜を越えて／オフコース
Ｍ４．１億の夜を越えて／鈴木康博
第６０回目の今日お届けしたのは、「槇原敬之／世界で一つだけの花」でした。
２０００年にワーナーミュージックに復帰した槇原敬之は、再び精力的にソングライティング活動をスタートします。ただそのスタイルは、デビュー当初からの“ラブソングの伝道師”的なものとは少し異なり、人間の内面を見つめ直すような、のちに槇原敬之自身が語る、ライフソングのスタイルへと変化していきます。
それは、新たな音楽への挑戦でしたが、それまでの彼のソングスタイルに慣れしたんできたマッキーファンの一部からは、戸惑いの声すら聞こえてきました。
そんな頃、日本を代表するポップアイドルグループ、ＳＭＡＰから、マッキーへアルバム楽曲の依頼が舞い込んできます。ただ、それは、あまりにもタイトなスケジュールでの楽曲依頼でした。
「SMAPは誰もが見ても素敵じゃないですか。僕も大ファンだったので、曲作りの話が来た時、やります！やります！っていう気持ちでした。でも…持ち時間が、何と！２週間だったんですね。でもその時僕は、なぜか書くぞ！って気持ちで、いっぱいでした。２週間の間に１曲書いたのですが、実はボツになってしまって…。残り時間が、何と！３、４日になってしまったんです。完全に、依頼してきたレコード会社は、僕が断るだろう…と思っていたみたいで。でも、その時、不思議とガッツがあり、やります！やります！って…」
一度ダメを出されても、なぜか楽曲制作を引き受けてしまった槇原敬之。モチロン、簡単に曲は生まれてきません。徐々に追い詰められていきます。しかし、締め切り直前のある夜、音楽の神様が、マッキーの枕元に舞い降りてくるのでした。
「初夏だったのか？夏の終わりだったのか？ その日、僕はベランダ開けて寝ていたんです。曲作り、どうしようか？と途方に暮れて、犬を抱きながら寝ていました。当時、横浜に住んでいたんですが、薄ぐらい明け方の５時か、６時頃だったかな…。雨が木の葉にあたる音で目覚めたんです。テーブルの上のパソコンもつけっ放しで、その時に、何かサーッと自分の頭の中を駆け抜けていき、何か曲が書ける気がしたんです。紙芝居を見せられるように、絵が頭の中を巡っていきました。それを、僕は書きとめていきました。
だから、僕の中では、あの曲は、草木が雨で濡れる、という、生き生きとした、朝の歌というイメージが強いですね」。
2002年7月に、SMAP14枚目のアルバム『Drink! Smap!』に収録された、「世界に一つだけの花」。アルバム発売後、このアルバムを代表する曲として、テレビ番組『SMAP×SMAP』の中で、何度となく歌われるようになります。
「SMAPが、歌を歌う姿を見て、初めて眼差しを感じていきましたね」。
2003年1月、「世界に一つだけの花」は、SMAPのメンバーのひとり、草��剛(くさなぎ・つよし)が主演したフジテレビ系ドラマ『僕の生きる道』の主題歌としても起用され3月にはSMAPの35枚目のシングルとして発売。セールスチャート最高位1位を記録し、最終的な売上は約267万枚にも及ぶ、21世紀最大のヒット曲となっていきます。そんな中、この曲を、槇原敬之自身も歌いたいと思うようになります。
「自分で作った感覚がないんですよね、この曲は…。SMAPのヒットで、曲を作った自分も嬉しくなって、歌わせてください、って感じでした。昔僕は、ラブソングばかり書いていて、その後、ライフソングを書くようになって…。頑張った自分へ、神様がプレゼントをくれたのかな？って思いました。自分で作った感覚がないから、自分も歌いたくなりました。いいなぁ…SMAPは素晴らしい曲を歌えて。僕も歌いたいなぁ…って。本当に子供みたいでしたね。周りからも、槇原君も歌ったら、って言われるようになって」
記録的なセールスを続ける「世界に一つだけの花」。ＳＭＡＰの曲がヒットすればするほど、ソングライターの槇原敬之自身の唄で、この曲を聴きたいという声が広がっていきます。そして、「ＳＭＡＰ×ＳＭＡＰ」の特別番組でのＳＭＡＰと槇原敬之の競演を経て、ついに槇原敬之自身の歌声で、槇原敬之ファンのもとへ届けられる日がやってきます。それは２００３年に行われた、広島でのライブ会場での出来事でした。
「そう言えば、広島でした。最初に歌ったのは…。曲の出出しをピアノで弾いた時、お客さんの反応が、えっ？って感じで。それが可笑しくて。でも、僕は、どうだっ！って感じでしたよ」
2003年4月1日、広島厚生年金会館２０００人のファンの前に、その唄は響き渡ったのでした。
「今まで、色んな曲を作って、ライブで歌ってきましたけど、あの日、この曲のイントロを歌い出した時、お客さんの顔が、他の曲とは違う喜びに溢れているのが分かりました。良かったね、僕もみんなも喜んでもらえる歌があって、と思いました。僕もある意味で、リスナーの一人ですからね」。
とにかく、いろんな場面で歌われることの多いこの曲について、槇原さん自身はこんな風に話しています。
「“手の掌を太陽に…”って歌があるじゃないですか？あれと一緒で、聞いた人がなぜか元気になるんですよね。友達の会社の社長さんが、必ず言います。ウチの会社の忘年会の最後、みんなが最後にこの歌を歌って、宴会を閉めるんです…って。僕はこの歌で閉まりますか？って聞くと、閉まるって言うから、そうなのかな…って。
ある意味、みんな“ワンアンドオンリー”なんだよ、ということを知る歌で、一体感が生まれる元気な歌なんですね」
今日OAした曲目
M1.SHAKE/SMAP
M2.世界に一つだけの花/SMAP
M3.世界に一つだけの花/槇原敬之
第５９回目の今日お届けしたのは、「槇原敬之／遠く遠く」でした。
「これだけ親や友達から心配されている。じゃあ逆に、心配されないためにはどうしたらいいのか？と思った時、
僕は歌を作る人なので、どこに住んでいてもラジオのチャンネルをひねれば僕の歌が流れてくる。あー、槇原くん今日も元気だな、ちゃんとやっているな、と思ってもらうことができればいいんだ、と考えました」。
1969年5月、大阪府高槻市に生まれた槇原敬之は、彼が小学６年生の時、「YMO(イエロー・マジック・オーケストラ)」の音楽に衝撃を受けます。シンセサイザーとコンピュータを駆使した、いままで出会ったことの無い音楽にとりつかれた槇原敬之は、自分自身も、音楽に関わりたいと思うようになります。
その後、高校生になった槇原敬之は、憧れのYMOのメンバー、坂本龍一が担当していた、NHKのラジオ番組に、自らが作ったデモテープを送ります。
「僕が、高校１年生の冬のある日。インフルエンザで学校を休んだ日の放送で使ってもらい、凄く褒めてもらったのが印象に残っています。それまで、何をするにも二番手…というのが当たり前で、なかなか褒めてもらうことがありませんでした。だから夢が叶った気分でしたね。生まれて初めてでしたね。その時に褒めてもらった言葉が、「僕は好きなんだけどなぁ…」と言ってくれたのが、凄く嬉しかったですね。初めは、どんな意味なんだろう？と思い考えてみると、リスナーはどういう風に感じたんだろう？という意味でした。特種な番組で、おかしなデモテープが番組には沢山届いていたんです。僕個人的には好きでしたが…。そんなデモテープの中においては、僕が作った曲は、ちゃんとした歌だったので。そんな中で、坂本龍一さんが、「僕は好きなんだけどなぁ…」と言ってくれたのが、今の僕を支えてくれているような気がします」。
その後も、槇原敬之は、敬愛する坂本龍一の音楽を通して、小田和正、松任谷由実といった、日本のアーティストたちの音楽に触れたり、当時、彼が入り浸っていた、近所の楽器店の店長を通して、カーペンターズ、ボニー・レイトと言った、洋楽も聴き始め、さまざまな音楽をタップリと吸収していきます。
1988年春、大学受験に失敗した槇原敬之は、浪人勉強をしながらも音楽活動を続け、1990年3月に行われた、アマチュア音楽コンテスト「AXIA MUSIC AUDITION」に応募。槇原敬之は、グランプリと、一万人審査員賞を同時に受賞し、メジャーデビューが決定します。
そして同じ年の1990年9月、槇原敬之はシングル「NG」、アルバム『君が笑うとき君の胸が痛まないように』でデビューします。
1990年9月、シングル「NG」、アルバム『君が笑うとき君の胸が痛まないように』でデビューした槇原敬之。翌1991年4月には、２枚目のシングル「ANSWER/北風」を発売しますが、セールス的には、今ひとつ波に乗り切れない状態が続きます。そんな槇原敬之に、ある映画の主題歌を作る話が舞い込みます。
「映画『就職戦線異状なし』の主題歌を作る仕事があるんだけど、槇原君も書いてみない？という話があり、もう全然仕事がない状態だったので、やる！やる！って感じで、怖いものなしでしたね。と言うか、怖いものがないくらい暇だったんですね。ただ…唯一怖いものは、親との電話でした。「そんな歌手なんかやっていても、やっていける訳はない。早く大学に入りなさい！」という感じで、いつも親と電話をしていました。自分が浪人中だったのもありますが。そして、映画のタイトル『就職戦線異状なし』を聞いた時、ひょっとしたらこの人達は、どこか僕と似た所があるんじゃないか？と感じて、やりますと伝えました。そして話を貰った珈琲店を出て、本当ならそのままお店に残って曲作りをすればいいですけど、お金がないから、丁度お店が乃木坂にあり、坂を登った場所に、「乃木坂」と書いた石の標識があり、そこに腰かけて、ノート開いて書き始めたのを覚えています。その時に、自分の頭の中に浮かんできたメロディが、“どんなときも。どんなときも。”です。自分の中では、YMOが好きで、なんか応援歌のようなメロディが、ダサイ！って初めは思っていましたが、家に帰り、寝ても覚めてもそのメロディが消えないので、作ってみたら、こんな感じになりました。不思議な出会いですね」。
1991年6月に発売された、槇原敬之３枚目のシングル「どんなときも。」。映画『就職戦線異状なし』のヒットと共に、この曲はチャートを急上昇。槇原敬之にとって、初めてセールスチャートにランクインすると同時に、発売から約1カ月後にはセールスチャート最高位１位を獲得。発売４ヵ月後の10月には、ミリオンセラーを達成、最終的に約167万枚を売り上げ、アーティスト槇原敬之の名前を広く知らしめるキッカケとなります。
その後も槇原敬之は、９月にアルバム『君は誰と幸せなあくびをしますか』を、11月には、シングル「冬がはじまるよ」を発売。アルバム『君は誰と幸せなあくびをしますか』は、セールスチャート最高位3位、約58万枚の売上を記録。シングル「冬がはじまるよ」は、同じ年1991年の冬に発売された、サッポロビール「冬物語」のCMソングに起用され、セールスチャート最高位5位、約76万枚を売り上げるヒットとなります。
翌1992年、槇原敬之は、春に発売を予定していたアルバムの制作にとりかかります。
「１曲、２曲売れただけでは、家族は納得していなかったんですね。まだそんなことをやって…という感じでした。でも、親を持つ誰もが経験していることだと思いますが、親って、嫌いなんだけど、実は好きなんですよね。めちゃくちゃ腹が立つんだけど、実は話をしたいんですよね。で、生まれてから実は素直な自分になっていないんじゃないかなぁ？って思いました。それは東京に出てきて以来、ずっとあった気持ちで、ある種の反抗期なんですよね。だからこの時、素直に気持ちを伝えたいな…。どういう自分になりたいのかなぁ…という気持ちがピークでしたね。ちょうど２軒目の家に引っ越しをした時で、引っ越しをした割にはいいのか？悪いのか分からない時期で。これからどうなるのかも不安でした。でもこれだけ親や友達から心配されている。じゃあ逆に、心配されないためにはどうしたらいいのか？と思った時、僕は歌を作る人なので、どこに住んでいてもラジオのチャンネルをひねれば僕の歌が流れてくる。あー、槇原くん今日も元気だな、ちゃんとやっているな、と思ってもらうことができればいいんだ、と考えました。そこで、ある日、僕が大好きな東京タワーに登って、２つのことを思いました。
ここからだと、家は見えないぞ。しめしめ！って気持ちと。もうひとつは、あー、僕はこんな場所に来てしまったんだ、という気持ちが重なって、今なら素直な気持ちで曲が書けるぞ、と思い作ったのがこの曲です。だから、今まで作ってきた曲の中でも、一番私小説的な曲ですね。他の人には好かれない曲だろうな、と思っていました」。
今年7月に、国営備北丘陵公園で開かれた野外音楽イベント『SETSTOCK’08』に、槇原敬之が出演した際に、槇原敬之は、ある想いを込めてこの楽曲「遠く遠く」を歌います。
「東京に住んでいる僕が、この曲「遠く遠く」を歌うのも大事なんですが、どこにでも“遠く遠く”の人はいるのは確信があって、隣町から来たら、それは“遠く遠く”であって。精神的な繋がりだけでいる人もいる。だから、この夏は、この曲を聞いて精神的な里帰りだぜ！ってという気持ちを出したくて、この曲を歌いました。
ただのラブソングではなく、ひとりひとりの幸せを願いながら、ライフソングを歌い続け入る槇原敬之。
ことしのセットストックで「遠く遠く」を歌ったとき、こんなことも考えたそうです。
「決局、“遠く遠く”って、本当に遠く遠くなんじゃないかな？って。それは例えば、宇宙飛行士の野口さんではないけど、宇宙から地球を見てみた時、凄く遠い世界から来たんじゃないか？と思いました。神様から、みんな
送りだされた感じですね」
今日OAした曲目
M１．ライディーン/YMO(イエロー・マジック・オーケストラ)
M2.NG/槇原敬之
M3.どんなときも。/槇原敬之
M3.遠く遠く/槇原敬之
第５８回目の今日お届けしたのは、「山本潤子／翼をください」でした。
「山本潤子が、音楽の道を目指そう、と志したのは、彼女が高校時代にバンド活動を始めてからです。学校の同級生と、当時、アメリカで人気のあったフォークソンググループ「ピーター・ポール＆マリー」スタイルのバンドを結成し、学園祭で歌ったのがキッカケです。彼女達は、ピーター・ポール＆マリーの他にも、セルジオ・メンデス、キャロル・キングなどもよく聞き、演奏していたそうです」。長年に渡り、山本潤子を担当している事務所のスタッフは、こう語ってくれました。
1969年、関西を中心に活動していたフォーク・ソンググループが集まり、定期的に開いていた演奏会に出演した山本潤子は、別のフォーク・ソンググループと出会い、一緒に新たなグループを結成することを決めます。「赤い鳥」と名付けられた新しいグループは、同じ1969年に行われた、「第３回ヤマハライトミュージックコンテスト」に出場し、見事グランプリを獲得、レコードデビューが決まります。「「赤い鳥」は、後藤悦治郎、平山泰代の2人に、山本俊彦、大川茂、山本潤子の３人が加わり、５人の声を活かしたコーラス・グループとして結成されました。ポップで洗練されたコーラス、つまり西洋の音楽と、日本の各地で古くから歌い継がれてきた伝承歌など、いわゆる日本の音楽。この西洋と日本、二つの音楽を融合したスタイルで歌うグループを目指していました」。
1970年6月、「赤い鳥」は、シングル「人生」、アルバム『FLY WITH THE RED BIRDS』でデビューします。
その後「赤い鳥」は、全国各地を回るライブ活動の途中、1970年11月に三重県「合郷の里(ねむのさと)」で開かれた、「第２回ヤマハポピュラーソングコンテスト」にゲスト出演。「赤い鳥」のメンバーは、会場への移動途中、プロデューサーからある曲を渡され、移動するバスの中でこの曲を練習し、ぶっつけ本番で歌います。
翌1971年2月、「赤い鳥」は、この「ヤマハポピュラーソングコンテスト」で、ぶっつけ本番で歌った曲「翼をください」を、３枚目のシングル「竹田の子守唄」のカップリング曲として発売します。
1971年2月、「赤い鳥」３枚目のシングル「竹田の子守唄」のカップリング曲として発売された、「翼をください」。その後、「赤い鳥」が、１年間に約250本近くものライブをこなしていく間に、この曲はじわじわと売れ、発売から３年が経った1974年、100万枚の売上を記録します。「「赤い鳥」のメンバー全員は、「翼をください」がそんなに売れていることに気付いてはいませんでした。とにかく、日々のライブをこなしていくのに精一杯で、レコードが売れることよりも、とにかく、歌を直接聞いてもらえるライブにメンバーみんな、没頭していたそうです」。スタッフは、当時についてこう振り返ります。しかし、1974年9月。「赤い鳥」は、「日本の伝承歌と、ポップなコーラス、二つのバランスがとりにくくなった」という、メンバー間の音楽性の違いを理由に解散。翌10月に、後藤悦治郎と平山泰代の二人は、フォークデュオ「紙ふうせん」を結成。同じ10月に、山本俊彦、大川茂、山本潤子の３人は、新たなグループ「ハイ・ファイ・セット」を結成します。
「「赤い鳥」を解散した直後、次のグループ名をどうネーミングするか？レコード会社の中で議論が交わされ、最終的にレコード会社の全社員、所属アーティストの中から募集をして選ぶことになりました。そして、応募されたグループ名の中から選ばれたのが、この「ハイ・ファイ・セット」です。この名前を出したのは、当時同じレコード会社に所属していた細野晴臣さんでした」。
「グループ名も決まり、次はデビュー曲を決めようという時、「赤い鳥」のプロデューサーでもあった村井邦彦さんから、3人は、ある曲を渡されたそうです。村井さんが、「ハイ・ファイ・セット」に渡した曲は、村井さんの弟子で、もともとは作曲家志望だった荒井由実さんが書いた曲でした。「赤い鳥」時代にもこの曲は、村井さんを通じてメンバーは一度聴いていたそうなんですが、「赤い鳥」が歌うにはイメージが違っていたので、結局ボツになっていたそうです」。
1975年2月、「ハイ・ファイ・セット」は、荒井由実(後の松任谷由実)が書いた曲「卒業写真」でデビューします。
「「ハイ・ファイ・セット」は、「赤い鳥」とは全く逆のスタイルを目指していました。「赤い鳥」は、ジーンズにTシャツ姿で、ギターを抱えて歌うスタイルだったのに対して、「ハイ・ファイ・セット」は、ギターなどの楽器は持たず、タキシードにドレスなどの衣裳にも気を使い、見た目も楽しんでもらうためにダンスを取り入れたり、Show Upされたステージを目指していました。「ハイ・ファイ・セット」結成直後は、「赤い鳥」時代からのファンの中でも、そのスタイルには賛否両論あったみたいです…。でも、メンバー自分達が決めた路線なので、後悔をしないで歌い続けたそうです。」。その後も「ハイ・ファイ・セット」は、荒井由実が作詞・作曲を手掛けた「冷たい雨」や、ブラジルのシンガーソングライター、モーリス・アルバートのヒット曲をカバーした「フィーリング」など、数々のヒット曲をリリース。1974年10月の結成から、1994年9月までのおよそ10年間に、シングル26枚、オリジナルアルバム19枚を発売します。
しかし、「ハイ・ファイ・セット」は、メンバー間の音楽性の問題などで、1994年9月に活動を休止します。
「「ハイ・ファイ・セット」の活動を休止した時、山本潤子にレコード会社から、ソロデビューの誘いがありました。「ハイ・ファイ・セット」時代にもソロの話はあったのですが、その時は断っていたそうです。でも、「ハイ・ファイ・セット」が休止した、このタイミングならいいんじゃないか？ということで、ソロとして活動していくことになりました」。
1994年10月、山本潤子はシングル「鍵があわない」、アルバム『JUNKO YAMAMOTO』でソロデビュー。その後も山本潤子は、コンスタントにアルバムを発売、ライブ活動を行う傍らで、1995年には小田和正(おだ・かずまさ)のコンサートツアーに、ゲスト・ボーカルとしても参加します。
そして1995年秋、山本潤子は、次のアルバムの構想を練る段階で、プロデューサーからある提案をされます。「山本潤子自身を見直す意味で、「赤い鳥」「ハイ・ファイ・セット」それぞれの時代のヒット曲を、セルフカバーしたアルバムを作りませんか？という提案でした。1996年に入り、アルバムの制作の話が少しずつ進みだした途中、世間では殺伐とした殺人事件が頻繁に起こり、世の中が凄く暗いイメージになっていました。彼女自身、もし、この歌を自分が改めて歌うことで、聞いてくれた人達が、少しでも前向きになってくれたらいいなぁ、という思いで、決断したようです」。
一方、この歌は、アルバム制作とほぼ同じ時期の1996年に開かれていた、サッカーのワールドカップフランス大会のアジア地区最終予選で、日本代表チームの応援歌の1曲として、サポーターたちに頻繁に歌われるようになります。「本当に、偶然でした。曲の歌詞、メロディ。長年、小さな子どもから大人まで歌い続けられてきたこの歌が、歌う人、聞く人を前向きにさせてくれたから、サポーターの人達にも応援歌として選んでもらえたんでしょう」。
1997年11月、「赤い鳥」から数えて26年振りに、山本潤子は、今度はソロアーティストとして、この歌
「翼をください」をシングルとして発売します。
1997年11月に発売された、山本潤子3枚目のシングル「翼をください」。「この歌は、赤い鳥が歌ったとか、山本潤子が歌った、とかは関係ありません。1971年に発売されて以来、J-POPの曲として、初めて学校の音楽の教科書にも載り、長年みんなに親しまれてきた歌です。山本潤子自身も、常日頃ずっと言っています。この歌「翼をください」は、誰もが知っているし、落ち込んだ時に聞くと、気持ちが前向きになれる、そんな、みんなの歌です」と。
誰もの心の中にあった歌が、あらためてみんなの歌として実感された瞬間でした。
今日OAした曲目
M１．花はどこへ行った/ピーター・ポール＆マリー
M２．翼をください/赤い鳥
M３．卒業写真/ハイ・ファイ・セット
M４．翼をください/山本潤子
第５７回目の今日お届けしたのは、「SPEED／White Love」でした。
「彼女達に初めて会ったのは、1996年1月。当時、彼女達が出演していた日本テレビ系の音楽バラエティ番組『THE夜もヒッパレ』で彼女達のグループ名を募集し、グループ名が決まった直後に、レコーディングスタジオで会いました。当時、彼女達はまだ小学生と中学生でしたが、四人とも大人びたオシャレな服を着て現れたのが印象的でした」。デビュー直後から、10年間に渡ってレコーディング担当ディレクターを務めた中西さんは、当時をこう振り返ります。
前年の秋、1995年10月に、沖縄から上京、日本テレビ系音楽バラエティ番組『THE夜もヒッパレ』に出演しながら、デビューに向けレッスンに励んでいた、島袋寛子(しまぶくろ・ひろこ)、今井絵里子(いまい・えりこ)、上原多香子(うえはら・たかこ)、新垣仁絵(あらかき・ひとえ)の四人の少女達。番組で募集したグループ名は、「SPEED」に決まり、1996年1月から、デビューに向けたレコーディングもスタートします。
「SPEEDは、安室奈美恵、MAXらを生んだ沖縄アクターズスクール出身で、安室奈美恵やMAXら先輩達を尊敬し、羨ましく思っていました。ただ、SPEEDは、邦楽市場はもちろんですが、もっと上の世界を目指していました。当時、アメリカのティーンエージャーを中心に人気を集めていた、歌って踊れるガールズR&Bグループ「TLC」を敬愛し、自分達もTLCみたいになりたい、とよく言っていました」。
SPEEDが、沖縄アクターズスクール時代から培ってきた、ダンス、そして歌唱力。デビューにあたって、SPEEDは、その歌唱力にさらなる磨きをかける努力をしていたと言います。
「1月にグループ名が決まり、デビューするまで８ヵ月近くかかったのには、理由があります。確かに歌唱力は、優れたものがありました。しかし、デビュー候補曲を何曲か歌っていると、彼女達には声が出ないキーが幾つかあったんです。曲のキーの高さを変えれば済む話でしたが、曲のイメージが変わるのもありましたけど、彼女達にプロの歌手としてキーを出す努力もして欲しかったので、声を出す練習を繰り返ししました。すると、次第に声が出るようになったんですね。それと、単に売れる曲をSPEEDに歌わすのではなく、５年先、10年先に聞いても、聞く人の中で、印象に残っているような歌をSPEEDには歌って欲しい。そんな思いがスタッフの間にはあったので、デビュー曲を選ぶのに時間がかかったこともあります」。
SPEEDのメンバーの努力、そして周りのスタッフのバックアップ。みんなの熱意の中から生まれた、SPEEDのデビュー曲「Body&Soul」は、1996年8月に発売されます。
1986年8月、満を持して発売されたSPEEDのデビューシングル「Body&Soul」。「発売当初の初回出荷枚数は７万枚でした。まぁ売れるだろう、という期待感はありましたが、当時、僕らのレコード会社は、アイドルやロックバンドを手掛けることはあっても、彼女達のような歌って踊れるグループを手掛けたことはなかったので、最初は“売れる”という確信は、持っていませんでした」。中西さんは、当時をこう振り返ります。しかし、SPEEDのデビューシングル「Body&Soul」は、周囲の不安を取り払うかのように、じわじわと売上を伸ばして、発売から１ヵ月にセールスチャート最高位４位を記録。その後も、半年近くに渡ってチャートにランクインし続け、最終的には64万枚もの売上を記録するヒット曲となります。
またシングル「Body&Soul」が、セールスチャートにランクインし続ける中、11月には、２枚目のシングル「STEADY」を発売。シングル「STEADY」は、10月から始まったテレビ朝日系のドラマ「イタズラなKiss」の主題歌として起用され、「Body&Souｌ」の好調なセールスとの相乗効果もあって、セールスチャート最高位２位を記録、売上も127万枚を記録します。そして、12月に発表された、第38回日本レコード大賞で、SPEEDは新人賞を受賞します。「たった２枚のシングルを発売しただけでしたが、この頃から“売れるだろう”…という期待感は、“売れる”という確信に近いものに変わっていくのを、スタッフみんなが感じていました。彼女達と同世代のティーンエージャーから共感を集めていたのはもちろんですが、ティーンエージャーの親も巻き込み、幅広い層からの人気を集めていました。それが、売れたひとつの理由でもあります。この頃になると、彼女達も、もっと売れる！と感じるようになっていました」。翌1997年３月、SPEEDは３枚目のシングル「Go!Go!Heaven」を発売します。
SPEED３枚目のシングル「Go!Go! Heaven」。彼女達にとって初めて、セールスチャート最高位１位を獲得し、64万枚の売上を記録します。また翌4月には、1stアルバム『Starting Over』を発売。アルバム『Starting Over』は、発売２ヵ月後の６月にセールスチャート最高位1位を３週連続で獲得、192万枚の驚異的な売上を記録します。
「この頃の彼女達は、もう立ち止まっている、という感じはありませんでした。レコーディング、プロモーション、そして学校。日々があっという間に過ぎていくような感じだったと思います。しかし、そんな忙しい彼女達でしたが、歌を歌う姿勢は凄かったですね。デビュー当初は、慣れないレコーディング作業に苦労していましたが、この時期になると、自分達がそれぞれ何をやらないといけないか？真剣に自分達の中で、課題を持って取り組んでいました。その姿勢にはビックリしました。また大人になると、何事に取り組むにも保守的、守りに入りがちですが、彼女達は、４人でやれば必ず何とかなる！怖いものなんかない！と言う、若さならではのパワー、エネルギーで何事にも積極的に取り組んでいました。とても、中学生には見えませんでした」。
その後も、アルバム『Starting Over』が好調なセールスを続ける中、SPEEDは７月に東京・お台場で初めての単独ライブ『Starting Over From ODAIBA』を開催。２日間、２万枚のチケットが、わずか1時間余りでソールドアウトします。翌８月には、４枚目のシングル「Wake Me Up！」を発売、セールスチャート最高位2位、67万枚の売上を記録します。
SPEEDのシングルやアルバムが、それぞれのセールスチャートを賑わす中で、その年の暮れに発売を予定していたシングル制作の動きがスタートします。
「ライブ直前の７月中旬頃から、SPEEDらしいクリスマスソングが発売できたらいいね、という話がスタッフの間で出てきました。そこで、デビュー当時からSPEEDの曲を手がけていた伊秩弘将（いぢち・まさひろ）さんに何曲か曲をお願いしたのですが、最初いただいたデモ曲はピンと来なくて、再度お願いして書いてもらった数曲の中にこの曲はありました。最初はサビのフレーズだけでしたが、そのサビを聞いただけで事務所、レコード会社、全てのスタッフが、この曲で行きましょう！という話になりました。満場一致でした」。
「レコーディングは、ライブが終わった８月中旬から始まったんですが、10月に発売を予定していたので、制作スケジュール的にはギリギリでした。でも、彼女達がレコーディングに高い意識を持って臨んでくれたので、レコーディングはあっさりと終わりました。この曲の特長は、歌詞ですね。歌詞の中に、“クリスマス”という言葉は、ひと言も出てきません。でも、年頃の女の子が好きな男の子の事を思い、切なくなる気持ちを綴った歌詞が、しっとりとしたメロディと巧く重なり、巧く表現できて雰囲気が出ています。具体的な言葉は無くても、聞く人にはちゃんと伝わっていくんでしょうね」。
デビューからわずか１年足らず。SPEED５枚目のシングル「White Love」は、1997年10月に発売されます。
1997年10月に発売された、SPEED5枚目のシングル「White Love」。彼女達にとって２曲目のセールスチャート最高位1位を獲得すると同時に、184万枚の売上を記録します。「SPEEDにとって、ここまで売れたのは、“リアリティある若さ”が、成功の秘訣だったと思います。同世代の女の子が華やかなステージで歌い輝く姿を見て、同じ世代からの圧倒的な支持を集めることができました。曲も、その時に売れればいい、という考えだけではなく、５年先、10年先に、曲がひとり歩きしても、歌い続けてもらうことのできる歌を、スタッフも一緒に作ってきました。その努力が、実を結んだんのでしょう」。
発売から10年経った今も、色あせることなく歌い続けられる、J-POP、冬のラブソングの名曲が生まれた瞬間でした。
今日OAした曲目
M１．ウォーターフォールズ/TLC
M２．Body＆Soul/SPEED
M３．Go!Go!Heaveｎ/SPEED
M４．White Love/SPEED
第５６回目の今日お届けしたのは、「JUDY AND MARY／RADIO」でした。
「ちょっとパンクっぽいガールポップをやろうと思っているんだけど、一緒にやってみない？」。
1991年6月、深作欣二監督の映画『いつかギラギラする日』の函館ロケに参加していた、ヘビーメタルバンド「JACKS’N’ JOCKER」のメンバー恩田快人は、映画のロケ現場で、エキストラとして参加していた、北海道の短大生・YUKIを、バンドのメンバーに誘います。地元の短大に通いながら、レベッカのコピーバンドのボーカルとして活躍していたYUKIは、恩田快人の誘いに乗り、映画の撮影終了後から半年後に上京。1992年2月、YUKIと恩田快人を中心に、バンド「JUDY AND MARY」は結成されます。JUDY AND MARYは、4月に、自主制作アルバム『BE AMBITIOUS』を発売、12月には、バンドのサポートメンバーだったドラマ―の五十嵐公太が、正式メンバーとして加入。恩田も、JACKS’N’ JOCKERを脱退し、JUDY AND MARYの活動を本格化させていきます。
翌1993年1月、メジャーデビューが決まったJUDY AND MARYは、オーディションで選ばれたギターのTAKUYAが加わり、5月からは、レコーディングの合間に、月１回、東京のライブハウスで定期的なライブをスタート。8月には、中西圭三が、大阪・岸和田に、5000人を集めて行った野外ライブに、オープニングアクトとして出演します。
「YUKIに初めて会ったのは、８月の岸和田の野外ライブが終わった、デビュー直前です。当時、僕は、エピックソニーの大阪営業所のスタッフでした。「今度、９月にデビューするバンド、JUDY AND MARYのボーカルのYUKIです」。大阪営業所で元気良くあいさつした彼女の、個性的な姿が強く印象に残りました。
JUDY AND MARYの音も聞かせてもらっていて、1991年に解散したレベッカのイメージでした。その当時は、数あるバンドの中でも、JUDY AND MARYと同じ感じのバンドはなかったので、上手くいけば、売れるぞ！って思いました」。その後、JUDY AND MARYの担当ディレクターを務めた、土蔵（とくら）さんは、デビュー直前のJUDY AND MARYについてこう振り返ります。
1993年9月、JUDY AND MARYは、シングル「POWER OF LOVE」で、デビューしました。
「デビュー当時のJUDY AND MARYは、1990年にイギリスで結成され、人気を集めたパンクロックバンド「デイジーチェインソー」を意識していたそうです。JUDY AND MARYと同じ４人組で、ボーカルは女性。パンクロック調のデイジーチェインソーを、JUDY AND MARYは音作りでも意識していました」。恩田快人のメロディアスなサウンド、個性溢れるYUKIのボーカル。スタッフの間では期待を懸けられていたJUDY AND MARYでしたが、デビューシングル「POWER OF LOVE」の売上記録は、わずか3千枚。続く11月に発売された２枚目のシングル「BLUE TEARS」は、セールスチャートにもランクインしませんでした。ただ、レコードのセールスでは結果が出なかったJUDY AND MARYも、11月に東京・渋谷Egg-manで行われた、初のワンマンライブは、ソールドアウト。じわじわと、JUDY AND MARYの存在は注目を浴びるようになります。
「JUDY AND MARYは、イメージ先行型でしたね。音を気に入ってJUDY AND MARYを好きになる、というより、メンバーの見た目の印象などから、JUDY AND MARYを好きになる人の方が多かったと思います。ライブでも、彼らの存在感がカッコイイ！…そして、次にJUDY AND MARYの音楽が好きになる…。そんなファンが多くいました。だから、曲は売れなくても、JUDY AND MARYのライブは常に人気がありました」。
1994年1月、JUDY AND MARYは、デビュー以前から彼らが演奏していた曲を中心に構成したアルバム『J・A・M』を発売します。
1994年1月に発売されたアルバム『J・A・M』に収録され、4月にJUDY AND MARY３枚目のシングルとして発売された「DAY DREAM」。「「DAY DREAM」は、１ｓｔアルバム『J・A・M』に収録した曲です。ファンからも人気を集めていた曲だったので、アルバムからシングルカット、という形で発売しました。もちろん、メンバー自身も気に入ってたのもありますが、JUDY AND MARYが目指していた、パンクロック調の音楽を、一番表現できていた曲です」。土蔵さんは、こう振り返ります。
「１stアルバム『J・A・M』の発売直前の1994年1月上旬、会社の人事異動で、僕は営業所のスタッフから、JUDY AND MARYの制作担当ディレクターになりました。異動して初めてJUDY AND MARY会った時、１stアルバムの発売直前にも関わらず、JUDY AND MARYは、もう次のアルバムのプリプロダクション(制作準備)に入っていました。この時、恩田快人はもちろんですが、TAKUYAもデモテープを持ってきていました。恩田は、ハードロックが大好きだけど、ZARDや松田聖子などのJ-POPも幅広く聞くタイプ。一方のTAKUYAは、もともとデビット・ボウイやXTCなどのUKロックを中心に聞いていたのですが、JUDY AND MARYを始めてJ-POPなども聞くようになったタイプ。僕は、二人が作ってきたデモテープを聴きながら、恩田とTAKUYAの二人が曲を作ったら、面白いアルバムができるんじゃないかな？と思いました」。
「また、２枚目のアルバム制作から、BOOWY、ブルーハーツなどをプロデュースしていた、佐久間正英さんがスタッフに加わりました。佐久間さんは、色々と口を出すタイプではなく、メンバーが悩んだ時、じっくりと話をして、その悩みをさりげなく解消していました。こじれた話をうまく交通整理ができる人で、メンバー、スタッフの中に自然に溶け込んでいってくれたので、心強く感じました」。
1994年１月に発売された、デビューアルバム『J・A・M』が発売直後のセールスチャートで、最高位23位を記録する中、JUDY AND MARYは２枚目のアルバム制作を本格化していきます。「この曲は、TAKUYAが作って持ってきたデモテープの中にありました。デモテープの中でTAKUYAが歌っていた歌詞が、良かったので、そのTAKUYAが作った歌詞に、YUKIが歌いやすいように歌詞を補足していく形で作りました。１月の終わりから、２月にかけて山中湖のスタジオで始まったレコーディングで、コーラスを入れることをメンバーに提案。実際に曲の頭の部分にコーラスを入れると、曲全体が、ぐ〜んと広がっていくのが分かりました。」
1994年８月、２枚目のアルバム『Orange Sunshine』からの先行シングルとして、「Hello!Orange Sunshine」とダブルA面扱いで、この曲「RADIO」は発売されました。
1994年8月に発売された、シングル「RADIO」は、「Hello!OrangeSunshine」とダブルA面扱いながら、セールスチャート最高位22位、約10万枚の売上を記録します。「それまでのシングル３枚合わせて、２万枚も売っていないバンドが、この１枚だけで約10万枚も売ったんです。当時のJUDY AND MARYにとっては、大ヒットです。アルバム『Orange Sunshine』は68万枚も売れ、JUDY AND MARYの人気に一気に火が付きました。このシングルが、彼らを勢い付けたことは間違いないです。「RADIO」も、初めは「Hello! Orange Sunshine」のサブ的な扱いだったけど、ライブで演奏するごとに人気が出て、気がついたら「Hello!Orange Sunshine」に負けないくらいの曲になっていました」。
その後の、バンドの人気を決定付ける、J-POPナンバーが生まれた瞬間でした。
今日OAした曲目
M１．RASPBERRY DREAM/レベッカ
M２．POWER OF LOVE/JUDY AND MARY
M３．DAY DREAM/JUDY AND MARY
M４．RADIO/JUDY AND MARY
第５５回目の今日お届けしたのは、「稲垣潤一／１ダースの言い訳」でした。
1953年7月、宮城県仙台市生まれた稲垣潤一は、小学生の時に聴いたビートルズに「歌詞の内容は分からないけど、とにかくカッコイイ」と衝撃を受け、音楽の道を志すようになります。その後、中学校に入ると稲垣潤一は、バンド活動を始め、ドラムとボーカルを担当します。
1972年春、高校を卒業した稲垣潤一は、地元仙台のライブハウスなどでセミプロバンドのボーカルとして活躍。稲垣潤一の存在は、東京でも知られるようになり、1975年には、神奈川県横須賀市や、東京都立川市にある米軍基地内のライブハウスやディスコでも演奏するようになります。その後、再び地元仙台を中心に音楽活動をしていた稲垣潤一のもとに、1980年夏、プロデビューの話が舞い込みます。「仙台のライブハウスで、個性的なハスキーな歌声で、聴く人達を魅了しているドラマーがいるという話を耳にして、実際にこの目で見たくなり、TV局のスタッフと一緒に仙台まで彼を観に行きました」。デビュー直前から、稲垣潤一を担当している事務所のスタッフのひとりは、当時をこう振り返ります。稲垣潤一は、仙台まで彼を観にきたTV局のスタッフに１本のデモテープを渡します。デモテープは、レコード会社と、音楽事務所のスタッフにも渡り、稲垣潤一のデビューはトントン拍子に決まっていきます。
「直ぐに、稲垣潤一をどうやって売り出すのか？ 稲垣潤一本人はもちろん、レコード会社、所属事務所のスタッフみんなで知恵を出し合いました。彼の一番の魅力、個性的でハスキーな歌声を活かすなら、ロックじゃなく、POPナンバーを歌うのが、ベストだろう、という結論になりました。彼自身、仙台のライブハウスでセミプロとして活躍していた時は、70年代に流行っていた洋楽のカバーを歌っていたんですね。そこで、「Your song」「We are all alone」など洋楽カバー曲を歌ったデモテープを作ってみると、彼の持ち味でもある声の響きが凄く良かったんです。ちょうど、ボズ・スキャッグスやボビー・コールドウェルに代表される、AOR(アダルト・オリエンテッド・ロック)という言葉が、流行り始めた時期だったので、“大人のJ-POPを歌う、日本のAORシンガー”という位置づけで売り出すことにしました」。1982年1月、稲垣潤一はシングル「雨のリグレット」でデビューします。
1982年1月、シングル「雨のリグレット」でデビューを果たした稲垣潤一。「デビュー当時、稲垣潤一の年齢は28歳。とにかく、どれだけ多くの人達に、稲垣潤一が歌う、大人のJ-POPを聴いてもらえるか？楽曲を売ることを軸とするのではなく、ライブを中心に、稲垣潤一の音楽を聴いてもらおうということで、デビュー直後は、ワゴン車に乗って全国のライブハウスを回りました」。当時について、事務所のスタッフはこう振り返ります。
1982年7月、稲垣潤一は、ライブ活動の最中に、２枚目のシングル「246:3AM」と、同名タイトルの1stアルバム『246:3AM』を発売。引き続き稲垣潤一は、10月に発売予定のシングルの制作に取り掛かります。「作詞を担当してくれた秋元康さんは、当時、ラジオ番組の放送作家として活躍し始めていた頃で、作詞家としてはまだ作品を手掛けたことはありませんでした。たまたま、事務所のスタッフの中に、秋元さんを知っているスタッフがいて、幾つか作品を見せてもらうと、歌詞の中に他の作詞家にはない言葉遣いがあったんですね。これは使えるんじゃないかと思ったので、稲垣潤一の作品を手掛けてもらうことになりました」。当時、ニッポン放送でラジオ番組の放送作家として活躍していた秋元康が作詞を手掛けた、稲垣潤一の３枚目のシングル「ドラマティック・レイン」は、1982年10月発売されます。
3枚目のシングル「ドラマティック・レイン」は、セールスチャート最高8位、半年近くに渡ってチャートにランクンインし続け、およそ30万枚近くの売上を記録します。「発売直後から、全国各地のラジオ局で頻繁にオンエアされ、一気に売れて、稲垣潤一の人気にも火がつきました。秋元さんの歌詞も大きかったけど、売れた最大の理由は、曲のサビのインパクトですね。筒美京平さん独特の、ロマンティックなメロディに、稲垣潤一のハスキーな歌声がうまくマッチして、曲がよりダイナミックになっていますよね。このインパクトが大きいんです」。「ドラマティックレイン」のヒットで、広く名前を知られることになった稲垣潤一ですが、その後は、中々シングルヒットには恵まれません。しかし、1983年2月に発売した2枚目のアルバム『SHYLIGHTS』以降、１年に１枚のペースで発表していったアルバムは、軒並み20万枚近くの売上を記録します。「シングル「ドラマティック・レイン」の後、シングルヒットは出ませんでしたが、不思議とアルバムは、売れていましたね。スタッフはみんな、「稲垣潤一は、アルバム向きのアーティストなのかなぁ？」という気持ちを持っていました。アルバムを作る時は毎回、良いアルバムを作りたいという思いから、旬の作家から大先生と呼ばれる大御所まで頼んで、候補曲を200曲近く集めて、その中から、アルバムのコンセプトに沿って、稲垣潤一の最大の魅力、彼の声を活かせる曲を探して、選んでいました。曲を選ぶだけでも、２ヵ月ぐらいかかっていたと思います。」
そして、1985年春、稲垣潤一とスタッフは、翌年に発売を予定していた、アルバムの制作に向けて動き出した中で、ある楽曲と出会います。
「この曲の作詞担当は、秋元康さんでした。秋元さんと、稲垣潤一は、1982年のシングル「ドラマティック・レイン」以降、とてもいいパートナー関係を築いていました。この時も、いつものように稲垣潤一と、僕らスタッフが次のアルバムの中に収める候補曲をたくさん集め、選んだ曲の1曲に、秋元さんに歌詞をつけてもらおうということになったんですね。それで、レコーディングスタジオで、秋元さんから歌詞が送られてくるのを待っていたら、秋元さんからFAXで一枚の歌詞が送られてきたんです。ところが、そのFAXに書かれた歌詞と、楽曲を合わせてみると、言葉の文字数がうまくかみ合わないんです。これはおかしいぞ、ということで、秋元さんに連絡すると、実は大変な事が分かりました」。「「ドラマティック・レイン」の時と違って、この頃すでに、秋元さんは、おニャん子クラブなどを手掛けて、売れっ子の放送作家兼作詞家になっていました。そんな秋元さんは、どうやら他のアーティストに送らないといけない歌詞を、間違えて僕らが待っているスタジオに送ったみたいなんです。「どうしよう？」と思ったんですが、送られてきたFAXに書かれていた歌詞をよく見てみると、歌詞のテーマや内容が良くできていたんですね。それで、この間違って送られてきた歌詞を、稲垣潤一が貰うことにしました。歌詞を貰った後、メロディに合うように、少し歌詞を直してもらい、曲が完成。完成した曲を聴いている内に、この曲はシングルで行けるぞ！という話になり、アルバムからの先行シングルとして発売することに決めました」。
1986年2月、稲垣潤一の10枚目のシングル「1ダースの言い訳」は発売されます。
1986年2月に発売された、稲垣潤一の10枚目のシングル「１ダースの言い訳」は、三洋電機「SANYO CDミニコン」のCMソングにも起用され、セールスチャート最高位２０位、約7万6千枚の売上を記録します。「この曲は、不思議と大勢の人から支持を受けて、“稲垣潤一”=“１ダースの言い訳”、と言うように、彼にとっては、代名詞となっている曲です。歌詞、曲、アレンジ。そして、稲垣潤一の歌声。すべてのバランスが、巧くかみ合ったからこそ、ずっと歌い続けられているんだと思います」。
J-POＰの名曲が１枚の間違いFAXがキッカケで、生まれたのでした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ＷＥ‘ＲＥ ＡＬＬ ＡＬＯＮＥ／ボズ・スキャッグス
Ｍ２．雨のリグレット／稲垣潤一
Ｍ３．ドラマティック・レイン／稲垣潤一
Ｍ４．１ダースの言い訳／稲垣潤一
第５４回目の今日お届けしたのは、「遊佐未森／地図をください」でした。
1964年2月、宮城県仙台市に生まれた遊佐未森(ゆさ・みもり)。小さい頃から、日本歌曲や童謡などに親しんでいた彼女は、東京の国立音楽大学に進学後、本格的に音楽活動を始めます。
「彼女のことを初めて知ったのは、1986年だったと思います。当時、エピックソニーで働いていたスタッフが、「このデモテープを聴いて、感想聞かせてもらえませんか？」って、１本のカセットテープを持ってきました。カセットテープを聞いた時は、女性が歌う、和風プログレッシブロックか？という印象しかなく、頭の中にハッキリとした記憶では残っていませんでした。後から振り返ってみると、そのデモテープの歌声が彼女だったんです」。デビュー当初から、遊佐未森の制作担当ディレクターを務めていた福岡さんは、こう振り返ります。
文語調で書かれた歌詞、そしてプログレッシブロックのようなサウンド。デモテープを聴き、イギリスの女性アーティスト、ケイト・ブッシュを想像していた福岡さんは、初めてデモテープを聴いてから半年が経った1987年、マネージメント会社の社長から、遊佐未森を紹介され、デビューについての相談を受けます。
「実際、遊佐未森本人も、ケイト・ブッシュが大好きでよく聞いていたそうです。大好きな音楽と、自分が歌う音楽。カラーは似てくるんでしょうね」。その後、デビューに向けたコンセプト作りが議論されますが、福岡さんは「遊佐未森は、一から積み上げて、遊佐未森独自のカラーを作ろう。僕たちが考えたコンセプトではなく、彼女の特性を活かしたカラーを作ればいい」と、マネージメント会社が作った、遊佐未森のセールスコンセプトを、一度白紙に戻します。
「僕の心の中で、最初のデモテープの中の音楽が引っ掛かっていたんです。彼女の特性を活かすには、デモテープのようなスタイルは違う。遊佐未森の、声と歌い方をもっと活かす方法が絶対あるハズだ。と」。
福岡さんを始めスタッフは、遊佐未森の声と歌い方を最大限活かすための曲を求めて、遊佐未森とはこれまで会ったことの無い、作詞家、作曲家に曲作りを依頼することを決めます。そして、1988年4月、遊佐未森はアルバムとシングル、同名タイトルの『瞳水晶』でデビューします。
1988年4月に発売された、遊佐未森のデビューシングル「瞳水晶」。「作詞家は、以前、僕が交流していた工藤順子さんという方にお願いしました。当時、大分県に住んでいた工藤さんの元へ、僕と遊佐が出向き、遊佐未森のアーティストコンセプトを伝えて、作詞をお願いしました。工藤さんはもともと歌手でしたが、他のアーティストに歌詞を提供するのは、遊佐が初めて、不安はありましたが、ちゃんと遊佐の世界観を表現できる歌詞ができました」。
「作詞家が見つかり、次は作曲家だ。という段階で、遊佐未森がデビュー前に作ったデモテープの曲の歌詞を書いていた、外間隆史(そとま・たかふみ)が、「僕は、曲も作るので、良かったら聴いてもらえませんか？」と、作った曲を持ってきたんですね。君、曲作るの？と言うのが、外間に対する印象でした。と言うのも、遊佐未森の最初のデモテープを聞いて、外間が書いた文語調の歌詞を、気に入らなかったので、デビュー曲の作詞は、敢えて別の作詞家に頼んだのに、今度は曲かよ？ていう感じだったんです。ところが、外間が作って持ってきた曲を聞いて、驚きました。工藤さんが書いた歌詞ともピッタリはまったし、何より遊佐に歌って欲しいと思っていた、歌の世界観が描かれているんです。それで、外間が曲を作ることが決まり、改めて外間が、曲を２曲作りました。その１曲が、デビュー曲の「瞳水晶」です」。福岡さんは、当時をこう振り返ります。
デビュー曲、デビューアルバム共にセールスチャートにランクインはしませんでしたが、透明感溢れる遊佐未森の歌声と、聞く人を、優しく包みこむような音楽は、独自の世界観を生み出していきます。「デビュー前は、あまりこだわり過ぎるとマニア受けする音楽になるかな？とも思いましたけど、歌詞、曲、そして遊佐未森の歌声が、独特の夢溢れる、ファンタジーの世界を創りあげていきました。売れなくても、悲観的にはなりませんでしたね。当時のエピックレコードには、２〜３年は売れなくても、とにかくいい作品を作って、アーティストを育てていく、という社風があったので、許されたんでしょうね」。
遊佐未森、そしてスタッフは、セールス結果にとらわれることなく、あくまでも遊佐未森の独自の音楽を展開することに拘り、次のアルバムの制作に取り組みます。そして、1988年9月、２枚目のシングル「窓を開けた時」が発売されます。
遊佐未森は、1988年9月に２枚目のシングル「窓を開けたとき」を、翌10月に2枚目のアルバム『空耳の丘』を発売します。「２枚目のアルバムは、デビューアルバム『瞳水晶』を発売した直後から作り始めていました。とにかく、作曲を担当していた外間が、どんどん曲を作ってきていたので、曲はたくさんありました」。
1988年秋、２枚目のアルバムを発売したばかりの遊佐未森の元に、CM制作会社からアルバムに収録した曲を日清食品「カップヌードル」のCMソングに使いたい、という話が舞い込みます。「この曲をCMソングに使いたい、という話が来た時、僕らスタッフはアルバムの完成度に対して、充実感を感じていました。だから、何でこの曲をCMソングに使いたいの？というのが、最初の印象です」。「もともとこの曲は、外間が初めて作って持ってきた曲です。初めてこの曲を聞いた時、曲の完成度に驚いたし、このまま使えると思いました。でも、シングル向きの曲ではないと思ったので、１枚目のアルバムには収録せずに、２枚目のアルバムに収録しました。だから余計に、この曲をCMソングとして使いたいという話が来た時には、驚きました」。
翌1989年1月、アーノルド・シュワルツェネッガーが出演した日清食品「カップヌードル」のCMソングとして起用されたこの曲。CMの中で、大空をバックに広大な大地を、車を持って歩くアーノルド・シュワルツェネッガーのイメージと、遊佐未森の曲の世界観がピッタリとはまり、曲についての問い合わせが、日清食品に殺到します。「CMの中で、遊佐未森の名前、曲タイトルのクレジットは入ってなく、あの曲を歌っているのは誰だ？という反響が日清食品に殺到したそうです。その後、遊佐未森が歌っている、という話になり、エピックレコードが、急遽、シングルとして発売することにしました」。当初は、アルバムの中の１曲として考えられていた曲が、CMの反響を受けシングル化が決定。遊佐未森３枚目のシングルとして、1989年2月「地図をください」は発売されます。
■1989年2月に発売された、遊佐未森３枚目のシングル「地図をください」。セールスチャート最高位41位ながら、約4ヵ月、15週間に渡ってセールスチャートにランクインし続けます。「彼女にとっては、ラッキーソングでしたね。このタイミングで売れたのは…。でも、歌っている遊佐未森本人はもちろん、スタッフもみんな曲の完成度には自信を持っていたから、どういう形であれ、曲が売れたのは嬉しかった。遊佐未森の、アーティストとしての運命を決めるタイミングだったんでしょうね」。
音楽の世界へ、大きく羽ばたくことを運命づけた曲が生まれた瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．嵐が丘／ケイト・ブッシュ
Ｍ２．瞳水晶／遊佐未森
Ｍ３．窓を開けた時／遊佐未森
Ｍ４．地図をください／遊佐未森
第５３回目の今日お届けしたのは、「浜田麻里／Ｒｅｔｕｒｎ ｔｏ Ｍｙself〜しない、しない、ナツ。」でした。
1962年7月、東京都に生まれた浜田麻里(はまだ・まり)は、物心ついた頃から歌を歌い始め、自分の心の中で、夢や目標という形ではなく、これから先もずっと自分は歌っていくことになるだろう、ということを漠然と感じていました。そして、小学校六年生で、ボーカルスクールのオーディションに合格した浜田麻里は、１５歳になるとスタジオミュージシャンとして、「日清サラダ油」などのＣＭソングを歌うようになります。1981年春、青山学院大学に入学した浜田麻里は、スタジオミュージシャンとして活動する傍らで、オリジナル曲のほか、パット・べネターなどをコピーする女性ロックバンド「MISTY CATS」にボーカルとして参加。「MISTY CATS」はアマチュアバンドコンテスト「EAST-WEST’81」に出場し、浜田麻里はレコード会社からボーカル力を評価されて、ソロアーティストとしてデビューすることが決まります。
1983年４月、浜田麻里は、あの糸井重里がネーミングしたキャッチコピー「麻里ちゃんはヘヴィメタル」を引っ提げて、ヘヴィメタルバンド「ラウドネス」の樋口宗孝（ひぐち・むねたか）がプロデュースしたアルバム『Lunatic Doll』でデビューします。「私がデビューした1983年当時は、松田聖子さん、中森明菜さんといったアイドル歌手全盛の時代でした。だから、私はそれまでの女性歌手に対するイメージの殻を破るような、新しい世界、本物の世界で活動したいと、思ったんです。それで、一体どんなスタイルがいいのか？と考えて、出した結論が、ハードロックサウンドで歌うというスタイルでした。その当時は、まだ日本にほとんど存在していなかった、ロックをベースとしたパワフルなボーカルスタイルに新しさを感じて、私はその方向性を目指しました」。デビュー当時、自らが目指した音楽の方向性について、浜田麻里は、こう振り返ります。
その後、浜田麻里は、１年に２枚のペースでアルバムを発売。合わせて全国ライブハウスツアーを行い、自らが目指した、パワフルな女性ボーカリストとしてのポジションを獲得するために精力的に活動します。「自分のためでもあったけど、若年層をターゲットにした、初期ヘヴィメタルブームの火付け役のひとりとしても、自分はやっていかないといけない。と感じていましたね。当時は、ヘヴィメタルやハードロックに対して、まだ偏見があった時代で、ラジオでもなかなかかけてもらえなかったし、プロモーションに行った場所でも、馬鹿にされることも度々あったし…。当時、まだ20代前半だった私は、ロックシンガーとして日本に新しい道を作る。といつも生意気言ってました」。それまでアルバムしか発売していなかった浜田麻里は、デビュー２年が経過して、初のシングルを発売することを決意します。「デビュー１年目は、シングルを作る必要性を感じていなかったし…。スタッフと話をして、最初はアルバム中心でしっかり浜田麻里の音楽性を打ち出し、その目標をちゃんとクリアしたら、シングルを出そうという話になっていました。１枚目、２枚目のアルバムは、どちらも1万枚も売れなかったのに、1984年に発売した3枚目のアルバム『MISTY LADY』が、約４万枚も売れたんですね。そこで、スタッフと話をして、よし！このタイミングだ！もっと多くの人に、浜田麻里の音楽を聴いてもらうために、ファン層を広げる手段として、シングルを出そう！という話になりました。結果的に、納得できるシングルができるまで、１年近くかかりましたけど…」。浜田麻里初のシングル「Blue Revolution」は、1985年10月にリリースされます。
「Blue Revolution」は、チャート最高位42位を記録。ハードロック、へヴィメタルシンガー、浜田麻里の一般的知名度もぐっと上がっていきます。その後も、コンスタントにアルバムやシングルを発売し続けた浜田麻里は、1987年、次のステップに進むために、あるチャレンジをします。
「６枚のアルバムを作り、ライブも精力的にやっていく中で、少しずつ“浜田麻里”のイメージも良くなりました。アルバムも売れるようになっていたけど、自分の中で”ヘヴィメタルの人”と呼ばれながら、国内で作品を作り続けることに、頭の中が飽和状態になっていたんです。自分を、次のステップに進めたかったんですね。それで環境を変え、アメリカでレコーディングをすることにして、プロデューサーを頼ってアメリカに向かいました」。環境を変えることで、自分をさらにステップアップさせることを決めた浜田麻里は、初めて海外レコーディングに取り組み、アルバムからの、先行シングル「999〜One More Reason〜」を、1987年8月に発売します。翌9月には、浜田麻里初の海外レコーディングアルバム『IN THE PRECIOUS AGE』を発売し、セールスチャート最高位8位を記録します。「結果的に、作品が評価されたことで、私の気持ちは、”ヘヴィメタルの牽引役”という縛りのようなものから、解き放たれ、楽になりました。とっても大きな転機になりましたね。でも、私が目指す音楽の方向性やスピリットは、全然変わりませんでした。むしろ、アメリカのミュージシャンに出会い、一緒に作ったことで、自分の音楽を広い視野でみつめることができるようになりました」。
翌1988年、音楽の幅を広げ、女性ボーカリストとしての大きな自信を掴みかけていた浜田麻里に、もう一歩、成長を成し遂げることができるチャンスが舞い込みます。1988年9月に行われることが決まっていた、ソウルオリンピックNHKイメージソングを、歌うことが決まったのです。1988年9月に発売された、浜田麻里8枚目のシングル「Heart and Soul」。ソウルオリンピックNHＫイメージソングとして起用されたこの曲は、シングルとして自己最高のチャート７位を記録します。また、11月に発売されたアルバム『Heart and Souｌ』も、チャート最高位4位を記録します。「ヒット曲が生まれたのも嬉しく感じましたけど、それよりも、オリンピック中継のイメージソングと言う、大きなテーマソングの話を貰うことができた。頑張ってきたことが、やっとメディアにも浸透して、認めてもらうことができた。そのことが、嬉しかったです」。浜田麻里は、こう振り返ります。
メディアにも認められ、浜田麻里自身が目指した女性ボーカリストとしての地位を確立しつつあった、ちょうどその時。さらなるステップに進むためのチャンスが、再び舞い込みます。「「カネボウ」夏のキャンペーンソングへの曲提供の話をもらい、事前に「カネボウ」サイドから、私が１９８８年に発売したアルバム『LOVE NEVER TURNS AGAINST』に収録されて、シングルとしても発売された「CALL MY LUCK」のような曲を作って欲しいという具体的な要望がありました。この「CALL MY LUCK」は、私自身も気に入っていたので、喜んでこの要望を受け入れ、長年一緒に仕事をしていたギタリストに曲をお願いしました。」。「歌詞は、曲を作って欲しいという要望があった時、化粧品のキャッチコピー「化粧直し、しない、しない、ナツ。」という言葉を歌詞に盛り込むことが前提だったので、私が作る歌詞のパターンの中に、いかにマッチさせるか、苦心を重ねて、テーマとして考えたのが、「心を染め直さずに自分らしくあること」でした。ここから「Return To Myself」という歌詞、タイトルも生まれました」。
浜田麻里が悩んだ末に生み出したシングル、「Return To Myself〜しない、しない、ナツ。」は1989年4月、リリースされました。
1989年4月に発売された、シングル「Return To Myself〜しない、しない、ナツ。」は、前作の「Heart And Soul」を上回る、チャート最高位１位を獲得します。「単純に嬉しかったし、達成感がありました。シンプルな構成、メロディーだけど、実は転調にもこだわって作っています。単にひとつの時代を背景にしたヒットソング的なイメージで聴かれることも多いのですが、曲作りに参加してくれたプレーヤー達の生き生きとした演奏もプラスに働いて、商業的価値を狙っただけの曲じゃない、自分の中でも違った角度からでも誇りを持てる、自信にあふれた曲です」。浜田麻里が、デビュー当時から目指した、女性ボーカリストとしてのポジションを決定付けることになった、J-POPの名曲の誕生の瞬間でした。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．ＣＲＡＺＹ ＮＩＧＨＴ／ラウドネス
Ｍ２．Ｂｌｕｅ Ｒｅｖｏｌｕｔｉｏｎ／浜田麻里
Ｍ３．Ｈeart and Soul／浜田麻里
Ｍ４．Ｒｅｔｕｒｎ ｔｏ Ｍｙｓｅｌｆ〜しない、しない、ナツ。／浜田麻里
第５２回目の今日お届けしたのは、「ブレッド＆バター／特別な気持ちで(I Just Called To Say I Love You)」でした。
1943年神奈川県茅ヶ崎市に生まれた兄・岩沢幸矢(いわさわ・さつや)と、1949年生まれの弟・岩沢二弓(いわさわ・ふゆみ)の兄弟は、それぞれ高校時代からバンド活動を始め、兄・幸矢は明治学院大学へ、弟・二弓は独協大学へ、それぞれ進学後も、バンド活動を続けていきます。
その後、大学卒業を控えた兄・幸矢は、「就職探しの旅」と題して、ひとりアメリカに渡ります。当時のアメリカは、“自由に生きよう”という思想が全盛の時代で、兄・幸矢もその影響を受けて、就職して束縛されるよりも、自由に好きな音楽をやりながら生きていこう、と心に決めます。
また、アメリカで観たサイモン＆ガーファンクルの音楽に影響を受けた兄・幸矢は、「日本では珍しい、兄弟デュオで、フォーク・ロックをやろう」と決め、アメリカから帰国後、弟・二弓を誘い、二人で兄弟デュオ「ブレッド＆バター」を結成、1969年、シングル「傷だらけの軽井沢」でデビューします。「筒美京平、橋本淳という、当時の歌謡界のヒットメーカーコンビのオーディションに合格し、デビューが決まったブレッド＆バターの二人。
「デビュー曲「傷だらけの軽井沢」は、筒美京平、橋本淳というヒットメーカーによる作品でしたが、ブレッド＆バターの二人がやりたい音楽という形ではなかったと思います。むしろ、翌1970年に、ブレッド＆バターの二人が初めて作った曲として発売されたシングル「マリエ」の方が、ブレッド＆バターにとってのデビュー曲のような感じがしますね」。ブレッド＆バターのレコーディングスタッフとして関わりを持ち始め、今はマネージャーとして二人を支える村岡さんは、こう振り返ります。
1969年のデビュー後、シングルとアルバムを、それぞれ１年に１枚の割合で発売、そしてライブを中心に音楽活動をしていたブレッド＆バター。「発売したレコードは、セールスチャートにランクインはしませんでしたが、二人はもちろん、周りのスタッフも、特に悲観的になる訳でもなく、気にはしていませんでした。彼らが納得できた作品を作ることができたら、それでＯＫ。レコード会社としても、それで良かった時代なんです」。当時について、村岡さんはこう振り返ります。
その後も、マイペースな活動をしていたブレッド＆バターは、1976年3月にライブアルバム『BREAD&BUTTER』を発売した後、活動を休止することを決めます。
「彼らは、デビュー後、一環して自分達がやりたい音楽活動を全てやりきったと感じて、しばらく音楽だけの生活から離れてみよう、という気持ちになったんです」。
音楽一辺倒の生活を離れたブレッド＆バターは、彼らの故郷でもある神奈川県茅ケ崎にカフェ「ブレッド＆バター」をオープン。ミュージシャン、モデルの卵、サーファーなど多くの仲間達に囲まれながら、ブレッド＆バターは、今まで以上に自分達のペースで音楽活動を続けていきます。
「彼らは、茅ケ崎で、のんびりと音楽活動をやり始めると、かまやつひろし、松任谷由実など数多くのミュージシャンと交流を持ち始めました。しばらくすると、彼らの気持ちの中に、再び音楽シーンに戻る気持ちが湧いてきたので、「じゃあ再デビューだ！」という話になり、せっかくだから話題性のある作品を作ろう、という話になりました」。
1979年6月、ブレッド＆バターは、カフェ「ブレッド＆バター」の常連客だった松任谷由実が、ペンネーム呉田軽穂名義で、当時のカフェ「ブレッド＆バター」の光景をもとに書きおろしたシングル「あの頃のまま」を発売。再び、音楽活動をスタートします。
「シングル「あの頃のまま」は、同時に発売されたアルバム『Late Late Summer』にも収録されているのですが、このアルバム『Late Late Summer』から、ブレッド＆バターのイメージは、活動休止前と比べて変わりましたね。活動休止前は、自分達のやりたい音楽をただ単に勝手にやっているロック色の強い兄弟デュオ、というイメージがありましたが、活動再開後に発売した『Late Late Summer』、翌1980年に発売したアルバム『MONDAY MORNING』、そして1981年に発売したアルバム『Pacific』の３作に収録された曲は、どれもが夏や海…といった爽やかさを意識した作りで、ブレッド＆バターのイメージが、爽やかな音楽をやるデュオに変わりました。彼らの音楽の方向性が、ハッキリしてきましたね」。
音楽の幅が広がり、夏のイメージが定着し始めたブレッド＆バターの二人は、その後もマイペースで活動を続けます。そして1984年、ブレッド＆バターは、彼らが心の中で気になっていた、ある曲をカバーすることを決めます。
「ブレッド＆バターは、1973年に発売したアルバム『IMAGES』の制作する時に知り合った、ミュージシャンのスティービー・ワンダーと親しくなり、その後もずっと交流を続けていました。そして、1979年にブレッド＆バターが、活動を再開するという話になった時に、スティービー・ワンダーが彼らに曲をプレゼントしてくれたんです」。
「スティービー・ワンダーから、曲のデモテープが届き、この曲をブレッド＆バターの活動再開第１弾シングルとして発売するつもりでいました。カフェ「ブレッド＆バター」の常連客であり、友人の松任谷由実が、ペンネーム呉田軽穂名義で歌詞を、同じく常連客の細野晴臣がアレンジを担当。レコーディング、アレンジ作業も無事に終わり、あとは発売を待つばかり、という段階で、曲を作ってくれたスティービー・ワンダー側から、「この曲を映画の主題歌に提供することになったから、曲を返してくれ」という話が届き、急遽、発売中止になりました。びっくりですよね」。
発売寸前で中止になったブレッド＆バターの幻の曲。その後、スティービー・ワンダーが、1984年に公開された映画『ウーマン・イン・レッド』の主題歌として提供した「I Just Called To Say I Love You」(心の愛)は、収録された映画のサウンドトラック盤が全米アルバムチャートで３週連続１位を獲得、第57回アカデミー賞の主題歌賞を獲得します。
「ブレッド＆バターの二人にとっては、再びビックリですよ。自分達が歌う予定だった曲が全米１位、しかもアカデミー賞まで獲得するのか？…ですから。でも、スティービー・ワンダー側から、オリジナル曲として発売するのはダメだけど、ブレッド＆バターが、スティービー・ワンダーの曲をカバーするという立場で発売するなら、いいよ。という話になり、二人は改めて、レコーディング、発売することにしました」。ブレッド＆バターの二人は、複雑な気持ちを覚えながらも、改めてこの曲をレコーディング、1984年12月、シングル「特別な気持ちで(I Just Called To Say I Love You)」として発売します。
1984年12月に発売された、ブレッド＆バターのシングル「特別な気持ちで(I Just Called To Say I Love You)」。
「曲を、スティービー・ワンダー側に返した後、この曲をめぐって、スティービー・ワンダーは、当時の彼が歌詞を共作していたパートナーとの間で、著作権の問題で裁判になったんですね。その時、アメリカ大使館を通じてブレッド＆バターに、「これは本当にスティービー・ワンダーが作った曲か？」という問い合わせがあり、スティービー・ワンダーがブレッド＆バターに送ったデモテープが証拠となって、スティービー・ワンダーは裁判に勝ったんです」。
「裁判に勝ったスティービー・ワンダーは、喜んで、ブレッド＆バターのふたりに改めて感謝をし、新しく別の曲をプレゼントしてくれました。そんなスティービー・ワンダーとの関係もあったので、ブレッド＆バターの二人にとっては、余計に印象深い曲になったと思います」。村岡さんは、こう語ってくれました。
今日ＯＡした曲目
Ｍ１．水曜の朝、午前３時／サイモン＆ガーファンクル
Ｍ２．マリエ／ブレッド＆バター
Ｍ３．あの頃のまま／ブレッド＆バター
Ｍ４．特別な気持ちで(I Just Called To Say I Love You)／ブレッド＆バター
第５１回目の今日お届けしたのは、「楠瀬誠志郎／僕がどんなに君を好きか、君は知らない」でした。
1960年2月、東京都に生まれた少年・楠瀬誠志郎は、父親であり、声楽家の楠瀬一途(くすのせ・いちず)の影響を受け、幼少時代から聖歌隊に参加するなど、音楽に囲まれた生活を過ごします。「生まれたときから、音楽の道へ進むことが、決まっていたような気がします。父親が、オーケストラの楽しみ方を教えてくれ、いつもオーケストラの指揮者の真似をしていました。その写真も沢山残っています。指揮者が、まったく違う、色々な楽器の音色を束ねてひとつの音に作り上げるのが、素敵だなあ、と思っていました」。音楽との出会いについて、楠瀬さんはこう振り返ります。
高校に入学した楠瀬誠志郎は、東京・新宿のライブハウス「新宿ロフト」で、山下達郎や大滝詠一らが在籍していたシュガーベイブのライブを観たことをキッカケに、ドラマーの村上“ポンタ”秀一に弟子入り。杉真理、EPOのステージにコーラスとして参加するようになった他、来生たかお、松岡直也などのレコーディングにも参加、さらに自らも曲作りを手掛けるようになります。その後、楠瀬誠志郎が手がけたCMソングを偶然耳にした、レコード会社CBSソニーのスタッフからの誘いを受け、楠瀬誠志郎は、プロデビューをすることを決意します。
「僕は、自分がデビューする時、少しだけ非現実的な音作りを目指しました。リアルな音もきれいだけれど、美しい浮遊感を表現しようとしていました。デビュー当時は、高い声の男性シンガーが量産された時代で、槇原敬之(まきはら・のりゆき)、KAN、佐藤竹善(さとう・ちくぜん)らが、社会に受け入れられ始めたタイミングとも重なったんです。日本人は高い声が好きだし、何年かに一度はそんな時代があると思います。また僕は、ハーモニーも好きだったので、他のアーティストと違い、ハーモニーを大切にしました。コーラスの仕事もしていたので、仲間達とも親密になれたと思います」。1986年4月、楠瀬誠志郎は、シングル「宝島」、アルバム『宝島』でデビューします。1986年のデビュー後、一年に１枚のペースでアルバムを作り、ライブ活動をする楠瀬誠志郎は、その傍らで、作曲家としての才能も発揮、数々のアーティストに曲を提供します。「残念ながら自分の曲は、全くセールスチャートには入りませんでしたが、気にはなりませんでした。逆に、他のアーティストに曲を提供することで、自分らしいメロディーや、自分の曲のクセを知ることができました。曲を提供したアーティ